动漫中的古典音乐幻想曲：《交响情人梦》

　跨界恶搞产生的古典音乐新视野—《交响情人梦》 江玲承、陈若漪 　　《交响情人梦》原为一日本漫画作品，作者二之宫知子为取材古典音乐，下足努力与苦心，其后该剧被改编为电视剧及动画。其故事背景在日本的一所音乐大学，内容叙述因飞机恐惧症无法出国留学的天才千秋真一，与从来不愿意按部就班学习的野田惠（主修钢琴），因缘际会而相识，进而认识一群同样学习音乐的伙伴，从中擦撞出许多有笑有泪的故事。 　　长期以来，古典音乐似乎总给人一种不易亲近、令人难以望其项背的感受，连带导致一般人对于学古典音乐的人，必然总是充满气质、言谈深奥、难以理解、靠近的所谓“艺术家”形象。然而《交响情人梦》巧妙地将古典音乐融为配乐，融合进剧情里的各种生活层面，打破“古典音乐”=“很难、高阶文化、听不懂、不好听”等刻板印象。比如剧中男主角第一次跨进女主角野田惠的房间因为忍受不了其脏乱如垃圾山的“奇景”，开始疯狂大扫除时，配乐用的是大黄蜂的飞行，忙碌音阶搭配千秋抓狂般在房间中奔走清扫的情景，不禁令人会心一笑。如此颠覆的介绍方式，史无前例地让古典音乐攻占动漫迷以及非古典音乐爱好者。 　　除了善用配乐使《交响情人梦》在当今几乎一面皆纯爱走向的偶像剧中突围之外，更不容忽视的则是该剧充分呈现当今网路世代的kuso（恶搞）文化。 　　Kuso一词从日文而来，如何出现已经众说纷纭。泛指一种幽默、与常态不同而好玩好笑的表现；或者是网友讽刺经典、将之改编并反传统的呈现。对于“恶搞”二字，很难找到一个精确的定义。一般来说和“不按牌理出牌”、“把脑袋放空（不需动脑思考之意）”、“无厘头”等字相去不远。而Kuso文化最精彩的表现，往往就是把现实世界或现实逻辑里，通常不会出现在同一个情境里的事物，用创意以及直观的逻辑摆在一起，透过这种夸张的“不合逻辑”，产生搞笑荒谬，甚至是戏谑、讽刺的效果。 　　在《交响情人梦》中，我们常常可以看到恶搞文化如何颠覆“文艺气质男女”的形象。比如帅得要命的男主角千秋，却会三不五时眉间抖动，或者因为完美主义被侵犯到忍无可忍，以电玩攻击姿势出拳揍飞一天到晚呈现花痴状的女主角野田；能弹出流利优美，让人感动的音乐的天才野田妹，则根本是住在垃圾山中弹钢琴，而且完全是个生活智障，最大的梦想是编好一套可以教幼稚园小朋友唱跳的“屁屁操”，做蜂蜜柠檬是把整颗柠檬完全没有切开地浸在纯蜂蜜中；甚至人人景仰的世界知名指挥家，原来竟是个每天只想到联谊、想要买色情杂志的色老头… 　　而当观众在捧腹爆笑中，体会到剧中的天才人物们也有其kuso、甚至比一般人还要平凡、丢脸且“不过如此”的一面时，这部作品就降下了过往古典音乐是“艰涩、高阶”的观念门槛。野田的平凡，在于她对于生活技能的懒散与不经意。小至不爱洗澡、不爱洗头、脏袜子放到发霉因而长香菇，到穿洋装是因为这样不用常常洗衣服的逻辑思考，贴近生活又令人捧腹大笑。千秋的平凡，则在于他无法接受自己是软弱的（无法克服飞机恐惧症）、他没有办法突破自己的困境、对于自己的梦想（想从主修钢琴转为主修指挥以及出国留学）没有勇气跨出去。再加上每个角色个个鲜明的“怪癖”。 　　这些角色在我们以为一定必需立正站好，严肃以待的古典音乐世界中，平凡甚至是搞笑的演出示范，给了观众一个用另一种角度与心情，靠近古典音乐的可能（比如，能够跟着千秋一起研究贝多芬第七号交响曲）。很可以说，《交响情人梦》运用巧妙刻板印象恶搞了“古典音乐界”，却也因此突围，将观众带回对“古典音乐”这“音乐”本身的好奇与接纳中。 　　也因此，心灵小憩此次的企划选入苏友瑞老师的文章，试图以漫画为本，与读者分享《交响情人梦》中不同角度的古典音乐世界，以及其背后隐而未显，但相当深刻的音乐诠释意涵；同时也由长期耕耘动漫领域的网友小羊麦仔写出截然不同的观赏心情；更有爱好古典音乐的网友woyte，用长期聆听贝多芬第七号交响曲的经验，与动漫作品回应，盼望如此的跨界交流，会激荡出更多不一样的思考与收获！ 　恢宏的古典音乐世界－《交响情人梦》 Sweet 　　咦咦咦？这是啥来的？ 　　一向以来日本漫画界有三个大奖备受关注，一个是手冢奖，一个是小学馆漫画奖，另一个是讲谈社漫画奖．而去年（2004年度是也）讲谈社漫画奖的少女部门方面居然爆冷（？）由一部大部份读者也可能没听过的作品夺得－《交响情人梦》（原名：のだめカンタ一ビレ）。其实这套作品早在上年度的方墨漫画大赏中夺得进步奖，而今年更下一城，击败蛭田达也的《功夫旋风儿L》夺得本年度的表达奖。 　　究竟这部作品有何魅力，可以迷倒方墨一众笔者？ 故事简介 　　著名钢琴家之子，桃丘音乐大学中优秀的钢琴科学生千秋真一，其心愿是赴欧跟随小时候遇到的名指挥家维也拉学习指挥；偏偏因为飞机恐惧症及畏水症无法出国留学！某天他被钢琴科教授江藤开除后，失意买醉时遇到不可思议的少女－野田惠，从此与这位拥有优秀钢琴天份的怪女生结下不解缘．．． 各式各样的天才 　　观乎《交响情人梦》及上一套《天才家庭》，它们均有两点共同的特色：以男性为主角，以及在作品中描绘各式各样的天才。由于时间关系，所以笔者今次跳过“以男性为主角”这点（反正也没甚么特别要写的）。对比《天才家庭》，《交响情人梦》对天才的描绘的确比较出色。《天才家庭》成功描绘出各式各样的天才，但问题由于通街天才，而且他们的才能太过五花八门，甚么类型也有，反而无从比较；反之，在《交响情人梦》中，二之宫集中描写音乐世界的天才，并且在同一领域的天才们，二之宫亦有不同演绎，例如同是小提琴，千秋的才与阿峰的才有所差别，而清良与高桥的才亦有不同的演绎；又例如在单行本８和９的钢琴比赛中，二之宫对不同的参赛者亦有不同的处理：野田惠是野性的鬼火，濑川是深沉的鬼老头，而坪井是平平稳稳。二之宫在塑造天才上的确比前作有所进步。 　 