印 度 音 乐 简 介（12）

以下章节索引 ►独立后时期 （公元1947年后） ►古典音乐在巴基斯坦的失落 ►麦哈流派（Maihar Gharana） ►印度古典音乐在西方 ►融合音乐和爵士乐 ►尤伽尔班迪（JugalBandhi） ►全印度广播电台（All India Radio） ► LP、磁带以及其他录音格式 ►音乐会和电子扩音器 ►师徒传承体系的终结 ►风琴的引入和萨朗吉的衰落 ►塔布拉鼓――一颗新星 ►新加入的古典乐器――班苏里笛和唢呐 ►新近被收编的西方乐器 ►西方化和SPICMACAY组织 All India Music Conference, 1948 （1948年全印度音乐大会） 独立后时期 （公元1947年后） 1947年标志着英国统治的结束和现代印度国家的诞生。沿着新技术发展的步伐，印度古典音乐出现了一些变化使之呈现今天的模样。 印度和巴基斯坦(之后是孟加拉)的政府接管了土邦的一部分，并扶植他们认可的音乐类型。印度政府（以及印度人民）则认为他们已经继承古代印度和中世纪印度文化的所有方面，并且支持所有的印度音乐类型，特别是古典音乐和轻音乐。巴基斯坦认为他们仅继承了中世纪穆斯林印度的文化，仅仅支持那些被确认为穆斯林文化的音乐类型－－伽扎尔和夸瓦力（Qawwali）。这几乎导致了印度斯坦古典音乐在巴基斯坦的消失。 古典音乐在巴基斯坦的失落 印度斯坦音乐在印巴分立后的衰落有多方面的原因，部分是因为官方的冷漠。在独立之前拉合尔是北印度重要的文化中心。大量的印度教徒和锡克教徒家族是音乐事业的中坚力量。他们中的多数在印巴分立后迁居到了印度。有趣的是许多穆斯林艺术家则选择了从印度移居到巴基斯坦－－阿马纳特•阿里汉（Amanat Ali Khan）、巴卡特•阿里汉（Barkat Ali Khan）、巴德•古兰姆•阿里汉（Bade Ghulam Ali Khan）和帕提阿拉流派的法德•阿里汉（Fateh Ali Khan）；胡斯塔德•撒拉马特•阿里汉（Ustad Salamat Ali Khan）和沙姆查拉西流派（Shyam Chaurasi gharana）的那扎卡特•阿里汉（Nazakat Ali Khan）；耆拉纳流派的罗刹那罗•贝古姆（Roshanara Begum）；阿甲拉流派的阿萨德•阿里汉（Asad Ali Khan，Ustad Fayyaz Khan的侄子）和德里流派的萨达尔汉（Sardar Khan，Taanras Khan的孙子）。但是他们的资助者则迁出了巴基斯坦。艺术家们认识到旧有的资助人体系业已崩溃。巴基斯坦政度（通过巴基斯坦广播电台），不象全印度广播电台一样资助这些艺术家。聪明的巴德•古兰姆•阿里汉在数月的痛苦生活之后明智地选择了迁回印度，并且在独立后其音乐生涯也取得了辉煌的成功。尽管开始的时候，巴基斯坦政府的政策尚算宽松，但后来正统派穆斯林人士愈来愈烈的批评影响了官方政策，官方开始阻挠某些印度斯坦音乐形式如德鲁帕德、图穆里和达德拉（dadra，图穆里形式的轻古典歌谣），它们被指责是非伊斯兰教的。艺术家的命运完全受市场的摆布，但他们没有市场。他们逐渐失去了听众。他们甚至劝阻自己的孩子不要步自己的后尘，让他们选择电影音乐或演唱伽扎尔。最近的十年里，他们中的一些转向了流行音乐－－这些流行音乐团体近一半的歌手和演奏者是那些大师的孩子们。所有巴基斯坦就这样失去了它的音乐遗产。但那些移居到巴基斯坦后选择演唱伽扎尔的音乐家如马赫迪•胡山（Mehdi Hassan）、法里德•卡努姆（Farida Khannum）、埃克巴•巴诺（Iqbal Bano）和马利卡•普卡拉吉（Mallika Pukhraj）则取得了显著的成就。 麦哈流派（Maihar Gharana） 麦哈流派得名于他的开山祖师胡斯塔德•奥罗丁汉（Ustad Allauddin Khan，18??