雀跃的音乐感 　　另外《交响情人梦》比《天才家庭》更为出色的是在表达手法上较《天才家庭》更为大胆成熟，在展现音乐感上极为出色，特别在单行本９中的钢琴比赛中，二之宫为了展露野田惠的鬼才，特别利用史特拉汶斯基《彼特洛希卡三乐章》，以人偶戏的形式，加上观众的反应，表达出野田惠的钢琴才华，抽像展现曲中的情景。另外，二之宫在展现交响乐的气魄亦极为出色，她毫不吝啬利用精堪的分镜和分格技巧，展现出交响乐的宏大气势，令读者体会内里的震撼力。 　 清新自然的笑料 　　二之宫一向在搞笑方面有一手，在《交响情人梦》中更为出神入化。《天才家庭》在搞笑方面亦相当不错，但笑料稍为生硬欠缺自然感，有时更是令人觉得“为搞笑而插入笑料”，反令读者欠缺投入感。反之本作在制造笑料方面有所进步，不知不觉间型造令人会心一笑的布局，例如在单行本２中暖被炉一话，千秋的家因为暖被炉入侵令他的家变得像野田惠一样，他的遭遇，读者不禁莞尔。此外二之宫亦塑造不少搞笑角色，有着优秀钢琴天份的怪女孩野田惠，绰号“肉脚峰”的峰龙太郎，好女色的老头．．．是优秀指挥家休特列杰曼，以及理事长的妹妹，他们为本作的搞笑场面作出了不少贡献。 　 对美形感的掌握 　　一般读者以为在表面上画功越漂亮越精细，角色就和美形划上等号，其实不然。的确，表面上画得越漂亮越精细，角色多半越美形；但画得不漂亮并不等于没有美形角色！事实上，笔者认为画功漂亮与否和角色的美形感一些关系也没有，这在《交响情人梦中可以反映出来。在《交响情人梦》中，二之宫塑造大量美形角色，并且各有千秋：千秋充满高傲，带有禁欲主义的帅；阿峰带着玩世不恭，摇滚气息的帅；吹双簧管的黑木那种武士般孤高的气息，以及坚尼那种优雅中带着嬉皮的帅，形形式式的帅哥，充斥于音乐世界中点缀。 　 古典音乐世界，尽在《交响情人梦》 　　很少漫画家可以展现出色的音乐感，连矢泽爱的《NANA》亦不例外；但《交响情人梦》做到了。恢宏的交响乐世界，圆润的钢琴曲，震撼人心的音乐，尽在《交响情人梦》中。笔者在此展望在新章巴黎篇中，二之宫能为读者带来更为悦目的音乐演出。 　　顺带一提，本作诚获有名的少女漫画评论员伊丝塔大姐推荐 　　（心）。 　荡气回肠的交响情人梦 小羊麦仔 　　看了很多所谓音乐类的漫画，但是没有看过一部作品，像是真的在纸上演奏起来音乐，而他做到了... 　　也许是因为日剧的加分，所以在看这部漫画没有任何的不通顺的地方，在买到手当天晚上就十六集（未完）全数看完。 　　以前，看到吃到东西会发出光芒，或是打颗球会发出火来，那些我们都可以知道是在现实当中不可能出现的夸张漫画，但是撇除这部作品当中女主角野田被打飞的情节外，他们所演奏的音乐，在漫画当中是活着，而且确实存在。“听到”音乐，是日剧对漫画最大的影响，因为会让我们知道在漫画当中，那些的形容词，真的就如同每个古典乐的旋律，是如何贴切的贴上，没有一点夸张。 　　但是即使没有日剧，若是真的跟着漫画去找到这些古典乐，漫画会如同古典乐入门般的，让你边看漫画，边明白剧中的音乐。 　　交响情人梦是一群在音乐领域中不同的天才，而在不同立场当中，野田与千秋两种不同类型的天才，像是故事当中想要问大家的“音乐是自由要我想要的方式？还是了解创作音乐音乐家，忠实表现？”。如同绅士般的优等千秋，跟乡村？自由习惯的野田相遇，是千秋人生遇到瓶颈的时候。他不只是被幼年的恐惧的限制住，也被许多自我的优秀给困住。野田是曾经的天才，而被优秀的框架伤害后，自我放逐。两个可以代表面对音乐过与不及的认真态度。 　　虽然可以确定他们都是喜欢音乐，但是面对音乐的态度是什么？作者用夸张的方式，包容了这个很真实的议题，与其说是面对音乐的态度，还不如说是“面对自己的态度”。他没有用洒狗血的方式，去刻划出幼年的伤痛，造成影响有多少，但是可以说千秋与野田是彼此的另外一个缺角，也不为过（千秋一定死也不承认这种事情...=.=)。 　　不过，可以去思考的是，为什么同样的被催眠几百次都没有效果的千秋，为什么只有在野田妹面前，不到几秒钟就被催眠了？而幼年被钢琴老师欧打的野田ㄈㄟˋ，即使千秋殴打她几百次，也没有看她害怕？作者是没有解释这个问题，但若说一切都是命运也不是，所以？如果千秋没有花时间去整理野田的房间或是煮东西给她吃，而野田没有笨笨的用一些奇怪的方式鼓励千秋，他们之间不会产生一种微妙的信任（主人与宠物？）感。 　　他们看到的是除了他们对音乐执着与天才外，另外就是他们是真的看到彼此的本相，然后接纳。野田妹知道如果千秋如果治好的恐机症，很可能会离开她，但是当她看到千秋对音乐的认真与背负的伤痛，她还是决定治疗千秋（虽然治疗的过程超级好笑就是啦..)；千秋听到野田的音乐，多次其实野田都没有照谱的弹，但千秋还是因为对音乐的喜爱，忍耐配合野田的随性。 　　前期故事当中充满不同类型的野田（随性自由派），与千秋（优秀传统派），冲击、对话、融合与接纳，所以产生S乐团与R．S乐团。老实说不论创作音乐是多伟大的人，也只是一个人，每首音乐当中，都是一个人想要表达的故事与情绪。乐团当中面对这些音乐，就像人与人之间相处一样，与音乐的创作者相处，与乐团的每个人相处。 　　在野田在正面面对这些音乐，其实未尝是读者对古典乐的一种正面的认识。而在后期两个人到欧洲之后，就是如同从初阶的古典乐态度，进入更高阶的世界，在日本世界古典乐的天才，在欧洲也只是个常态了。所谓的天才，是要花更多时间去练习与思考，天才的一切不会凭空出现。 　　我曾经跟学艺术的人谈过，如果没有基础，任何项艺术自由创作也只是个空谈，除非你可以自己自创主流的艺术。会创作音乐与绘图的我，确实还是脚踏实地的学了很多年的艺术与音乐。 　　“学了这些后，然后丢开这一切，然后你才可以把这些东西化为自己风格”一个十分有名艺术创作者任先生如此说。所以可以看得出来后期的野田花了很多工夫在基本功上面（包含用动画学的语言），但是她最后还是会归回到随性自由派中，可里面已经有很多是内化千秋认真模式；而千秋仍然是优秀传统派，但是内化了很多野田对音乐的情感与随性。 　　他们爱音乐，然后学会爱自己，更爱音乐了；然后爱他们彼此，深爱音乐。这是很大部分像野田妹的小羊（音乐天才与脏乱？），很能够深深体会的，在没有压力下面，可以学会接纳自己，是件很幸福的事情。 　　希望大家在看日剧的同时，也可以细细的品味漫画，因为虽然他没有可以买的钢琴包包，但是却有很细腻的音乐与情感在当中流畅。 　　细细凝听，你会听到古典交响乐。 　《交响情人梦》的古典音乐视野 　　谈东方人因应西方古典音乐的现象 苏友瑞 ●前言：《交响情人梦》的古典音乐视野 　　最近都在看漫画《交响情人梦》，也看了改编的日剧，真的是一路笑到底。虽然故意恶搞，不过真的很佩服日本人认真的生活态度：他们就算只是画个通俗漫画，都会详细考据；其中的知识水准都会有一定程度，往往可以提供另一种知识的共鸣快感。 　　这部漫画到后来，男女主角通通跑到法国去了；这下子很好玩了！会不会呈现出古典音乐界里被轻视的法国观点？ 　　虽然从日本文化极度偏重修行观的习惯，很容易导致顾尔德式的‘只要有独特性且超人一等地努力，就算违反传统规范也可以成大器’的漫画习惯（例如头文字Ｄ、将太的寿司）。不过从作者把主角设定在法国巴黎后，很有趣的，突显了很多古典音乐之法国观点。 　　比方说，强调首席乐手的龟毛特性、强调古早传统协会式乐团的经营特色与难管难带。（长注：据新天新地唱片行的林主惟先生教导，有一日本指挥拯救了差点被解散的巴黎拉慕鲁乐团，并且传言有电影与漫画描述这个故事。何况，协会式乐团的型式己经势微；所以漫画中的协会式乐团，应该是架空历史的故事。据此我们都在猜巴黎拉慕鲁乐团就是《交响情人梦》里千秋正在拯救的乐团。不过漫画中写的是‘卢马列乐团’，故意编新名字？） 　　而谈到钢琴演奏，也是着重音色之美而不是华丽格局或情绪的感染力，因而常提到拉威尔与德布西......可惜这个作者没有提到圣桑的钢琴音乐之伟大，而且似乎还没提到管风琴这个最重要的乐器。 　　其中还提到，现在的管弦乐团流行德式低音管（Fagott），而法国乐团传统为巴松管（basson）；后者是纯正法国音乐所需的音色。 　　如上种种法国观点，对于专业音乐人士来说可能都只是常识而己。可是，在东方社会中广大的古典音乐爱好者，对这些法国古典音乐特性的注意简直低到极点；说不定，爱乐者的古典音乐素养，会被《交响情人梦》打败......... 　　我自己聆乐三十多年来，也是一直犯着极度轻忽法国古典音乐传统的错误；幸亏认识了音乐素养深不可测的林主惟先生，才得以看到古典音乐的新天新地。今天恰好藉由这个漫画（或日剧）的流行，得以用不同的路线重新思考‘我们可以在古典音乐领域获得更多’之问题，从而反省东方文化面临西方古典音乐传统产生的错综复杂面貌。如果读者需要更深入的解释，欢迎参考以下专辑：《古典音乐的新天新地》与《古典音乐的法国观点：一个‘音’、‘乐’分立的欣赏角度》。 　　这会是一次有趣的尝试！ -------------------------------------------------------------------------------- ●从《交响情人梦》谈东方人因应西方古典音乐的现象 　　由于古典音乐是源自西方文化传统的产物，习于东方文化的东方人学习欣赏或演奏古典音乐时，往往面临文化观点冲突的现象。因此，很容易出现主张‘反传统’、高举‘自由地演奏’从而彰显‘个人的独特性’之古典音乐立场。在这部漫画就是标准的女主角‘野田妹’类型，在现实生活中还有傅聪（傅聪曾自陈受到严厉老师管教、差一点不爱钢琴了的幼年历程）。 　　但是这种反传统式的彰显个人独特性是无法永续经营的；因为搞怪的个人创意绝对不可能无穷无尽，缺乏传统的个人搞怪更是常常缺乏深度。早在小提琴手甘迺迪就搞怪过，到如今这些搞怪者还是通通差不多──偶而玩玩也罢，绝对无法长久！ 　　所以搞怪摇滚式小提琴的阿峰到了Ｒ＊Ｓ乐团就只能居末席，Ｓ乐团只能演两场就江郎才尽了，野田妹被真正高水准的法国钢琴教授取笑成‘婴儿’，这都是光想靠‘个人独特性’的创意来面对古典音乐所造成的困境。 　　当意识到一己之力的不足后，认真严谨的人就会选择努力拚命研究，彻底寻问音乐每一个音符的意义，这时就会出现男主角‘千秋’类型。漫画第十一集说得好：‘坚强的意志与知性，企图明确表现出作品原本的模样。’ 　　我自己过去努力钻研古典音乐、采用辛苦的‘读谱方法论’重覆聆听一张唱片二十多次，然后自创‘五大后期’观念、并找到‘心灵跃升’的音乐美学与心灵历程，正是这种‘千秋’类型的结果。这种方式的好处是：古典音乐做为一种深刻的艺术，必定存在很多普遍人性的心灵深度。因而即使对古典音乐的知识不够全面、对西方文化传统不够理解，照样能从这种方法获得深度的古典音乐艺术素养。 　　但是，正因为不是基于真正的古典音乐传统文化，这种追求深度往往走向‘哲思’：强调音乐作品的‘意义感’而非‘纯粹美感’。因此，利用‘线条刻划’来增加音乐作品的故事性与戏剧感，成为追求哲思与意义的欣赏者偏好的方向。这可以解释为什么哲思型的欣赏者很容易喜欢上福特万格勒、吉利尔斯这种善于营造哲思气氛的伟大演奏家。 　　当然了，这种哲思型演奏家或爱乐者，很容易走向我前述‘音、乐无法分立’的困境。因为追求意义哲思，线条营造一定是最方便的心理历程，很难逃脱这种陷阱。 -------------------------------------------------------------------------------- 　　于是出现了一个诡论现象：《交响情人梦》中法国指挥家坚尼，他应该是第三种‘音色营造’类型。