-1972）生活之地－－麦哈土邦。因为奥罗丁汉是在本卡尔流派（Beenkar gharana）的胡斯塔德•瓦兹尔汉（Ustad Wazir Khan）那里接受音乐训练的，而本卡尔流派又是米安•檀增的西涅阿流派（Senia gharana）的一个分支，所以麦哈传统常常被认为属于西涅阿流派。 创始人的儿子胡斯塔德•阿里•阿卡巴汉（Ustad Ali Akbar Khan）则把自己称作兰普和麦哈的巴巴奥罗丁西尼流派（Baba Allaudin Seni Gharana of Rampur and Maihar）。 胡斯塔德•奥罗丁汉对器乐进行了较大的改革。他颇有远见卓识，是第一个将gayaki、layakari 和tantrakari融合在一起的人。奥罗丁汉还掌握了乐谱，尽管他已经是一位萨罗德琴大师。胡斯塔德•奥罗丁汉还创作了一些新的拉格如Hemant、Prabhakali、Manjkhamaj、Hem-Behag等等，其中很多今天仍然在使用。这个流派的特色是，它的系统发展通过阿拉普、乔德（jod和扎勒（jhala），即唯一可以体现斯瓦亚和拉亚融合的gatkari并且由大众化审美观来实现的（Gatkari，印度斯坦尼的二种表演方式Gayaki Ang及Gatkari）。 这个流派因奥罗丁汉弟子们的成功而获得了极大的声誉－－安娜普纳（Annapoorna Devi）、潘迪特•拉威香卡（Pandit Ravi Shankar）和尼克•班纳吉（Nikhil Banerjee，西塔琴大师）、胡斯塔德•阿里•阿卡巴汉（Ustad Ali Akbar Khan，萨罗德琴）、潘迪特•潘那拉尔•高师（Pandit Pannalal Ghosh，班苏里大师）。他们中每一个都是各自领域里的登峰造极者，各个声名远播。 梅纽因和拉威香卡 印度古典音乐在西方 从20世纪50年代中期起，印度古典音乐就开始正式地和规律地在西方演出。最初观众多为南亚人，后来渐渐多了西方观众参与音乐会。也许如果没有在西方发起一系列活动的美国小提琴家耶胡迪•梅纽因（Yehudi Menuhin，1912-1999）带来的吸引力，印度古典音乐只会有很局限的受众面。耶胡迪•梅纽因先生是一位伟大的小提琴天才和和平主义者。二战开始前他举行了多场公益性音乐会来宣扬和平主张，这使他受到贾瓦哈拉尔•尼赫鲁（Jawaharlal Nehru，第一任印度总理）的青睐，他们之间存在着持久的友谊。1952年，尼赫鲁邀请梅纽因访问印度，他和拉威香卡等艺术家相遇了。他对印度古典音乐产生了浓厚的兴趣和深情的景仰，当时西方对印度古典音乐还是几乎一无所知。1955年梅纽因举行首场印度音乐会，邀请了阿里•阿卡巴汉大师参加。除了成功举办音乐会外，阿里•阿卡巴汉还在西方录制了第一张印度古典音乐唱片。1960年，梅纽因因他在国际之间理解而做的努力获得了尼赫鲁和平奖。 20世纪60年代对西方世界特别是美国来说影响深远。越战的失败使很多年轻人离开唯物主义而转向东方特别是印度的神秘主义。西方无人不晓的披头士乐队也对印度的宗教、冥想和音乐有浓厚的兴趣，他们在西方给予印度音乐一些展示机会。特别是乔治•哈里森在跟随拉威香卡学习印度音乐后，把一些印度音乐元素用到了披头士的歌曲中。以拉威香卡的西塔琴、阿里•阿卡巴汉的萨罗德琴、阿拉•拉卡的塔布拉鼓为标志的印度音乐开始成为嬉皮文化的一道大餐。萨耶吉特•雷伊（Sathyajit Ray），第一位获得国际声誉的印度电影导演，也是一个电影殿堂里经常要提到的名字，也把印度古典音乐带到了西方，吸引了观众对之的注意力，在他的早期作品中，由拉威香卡和维拉亚特•汉（Vilayat Khan）为他配乐。西方对西塔琴的巨大兴趣也使其他的西塔琴大师如维拉亚特•汉和尼克•班纳吉来到了西方。 这也是融合音乐（Fusion music）时代的开始，拉威香卡和梅纽因，拉威香卡和乔治•哈里森开始了东西方之间的合作。在这场合作中香卡和梅纽因带来了两张唱片－－当东方遇到西方（East Meets West）和庆典（In Celebration）。拉威香卡还因哈里森的关系出现在著名的披头士乐队唱片“胡椒军士寂寞之心俱乐部（Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band）”中。 60年代末，西塔琴和塔布拉频繁得出现在西方流行音乐、爵士乐、电影和电视节目中，还有广播节目和电视广告也处处可见其身影。西塔琴和萨罗德琴成千上百的运到美国和欧洲的音乐店。拉威香卡和阿拉•拉卡在蒙特利尔音乐节（1967年）和伍德斯托克音乐节（1969年）上演出使印度古典音乐赢得了大量年轻的爱好者。1968年，阿里•阿卡巴汉音乐学院在北加利福尼亚成立了。1969年拉威香卡成为了排行榜杂志的年度音乐家。1971年，在乔治•哈里森的促进下举行了援助孟加拉音乐会，这是为了筹集联合国教科文组织（UNESCO）的人道主义援助项目基金而举办的。这场音乐会上拉威香卡和阿里•阿卡巴汉、阿拉•拉卡的联袂演出在媒体大获成功。在联合国人权日音乐会上，梅纽因和拉威香卡、阿拉•拉卡的演出也受到了广泛的承认。 1970年，披头士乐队解散了，美国历史上的“英国入侵时期”－－披头士纪元宣告结束。几年后很多东西包括印度音乐在西方都结束了。尽管象拉威香卡等音乐家在西方从未沦为平常，他无疑是西方最知名的非西方音乐家之一，印度古典音乐可以说已经在西方音乐世界为自己辟得了一方天地。 但到了20世纪70年代，不同的现象发生了。随着移民法的改变，受过高等教育的印度专业人士移居到北美显得容易了许多。在1968年的时候，美国有10000名印度人，到了1980年这个数字变成了30万。一旦这些专业人员开始在他们的职业和经济上取得成功，他们就试图在新家园中引入故土的文化传统。举例说明，在加拿大和美国有150座寺庙是印度移民捐资修建的。因此， 70年代初正因为有了印度移民的介绍和资助，印度音乐才在西方拥有了一席之地。他们成立了一些组织来促进印度古典音乐在国外的发展，主要手段是组织印度的音乐家们到北美举办音乐会。这些组织和印度音乐的中心多数成为了大学。印度艺术演出中心（Center for the Performing Arts of India，简称CPAI，最早叫做印度古典音乐巡回大学）和北美卡纳提克音乐协会（Carnatic Music Association of North America，简称CMANA，成立于1976）是这些组织中最重要的两个。一些大学建立了自己的印度古典音乐中心－－卫斯理大学（Wesleyan University）、加州大学洛杉矶分校、华盛顿大学、宾夕法尼亚大学、安默斯特学院（Amherst College，建于1821年，是美国一所著名的私立文科学院）和德州大学奥斯汀分校都开设了自己的印度音乐课程。除了以上这些大学，成立于1968年的阿里•阿卡巴汉音乐学院和成立于1973年的加利福尼亚艺术学院都一直坚持在美国教授印度古典音乐。部分因为这些机构的缘故，一些顶尖的印度艺术家开始在美国定居。他们包括拉威香卡、阿里•阿卡巴汉、伊姆拉特汉（Imrat Khan）、扎克•胡赛因（Zakir Hussain）、L•香卡（L Shankar）、L Subramanium和Swapan Chaudhuri等等。 一个里程碑式的事件是1985年印度节的举行。1982年，英迪拉•甘地（Indira Gandhi）访问美国时向里根总统提出了“印度年”这个设想。