虽然，漫画中批评他‘坚尼可以将任何一首曲子，指挥得流畅美丽且悦耳，但是含糊不清的表现太多了’。不过，仔细透过心理学分析，也许实情应该是这样： 浦朗克的ＥＭＩ名版 　 DECCA对照版 　　第一、这段话，在我看来明显是批判卡拉扬、阿巴多这类善于营造第一小提琴线条来获得悦耳感之演奏家。不过，这是当今古典音乐界的主流欣赏方式；例如说，在法国六人团之一浦朗克（Poulenc）的管风琴协奏曲第一乐章，明明是要营造小提琴与管风琴音色混合的效果。但是DECCA多轨混音录音方式，硬是把它混音成：有时管风琴大声、有时小提琴大声、突显旋律线条从而完全破坏音色营造。虽然彻底破坏了音色，但是旋律线的鲜明易听，其实是很‘悦耳’的！只是，伟大音色作曲家浦朗克，在此变成完全不入流的海顿模仿者...... 　　第二、重视‘音色营造’的演奏家，不会故意‘只’突显旋律线条；这种特性对于不重视音色欣赏的爱乐者，极可能误判成‘含糊不清的表现太多了’。比方上述浦朗克的管风琴协奏曲，最伟大的名盘是管风琴家杜吕飞与巴黎音乐院乐团的梦幻ＥＭＩ名版。他们为了制造音色效果，第一小提琴的线条比起上述的错误示范DECCA版，真的是‘含糊不清的表现’！同样的现象，也发生在浦朗克的双钢琴协奏曲。作曲家亲自演奏之梦幻ＥＭＩ名盘，呈现完美的两台钢琴音色合之效果。而DECCA之标准错误示范录音，把两台钢琴强力突显左右两端的定位，成功地彰显了‘这是两台钢琴’的廉价快感，却彻底毁灭了浦朗克想要的音色效果。 　　第三、坚尼是法国人，法国的古典音乐传统从来都不是这种‘重视第一小提琴线条’传统，而是‘音色营造’传统。由此推测，极可能《交响情人梦》作者，暂时把这种音色营造的能力误解成卡拉扬之流。 -------------------------------------------------------------------------------- 　　那为什么裁判判定千秋获胜？很简单嘛！裁判代表作者的编剧意图；虽然漫画中裁判是法国人，其实裁判的观念根本就是作者的观念，所以，裁判忠实反映了东方古典音乐爱好者的偏见........ 　　我猜测，作者应该在一边绘制此作品同时，一边好好研究古典音乐。他现在拚命严谨‘研究’古典音乐，当然会倾向‘哲思’派。幸好主人翁不是去美国，不然整个古典音乐描述大概就定型了。幸好千秋去了法国，依日本人创作漫画严谨的取材态度，仔细研究过法国古典音乐传统后，如果作者真的领略到属于‘真正的坚尼’一派‘音色营造’的功力，到时千秋的指挥故事极可能会大改观。 　　当然，也有可能作者跳不出文化传统，继续以‘哲思’一派来决定音乐欣赏功力，那么，千秋可能只好提早回日本了。 　　这部漫画究竟会带出怎样的古典音乐视野呢？期待作者继续发展这个有趣的故事。 　《交响情人梦》的古典音乐视野： 　　　‘哲思诠释’与‘音色营造’ 苏友瑞 　　《交响情人梦》中，法国指挥家坚尼与男主角千秋的指挥比赛（第十集与第十一集），透露了很多有趣的音乐观点。 　　他们复赛时，坚尼先指挥拉威尔《小丑的晨歌》，再指挥史特劳斯《狄尔的恶作剧》。而千秋是先指挥拉威尔《死公主的孔雀舞曲》，再指挥同样史特劳斯《狄尔的恶作剧》。结果千秋对法国号手要求太严苛，与很多乐手起了冲突，乐团失控而差一点失去比赛资格。 　　这里是有可以详细理解之处的。 -------------------------------------------------------------------------------- 　　《死公主的孔雀舞曲》是一首在拉威尔作品中乐团编制最小的乐曲之一，一开始便是由法国号演奏出凄美无比的主旋律。但是，这首曲子叫做‘死公主’或‘早夭公主’，其实与音乐本身不见得有关，纯粹是拉威尔随兴取一个名字而己。固然曲子本身很凄美，但这恐怕是孔雀舞曲本身型式使然。证据可参考《鹅妈妈组曲》的‘睡美人之孔雀舞曲’：你可以发现，如果要诠释出人性情感，这两首曲子几乎是一模一样的。所以，‘早夭’公主跟这首音乐的旨趣是无太大相关的。 　　在这首音乐，可以说拉威尔企图在较小的乐团编制中，做出极大的音乐线条与音色的营造效果；也可以说，他这时还没有发展出往后作品那么千变万化的管弦乐技法。无论如何，这首乐曲的音色炫技在拉威尔的音乐中算是很小的，因此，最容易使用‘乐’之诠释能力来弥补‘音’之营造能力的不足。所以，只能走‘哲思’的‘乐之诠释’路线的千秋，指挥这首音乐可以让人联想到女儿早夭的情感。 -------------------------------------------------------------------------------- 　　相对的，拉威尔《小丑的晨歌》是超高难度的管弦乐曲！不但编制极为庞大，其中各种音色炫技、甚至在中段慢板部份指定减少提琴族之数目，都是经过精密无比的设计。这样的音乐，完全不必去诠释出‘逗人笑的小丑会有怎样心情的晨歌’；单单只要求能正确表现出乐曲的‘音色营造’，就可以让非法国乐团通通死得一干二净了！所以让千秋这种‘哲思诠释’型的指挥来指挥这首音乐，必定输给坚尼。 　　真是很佩服原漫画作者：虽然他对主角千秋的偏好并非法派善长的‘音色营造’能力，但是编剧过程对乐曲的选择，真的不像是不懂法派音乐的人写出来的！如果他居然敢编出：千秋指挥《波丽露舞曲》又产生‘哲思’而赢过坚尼，我一定会把书丢到地上笑掉大牙。 　　如果我是那个法国号手，我当然会对指挥千秋发火．．．！因为《死公主的孔雀舞曲》一开始由法国号主导的主旋律，如果要有千变万化的音色营造，势必不能太小声，才会有动态余裕来进行音色变化。而千秋为了表现其‘哲思诠释’而叫法国号一再吹小声，等于是把美丽的法国号音色变化能力，压扁成只有声音而没有音色变化的平淡无奇水准。做为一个有自尊的法国号手，当然要翻脸了。古典音乐圈流行一个极为错误的‘芝加哥爱乐的铜管声部超强’之观点，正是这种无法鉴别铜管音色营造能力的流风；习惯这种光有音效而毫无音色营造能力的铜管，恐怕完全无法理解为什么法国号手要捉狂。 　　这套漫画虽然因为作者自身偏好而倾向高举‘哲思诠释’，但是取材严谨的态度下，对于‘音色营造’的资讯彻底原汁原味地保留下来，很容易就可以阅读出背后重要的意涵。 -------------------------------------------------------------------------------- 　　在此强烈推荐这套经典唱片：克路易坦与巴黎音乐院乐团在EMI录制的拉威尔管弦乐合集。比起其他更正统的法国指挥家来说，克路易坦太温文儒雅了些；但是巴黎音乐院乐团与他的天作之合令人惊叹，更重要的是，这套录音正确无比、完美无缺；只要你使用的是‘正确音响’而非‘加料音响’，就可以轻易听出拉威尔运用管弦乐的音色营造能力。其中，《死公主的孔雀舞曲》的法国号手可说是美到令人流泪的铜管，你可以从中感受到为什么法国号在这里‘不能太小声’，否则令人流泪的铜管音色美感就会消失无形。 　　随著作者更进一步的取材，这个全新的古典音乐视野之故事还会继续进行下去。 　《交响情人梦》的古典音乐视野：　 　　　　　　音乐的‘调和感’ 苏友瑞 　　《交响情人梦》到了第十五、十六集，开始出现了‘进阶级’的古典音乐观点。剧情大略是：男主角千秋对乐团要求极为严苛，专制的乐团首席跟着要求小提琴声部的全体人员留下来额外地进行分部练习；结果在大家辛苦兼不耐的练习时，因为一个独奏性格太强烈的小提琴手演奏太快兼穿着怪异，造成大家火冒三丈吵成一团；于是首席语重心长地说出：‘（音乐）合奏的精髓在于调和（harmony）......人们认为“神所创造的世界，是依据完美的调和构筑而成；......音乐的本质在于“调和”，表现出“调和”的才是真正的音乐家......’。 　　当然了，该漫画对这些古典音乐之名词用典是否正确，对于非专业的爱乐者（如我们）是不必太计较的；重要的是，从这些剧情可以发现作者有意无意间掌握了什么音乐欣赏的重要本质。 　　而在我看来，从上述剧情而论，己经是进阶级的高水准古典音乐欣赏角度了。 　　（古典）音乐的本质在‘调和’，这在美好时代时期的著名巴黎四大乐团之三：巴黎音乐院乐团、柯隆内乐团与拉慕鲁乐团之录音资料，真的是一清二楚的趋势。透过古典音乐欣赏者中特殊的‘历史录音欣赏取向’，更是可以了解很多音乐欣赏的旨趣。 -------------------------------------------------------------------------------- 　　非专业的古典音乐爱好者，接触管弦乐的历史录音，绝大多数都是从‘福特万格勒’与‘托斯卡尼尼’两位超级著名的大指挥家去接触。刚好这两人是截然不同的两种典型：在过去，我们把福特万格勒称之为‘存在主义式演奏’，把托斯卡尼尼称为‘忠于原谱式演奏’。现在从‘调和’的古典音乐本质，再加上法国乐团的精致传统，可以发现更重要的管弦乐艺术欣赏角度。（关于‘存在主义式演奏’与‘忠于原谱式演奏’可参考本人文章：从古典音乐的有声记录谈艺术欣赏的‘时代处境’与‘心灵跃升’角度） TIMPANI 拉慕鲁管弦乐团 1929-1933 　　托斯卡尼尼强调‘照谱演奏’，严格遵守乐谱的指示与速度节奏。同一段主旋律，贝多芬既然先用小提琴、再用竖笛、再用法国号来接续演奏，那么为了突显乐谱中变换乐器音色的特性，托斯卡尼尼采取先后‘突显该声部演奏主旋律时的音量强度’之方法，清楚交待了乐谱上的细节。可惜的是，这种‘突显音量’的方法，非常容易造成不同声部之间完全无法‘调和’。托斯卡尼尼的美学极可能主导了整个美国古典音乐欣赏界的观点，随之发展的古典音乐唱片录音，通通采用按照乐谱主旋律来‘突显某乐器音量’的录音法。结果，造成这些唱片无论多么发烧，最多是产生音响快感，却几乎完全得不到任何音乐或录音上的‘调和’美感。 　　福特万格勒被称之为‘存在主义式演奏’，在于他主张演奏家可以主动诠释音乐意旨而更动乐谱内容。他特别惊人的才华在于整齐划一的速度变化（甚至完全违反原谱），吸引爱乐者的情绪与之共舞。换句话说，他掌握了某种‘时间轴上先后的纵向调和美感’：同样的速度，这边加快那边渐慢，硬是能在精神层面上说服欣赏者而获得美感。这里我们可以看出，会有那么多音乐欣赏心得偏好‘野田妹’类型，正是对福特万格勒的成就之梦想追寻。但是，为了充分掌握乐团在速度变化剧烈下的整齐，福特万格勒明显偏重‘小提琴声部’，以小提琴声部来主导乐团的精密进行变化。于是，一不小心，就会严重丧失‘同一时间’于‘不同乐器’之间的‘调和美感’。福特万格勒之后的柏林爱乐指挥家，从卡拉扬到阿巴多，这种‘交响曲等于第一小提琴协奏曲’的严重问题一直无法解决。 -------------------------------------------------------------------------------- CASCAVELLE 拉威尔历史录音大全集 (巴黎音乐院乐团、 其他梦幻名团) 　　我先前没有听过法国乐团在美好时代时期的历史录音唱片，对于上述两种调和美感的缺失问题，总觉得是历史录音的天限。听过了这些经典的巴黎乐团之演奏水准后，才发现问题真的是在于‘调和’。 　　在这些历史录音中，无论是那个传奇乐团，通通有着‘调和’能力超强的事实。最基本的听感就是：在 TIMPANI 的拉慕鲁乐团 1929 (1930?) 