1985年拉杰夫•甘地（Rajiv Gandhi）访问美国的时候正式组织起来。这是一个为期一年的印度文化在美国的多层面展示和庆祝活动，印度音乐的展示是活动中非常重要的一部分。印度的印度文化联系委员会（Indian Council for Cultural Relations，简称ICCR）和ITC-SRA以及匹兹堡大学共同参与了这次活动的组织工作。20多位代表印度斯坦风格和卡纳提克风格的顶级音乐家应邀来到美国，他们在那里举办了90余场个人音乐会、三次为期两天的音乐节，并在全美建立了25到30个印度古典音乐工作室/研究会。 20世纪90年代在美国又是一个巨大的印度移民潮，他们主要来从事软件行业。到即将进入21世纪时，共计有160万印度移民涌向美国，还有100万则来到了加拿大。上百家地方组织在一些大型组织如CPAI、CMANA、Kalalaya、Bhairavi等的通力协作下每年要举办300多场音乐会。在音乐会季里（每年3－4月，9－11月），大约有50多位音乐家会从印度来到北美地区举行巡演。 印度音乐对美国音乐形势的普遍影响已经被最小化了。甚至是拉威香卡对很多人来说依然陌生，尽管多数忠实的乐迷还知道他的名字。在美国举办的印度音乐会里，仅有5%左右的听众是非印度人，虽然 在大学里和一些大城市里，这个数字能高达80%。尽管印度音乐仍然远非主流，但它在西方也建立了它作为“世界”音乐类型之一的一方天地。 融合音乐和爵士乐 印度音乐家和西方音乐家的合作，产生了混和两种文化特点的新元素，并且促生了一种新的音乐类型－－融合音乐（the Fasion music）。坚守印度传统的人士不赞成此说法，把它称作“嬉皮音乐”。这个趋势始于拉威香卡和西方音乐家如梅纽因和披头士的合作。一些音乐家紧随其后并且在商业上和评论界都取得了不同程度的成功。 拉威香卡和耶胡迪•梅纽因合作始于1966年的《梅纽因遇到香卡（Menuhin Meets Shankar）》，之后又与一些西方古典音乐管弦乐团合作，如1971年和伦敦交响乐乐团合作了《西塔琴和管弦乐的协奏曲（the Concerto for Sitar and Orchestra）。他与披头士乐队主音吉他手乔治•哈里森的合作在援助孟加拉音乐会（1971年）时达到了顶峰。最近他还与极简派音乐家菲利普•格拉斯（Philip Glass）合作了《通道（Passage）》。拉威香卡也做了一些实验性作品如1973年的《轮回（Transmigration Macabre）》。 同样，许多西方人也开始学习印度音乐并且把印度音乐的元素加进他们的作品中去。许多取着印度名字的摇滚和爵士团体开始兴起。“摩诃毗湿奴管弦乐团（Mahavishnu Orchestra）”就是其中之一 ，它是约翰•麦克劳夫林（John McLaughlin）在70年代和塔布拉鼓演奏者巴达尔•罗伊（Badal Roy）创立的。当Mahavishnu Orchestra分裂之后，麦克劳夫林于1975年与扎克•胡赛因、T•H•维纳亚卡兰（T.H. VinayakaRam，贾淡磁鼓演奏者）、兰姆纳德•拉格哈文（Ramnad Raghavan，魔力单根演奏者）和小提琴手L Shankar组建了“沙卡蒂（Shakthi）”。在这个乐队发行了三张唱片后就宣告结束。1999年，Shakthi为另一次巡演之旅重组，这次新加入者是哈里普拉萨德•查拉西亚（Hariprasad Chaurasia）。 L. Shankar和L. Subramanium兄弟给融合音乐加入了许多卡纳提克音乐的东西。香卡（指L•香卡）和一些摇滚和爵士音乐人如Peter Gabriel、Jan Garbarek、David Byrne、Pete Towshend、John McLaughlin和Frank Zappa合作。