之拉威尔古风小步舞曲，虽然是极糟糕的老录音，但是，五种不同乐器的合奏效果所混出来的独特音色仍然非常清楚，并且可以直接穿透乐团而分别注意到某一乐器的独奏能力，这是最伟大的‘乐团合奏之透明感能力’。对比之下，克路易坦与巴黎音乐院196x那套录音超级发烧的同曲目录音，仔细一比，合奏音色极佳，但是单独乐器的透明感硬是稍稍输了一点点。到了改组后的巴黎管弦乐团，马替农与其在197x的录音，合奏音色就明显输了一截，独奏之透明感变得突兀了。到了 Inbal 与 ORTF 的近代录音，更是双双远输。 　　这些历史追寻说明了一个事实：管弦乐团合奏美感真的来自于‘调和’；无论走那种演奏路线取向，最后的门槛都是在于合奏时的调和能力。有趣的是，若论及乐手的独奏能力，却是越来越强！今日要找到能演奏出超技曲目的演奏家实在遍地皆是，为何乐团的合奏反而难以感动人？也许正是漫画中借由主角千秋之口所说的：‘能以理性的力量，专心对音乐作品做整判断的人’才算是音乐家，否则只能称为‘cantor’。不过，作者这个观点，可能会导致福特万格勒以来的‘哲思型’演奏当道，这是前文指出的一个缺憾。 -------------------------------------------------------------------------------- CASCAVELLE 柯隆内管弦乐团 　　还是回到那个第一小提琴首席的铭言：‘合奏的精髓在调和’。对于福特万格勒的欣赏，的确养成了一种‘线条旋律的调和’之音乐欣赏素养，着重在时间轴上先后的纵向调和。所以当野田妹、黑木与保罗演奏浦朗克的三重奏时，漫画作者只能想像出演奏速度与诠释情绪的情节，无法想像出音色调和的情节。上述著名的巴黎乐团之演奏能力在于时间轴同时发生的横向调和，表现出来的是‘音色层次的调和’，产生超绝的透明感，而能在极糟的历史录音中，照样清清楚楚听到该时代的美好音乐。当然，也要感谢专业工程师如 P.Morin 与唱片厂商正确地制作历史录音唱片，才能完整呈现这些感人的音色瑰宝。 　　可惜漫画作者还是着力在线条旋律的纵向调和，所以剧情中以威廉泰尔序曲为重。不知那天会描写到法派音乐的详细指挥练习过程？到时就可以看出作者的音乐欣赏功力之进步历程了。 　《交响情人梦》的古典音乐视野： 　　《威廉泰尔序曲》需要那一种调和感？ 苏友瑞 　　为了全盘理解《交响情人梦》的古典音乐视野，其中详细描述的音乐就算不是我的喜好，也尝试着聆听而体会漫画作者的旨趣。第十六集中描述罗西尼的著名曲目《威廉泰尔序曲》非常详尽，糟糕的是我完全没有任何名家演奏该曲目的唱片，只好在一些散落的全集式简介唱片中去寻找，结果，出现了很有趣的现象可以谈谈。 　　罗西尼《威廉泰尔序曲》真的很好听，不过，我个人是觉得他的管弦乐合奏技法与莫札特差不多，最多是乐器种类多了一些、音色更大胆了些。就此而论，《交响情人梦》作者拿这首音乐来当成千秋操烂乐团的曲目，是有点太小题大做了：因为这首音乐所需的合奏技巧其实很简单，比起杜卡的《魔法师的徒弟》、拉威尔的所有曲目，都要简单多了。要论铜管，《魔法师的徒弟》操得更凶，保证把无法使用铜管演奏出深情旋律的二流乐团通通搞出真实面目。 　　但是不能因此轻视原作者，他着实非常用心。请注意黑木演奏的《威廉泰尔序曲》战争后的和平牧歌，有没有注意漫画家画的是‘英国管’而不是黑木招牌的‘双簧管’？日本人做事严谨实在令人佩服！ 　　虽然这首音乐所需的合奏技巧只是莫札特级，但是，仍然出现了‘乐团的合奏能力’问题。（有关‘合奏能力’的论述请参考：古典音乐的法国观点：一个‘音’、‘乐’分立的欣赏角度） 　　因为我彻底不赞同 NAXOS 的作风，所以先拒绝听 NAXOS唱片，从而找到一张附在‘古典音乐CD百科’（迪茂国际出版）的唱片，上面标明是 London Festival Orchestra，Alfred Scholz 指挥。听了之后，只觉得罗西尼的音乐真的没水准......只有单一旋律线条，一点合奏音色的写作能力都没有；录音又差，差一点就要再唸一次罗西尼的音乐真的是垃圾...... -------------------------------------------------------------------------------- 　　不死心之下，只好听听 NAXOS 的唱片，是附在‘电影中的古典音乐名作第二集’，取自 8.550236 的 ROSSINI: Overtures 唱片，Michael Halasz 指挥 Zagreb Festival Orchestra。别问我他们是谁，我当然是听都没听过。（参考资料：http://www.naxos.com/mainsite/NaxosCat/Naxos_Cat.asp?item_code=8.550236# ） 　　播放唱片之后吓了一大跳：这张唱片的录音水准也未免太高了吧？虽然比不上 EMI FRANCE 与新天新地的唱片，但是要比 EMI ENGLAND、DECCA，录音效果一点都不输。这张唱片录音的加料不多，比起很多粗制滥造的五大厂录音完全强之太多！怪不得 NAXOS 会让有些认真聆乐的人觉得超值，大概就是听到这种等级的唱片。 　　最重要的是演奏能力，真让我吓了一跳：Michael Halasz 指挥 Zagreb Festival Orchestra 表现出非常高段的‘乐团之合奏能力’，铜管、木管与弦乐三声部分离地一清二楚，又融合无间。从而发现《威廉泰尔序曲》中最操铜管的并不是漫画中所描述的后半段进行曲，而是‘暴风雨（战争）’段‘铜管加木管’与‘弦乐加木管’的音色对抗。了不起，罗西尼的管弦乐技巧有一定水准，就是莫札特等级的水准。 　　完全不知道指挥与乐团是何方神圣，又对罗西尼与 NAXOS 充满偏见；幸好学会了录音艺术的判断能力与乐团合奏能力的品味，没有误杀忠良。这说明了音乐与音响虽然主观，其根值的真实听感是可以客观、普遍化的。 -------------------------------------------------------------------------------- 　　我没有听过其他名家的版本，但是可以试着猜测一下：依这首音乐表现出来的乐团合奏能力与录音水准，恐怕至少要请出贝姆或柴利比达克出来，或许还可以拚一拚。其他五大厂的指挥，应该都会输 Michael Halasz 输得一蹋糊涂。于是我找出了一张卡拉扬指挥柏林爱乐的罗西尼序曲集，这下子可以好好比较一下。 　　当然不必比录音了，卡拉扬到底为什么要让他的唱片出版发行成这么可怕的烂录音，我实在搞不懂；标准的后制混音而且烂得一蹋糊涂，铜管一下子跑到前面一下子滚到后面、第一小提琴一下子钻到正中央一下子飞到极右边...... 　　纯就演奏诠释来说，‘乐团之合奏能力’当然是 Michael Halasz 指挥 Zagreb Festival Orchestra 明显高了一截。卡拉扬明显把罗西尼的序曲音乐当成歌手演唱，每个乐段都只突显单一乐器的旋律线条与单一色彩，完全没有任何乐器合奏的音色效果可言；这大概就是他的演奏风格了。 　　但是，卡拉扬却大大赢在‘乐团的控制力’：也就是在瑞士军进行曲（电影《发条橘子》里男主角与两个辣妹乱搞时的配乐）的表现上，卡拉扬节拍速度快上许多，而且各声部不乱、弦乐声更是完美无比。对照的 Michael Halasz 虽然放慢速度，却无法获得卡拉扬的弦乐美声快感，也缺乏各声部节奏感的统整性；简而言之，明显可以听出卡拉扬的‘乐团控制力’强上一大截。 　　换句话说，卡拉扬的乐团控制力极强，却是彻底放弃了音色合奏效果的音乐艺术领域；怪不得他演奏的所有法国曲目通通都有严重的美学问题，从根本就完全放弃法国音乐美学基础的指挥家，指挥法国音乐当然无法成功。 -------------------------------------------------------------------------------- 　　于是，是要讲究‘音色的调和感’？还是讲究‘线条节拍的调和感’？罗西尼《威廉泰尔序曲》需要那一种调和感？ 　　就漫画中透过第一小提琴首席详述的‘调和感’，明显偏向‘音色的调和感’，所以无论千秋或首席都会一再地抱怨：‘各声部还没有合起来！’而不是‘节拍乱掉了！’。这样子的法国观点下，应该会出现更有趣的管弦乐欣赏（或练习）历程才是。只可惜在第十七集中，作者放弃了进一步探讨法国管弦乐艺术的情节，不知是剧情需要还是作者的音乐素养己经江郎才尽了？期待第十八集能另有发挥。 　酒醉的第七号交响曲 woyte 　 　　听着贝多芬《A大调第七号交响曲》的第四乐章《灿烂的快板》，看着德国指挥家克莱巴挥舞着微醺的指挥棒，时而以他招牌的甩棒过肩动作，时而优雅却带有更多的狂放，驱使乐团让现场观众狠不得能够举起冰凉的啤酒杯高呼干杯！经历这样的视听飨宴要不爱上古典音乐，很难！ 　　或者去看看日剧《交响情人梦》的第四集是怎么呈现贝多芬《A大调第七号交响曲》的第一乐章《甚快板》，那样的生动活泼的演奏，不但摘下古典音乐看似严肃的面具，也让古典音乐增添了有劲的活力！历经这样的视听效果要不爱上古典音乐，真的很难！ 　　德国作曲家贝多芬（Ludwig van Beethoven, 1770~1827） 一生创作的九首交响曲里，几首无论是他亲题的《英雄》或者被后世冠上标题的奇数号交响曲都是鼎鼎大名的音乐钜作，例如《降E大调第三号交响曲“英雄”》 （Symphony No.3 in E flat major, op.55） 、《c小调第五号交响曲“命运”》（Symphony No.5 in c minor, op.67） 、《d小调第九号交响曲“合唱”》（Symphony No.9 in d minor, op.125） 。反而没有被后人冠上标题的《C大调第一号交响曲》（Symphony No.1 in C major, op.21）以及《A大调第七号交响曲》（Symphony No.7 in A major, op.92）容易被忽略。上述提到的贝多芬几首拥有标题的奇数号交响曲，都是我早年开始听古典音乐时，必然会接触的所谓“世界名曲”或“百大名曲”。 　　然而岁月如梭，对我来说，没有标题的贝多芬《A大调第七号交响曲》越陈越香，对它的喜爱早已超越当年贝多芬那几首音乐史上的扛鼎之作。这首在1812年完成的交响曲，隔年底于维也纳的首演即大获好评，也让贝多芬声名大噪！那样的成功，当时的历史背景具有推波助澜之效。当年的维也纳甫经拿破仑的铁蹄蹂躏践踏，正处于重建的阶段。而这首曾被匈牙利大钢琴家与作曲家李斯特 （Franz Liszt, 1811~1886） 喻为“节奏的神化”、德国作曲家华格纳（Richard Wagner, 1813~1883）认为它是“舞蹈的神化”以及贝多芬自认的“此曲乃为人类酿造美酒的酒神”的交响曲对于当时涣散的人心士气无疑是一场及时雨！的确，当我从第一乐章的《甚快板》 （Vivace）一路听到第四乐章的《灿烂的快板》（Allegro con brio），音乐途中完全没有慢板或行板的乐章，直到第四乐章仿佛是情绪累积到最高点的狂欢节派对！特别是聆听德国指挥家克莱巴于1982年指挥巴伐利亚国家管弦乐团（Bayerisches Staatsorchester）于慕尼黑国家剧院（Bayerische Staatsoper）的现场演奏录音，最能体会让此曲豪情挥洒、快意奔放又淋漓尽致的畅快感！ 　　