他也和沙卡蒂（Shakthi）的艺术家如扎克•胡赛因和维纳亚卡兰合作了《Pancha Nadai Pallavi》(1981)、《灵魂搜寻者（Soul Searcher）》(1990)和《永恒之光（Eternal Light）》(2000)。L. Subramanium也活跃在融合音乐的最前线。 他和拉威香卡、乔治•哈里森一起参加了1974年的援孟巡演。《花环（Garland）》(1978)是他和爵士音乐家们合作的第一张融合音乐唱片。紧接着他于1983年推出的《西班牙浪潮（Spanish Wave）》和1984年的《印度快车（Indian Express）》都获得了好评。 扎克•胡赛因则是很多融合音乐冒险家们固定的合作伙伴。在沙卡蒂团之外，他还和一些摇滚艺人和管弦乐团合作。1984年他组建了一个名为“扎克•胡赛因和节奏体验（Zakir Hussain and the Rhythm experience）”的打击乐团。这个乐团至今仍十分活跃，不断巡演举行音乐会。这个团的核心成员由扎克•胡赛因和他的兄弟法伊萨尔•库雷湿（Faisal Khureshi）、维纳亚卡兰和达纳•潘迪（Dana Pandey，帕卡瓦甲演奏者）组成。客座艺术家则来自世界各地。 毗湿瓦摩汉•巴特（Vishwamohan Bhatt）与西方音乐家的合作始于他与莱•库德在1993年共同制作的专辑《河边相会》（让•雷诺阿的电影《大河<The River>》），他因此唱片获得了格莱美大奖并立即声名大振。他之后还和Bela Fleck、Jerry Douglas和Taj Mahal合作。1997年他与演奏阿拉伯Audh的西蒙•沙汉合作发行了《Saltanah》，这张颇有意思的唱片展示了阿拉伯古典音乐和印度古典音乐的相似之处。所有这些努力尝试都是由Kavi Alexander的Waterlily Accoustics完成的。Kavi Alexander还发行了一些以印度音乐家及世界其他地方的音乐家为主的唱片。印度音乐家中有Ronu Majumdar、Sangita Shankar、N. Ravikiran、Kadri Gopalnath、L. Subramanium和Viji Krishnan。 尤伽尔班迪（JugalBandhi） 尤伽尔班迪（JugalBandhi）是指两位水准相当的演员自选乐器或歌曲以各自的传统进行表演的音乐会。它可以是两位印度斯坦艺术家或两位卡纳提克音乐家的合作，也可以是一位印度斯坦音乐家和一位卡纳提克音乐家一起合作。通常的那种团队演出并不能称作尤伽尔班迪（比如Mishra兄弟（米什拉兄弟）、Bombay姐妹（孟买姐妹）或Parveen Sultana和Dilshaq Khan那样的），因为它更注重合作而非竞争，而正是这种特点，才让它如此流行。 最早的尤伽尔班迪录音是拉威香卡和阿里阿卡巴汉在60年代所录制的。作为同一位古鲁的弟子，他们确实最理想最完美的尤伽尔班迪合作者。胡斯塔德•比斯米拉•汉（Ustad Bismillah Khan）的首次尤伽尔班迪是和胡斯塔德•维拉亚特汉（Ustad Vilayat Khan）一起合作的。而V•J•乔格（V.J.Jog）的小提琴和胡斯塔德•比斯米拉•汉的唢呐之间的尤伽尔班迪则是在他们各自在不同音阶上进行演奏 ，又一次颇受欢迎。和拉威香卡与阿里•阿卡巴汉一样，乔格和比斯米拉汉录制了一系列的尤伽尔班迪。尼克•班纳吉也和阿里•阿卡巴汉合作过一些尤伽尔班迪。 声乐尤伽尔班迪很罕见。他们通常是印度斯坦声乐家和卡纳提克声乐家之间的合作。比姆森•乔湿（Bhimsen Joshi）和巴拉姆拉力克里希那（Balamuralikrishna）合作过一些作品，它们非常受欢迎。