上述的痛快若能观赏克莱巴 （Carlos Kleiber, 1930~2004） 指挥这场为了追悼在1981年过世的奥地利一代指挥大师卡尔．贝姆（Karl Bohm, 1894-1981） 的现场音乐会的影像将会更棒！只可惜该场音乐会演出并未留下影像纪录，不过仍然可以从克莱巴指挥阿姆斯特丹皇家大会堂管弦乐团（Royal Concertgebouw Orchestra）的同曲现场音乐会的影像纪录来感受他的指挥魅力。特别是当乐曲行进至第四乐章的《灿烂的快板》，宛如酒神戴奥尼索斯（Dionysus）上身的克莱巴挥舞着微醺的指挥棒，时而以他招牌的甩棒过肩动作，时而优雅却带有更多的狂放，甚至于偶尔只是静静地看着乐团的姿态，驱使着这个他长年合作的乐团，让现场观众狠不得能够举起冰凉的啤酒杯高呼干杯！这个乐章足足比他在1976年为德国DG唱片公司灌录的同一首乐曲的同一乐章 （左上图为早年发行的版本，右上图为目前发行的版本）快了两分多钟！虽然演奏时间加速，乐曲却不是毫无章法地乱舞，而是一波接一波的动力层叠上来，将气氛呈现至白热化。听了这个乐章，又看了克莱巴的指挥，老实说要不爱上古典音乐，很难！ 　　这首交响曲的第一乐章的主旋律我也非常喜爱，它有如轻快舞蹈般的节奏，非常讨喜，也被日剧《交响情人梦》（のだめカンタ一ビレ）选为片头的主题曲，同时也在该剧第四集里被生动俏皮地呈现！剧中的演奏是在主旋律出现之前让乐团低音大提琴与大提琴一同转动琴身掀开序幕，紧接是小提琴一致地扬起琴身演奏，待主旋律再现时，管乐手也扬起各自的乐器吹奏。当时我看了这样的演出画面，简直乐不可支！如此活泼的演奏，不但摘下古典音乐看似严肃的面具，也让古典音乐增添了生动有劲的活力！由于我尚未看过原着漫画，因此无论那是原作的场景还是剧组改编的创意，都令我激赏。要是听了这个乐章，又看了那样的演奏，不爱上古典音乐，真的很难！因此未来本地若有播映《交响情人梦》，千万不可错过。 　　甫于2006年底在日本播毕的日剧《交响情人梦》 （のだめカンタ一ビレ），是由日本漫画家二之宫知子（Ninomiya Tomoko, 1969~）的漫画《如歌的野田惠》（のだめカンタ一ビレ, Nodame Cantabile） 改编。这套自2001年连载至今的漫画，在本地被归类成少女漫画。据说原着的创作灵感，来自一个头发常常3、4天不洗，又住在一个如垃圾堆的房间里弹钢琴的女生来到二之宫知子的网站聊天，当她越了解这个女生，就越想创作一个以她为架构的故事，因为这个女生跟传统的古典音乐家形象大不相同。通常音乐家都是光鲜亮丽地身着晚礼服在大众面前演奏，可是这个女生只是真诚地面对音乐，毫不在意别人对自己的看法。于是一个不修边幅、生活习惯邋遢、弹琴技巧高超的女生研习古典音乐的故事就此诞生。故事就从这位女孩，野田惠 （Noda Megumi），遇见了全音乐大学都崇拜，素有“王子”之称的学长千秋真一（Chiaki Shinichi）开始。她自然也跟其他女孩一样被千秋王子深深吸引，虽然千秋王子觉得野田惠的钢琴弹得很棒，具有特色，却对她堆满垃圾、不修边幅的生活方式感到十分惊讶。渐渐地古典音乐将两人的命运紧紧相系，合作四手联弹钢琴曲，甚至于后来一起前往法国留学。 　　这出在日本平均收视率18.79%的戏剧在当地引起了古典音乐旋风，只要看过这部戏剧的男女老少，都开始对古典乐产生浓厚兴趣，因为剧中的几场管弦乐团演出实在很“炫”，例如第四集出现的贝多芬《A大调第七号交响曲》的第一乐章、身为片尾曲也在第五集出现的盖希文 （George Gershwin, 1898~ 1937） 《蓝色狂想曲》（Rhapsody in Blue），剧中的S乐团将这首爵士风格的古典音乐演奏得有如园游会一般地热闹多彩。当然剧中还有不少管弦乐团演出的场景都相当真实，当剧中角色卖力演出如同漫画人物的夸张表情之际，一场又一场考究的管弦乐团或钢琴演奏的演出适度平衡了戏剧。而当地商人也趁机重新包装许多相关曲目上市，另外各乐团也更卖力制作音乐会，让为戏而对古典音乐初生兴趣的大众也有机会实地看到交响乐团的演奏。 　　我一直觉得若音乐家们地下有知现在的人们几乎都得正襟危坐地被迫面对他们的呕心沥血之作，我想他们也会希望大家轻松一点。学习当然要以严肃的心情为之，可是用轻松的态度面对并不为过。如同《交》剧当中的S乐团，团员都是一般老师眼中跟不上进度或者看似不出色的演奏者，然而他们的音乐却拥有自己的个性，练习的时候也非常认真，只是在正式演奏时喜欢为古典音乐增添一点不一样的东西，让古典音乐更有趣、更平易近人。“条条大路通罗马”，谁说一定要走一直线才能抵达罗马呢？ 　　从《交》剧开始，我才比较了解原来当一位指挥家究竟是怎么回事（因为我一向比较爱听室内乐跟协奏曲，交响曲跟歌剧是我一直较少聆听的范畴。）不但要娴熟各乐器的音色，并在整合乐团合奏的音响效果时要非常专注于各乐器呈现的音色是否和谐，并适时提出纠正与指示，同时也要凝聚团员的心，让团员认同这个团体，如此才能成为一个真正的交响乐团。因此我要找时间去漫画店借一整套《交响情人梦》漫画来好好拜读，因为我实在很好奇究竟是什么样的原着故事可以改编成如此引人入胜又有趣的电视剧？而且这一对绝妙的组合到了法国留学之后，又发生了什么故事？ 导聆CD： 贝多芬 （Ludwig van Beethoven,1770~1827） 《A大调第七号交响曲》（Symphony No.7 in A major, op.92） 第四乐章《灿烂的快板》（Allegro con brio） 指挥：克莱巴（Carlos Kleiber, 1930~2004） 乐团：巴伐利亚国家管弦乐团（Bayerisches Staatsorchester） CD编号: ORFEO C 700 051 B （现场录音，上扬唱片代理）