此外哈里普拉萨德•查拉西亚（Hariprasad Chaurasia）和巴拉姆拉力克里希那之间的合作也十分有趣。 几乎所有的顶尖艺术家都在尤伽尔班迪中表演过。 All India Radio 全印度广播电台（All India Radio） 无线电广播是1927年由一些私人无线电俱乐部开始进入印度的。政府对全印度广播电台正式的控制和运作则始于1936年。独立时印度仅有6个站点覆盖10%的人口。但它很快就扩展成为了印度最重要的日常通讯和娱乐手段。 AIR（全印度广播电台的缩写）从开始就支持印度古典音乐。首个国家性的音乐节目于1952年开播，首次电台音乐节（Radio Sangeet Sammelan）则于1954年举行。活动若有最优秀的音乐家参与，在举办地会成为很有声望的大事。这些节目在全国范围内广播。国家音乐节目每周都播出，每次长达90分钟。电台音乐节则是周年性的活动。在LP唱片刚开始出现时，这是大多数人欣赏大师们大型音乐会的唯一途径。更重要的是，这些音乐节目把印度古典音乐普及到中产阶级中使之大为流行。此外，本地的电台也会广播一些古典音乐，特别是在南方，AIR对卡纳提克音乐提供了大力支持。AIR还致力于推介提拔一些年轻艺术家，它利用非黄金时间来播放他们的音乐会。今日的许多大师级音乐家都是从这个媒介被介绍给听众的。 AIR还雇佣了一些幸运的艺术家特别是器乐家来做职业艺人或节目的策划管理者。这也是推进音乐发展的一个好举措，这使音乐家可以集中精力在音乐上而不需为谋生他顾。他们中的一些日后成为了卓越的艺术家，如哈里普拉萨德•查拉西亚（Pt Hariprasad Chaurasia）、潘迪特•潘那拉尔•高师（Pt. Pannalal Ghosh）、V•G•乔格（Pt. V.G. Jog）。而且，他们还开始对艺术家划分等级。顶尖的艺术家会频繁地被邀请到AIR来举行音乐会。甚至在今天，对大部分艺术家（特别是年轻艺术家）来说，AIR的评定等级仍然是一种重要的认可并且被记录在个人履历表中。这种制度化资助方式不利的一面就是它易受操控。有人常听说若要在AIR评定中获得较高的等级，政治或个人因素往往比天赋才华更重要。 LP、磁带以及其他录音格式 1952年，百代唱片公司（EMI）开始发行33又1/3转的密纹长时演唱唱片，即LP，以及直径7吋45转密纹单曲唱片，古典音乐和流行音乐均有。1954年，首张7寸的45转慢速唱片（extended play，即EP）开始投放市场。很快这些乙烯基唱片就出现在了印度。首张留声机公司的密纹唱片是1958年引入的。这些45转的7寸EP录制时间是78转唱片的两倍，大约可以录制7分钟。在这些早期作品中，有一张阿里•阿卡巴汉的萨罗德琴演奏会唱片（no.7EPE 1201）特别流行。1959年， LP唱片工厂在留声机公司的杜姆杜姆工厂（the Dum Dum factory）建成， 5月拉威香卡主持了落成典礼。它的首张LP于同年六月发行。在它成立的第一年里，就有125张LP被发行。大约是1965年，首张立体声LP在印度出版。 结实耐用，可以长时间播放的唱盘渐渐流行，慢慢取代了78转胶盘。70年代晚期，78转唱盘被废弃了。就这样，由3.5分钟长度的留声机公司唱片主宰的漫长时代走到了尽头。每面能录制20到30分钟的LP唱盘对印度古典音乐意义重大，过去在4分钟时间里很难去表现一个拉格。HMV（也就是印度的留声机公司，由RPG集团控制）在1985年以前一直把LP作为主要的音乐录制格式。 当时所有伟大的艺术家都录制过LP。他们中很多人通过这种媒体变得出名，尽管最终稳固一个艺术家成功地位的还是要通过音乐会的形式。有趣的是，很多艺术家对录音这件事极为勉强。原因之一是他们认为录音室的环境不能激发他们很好地演奏。他们总是依赖于观众的反应来激发灵感和即兴创作。但最终，大部分的伟大艺术家还是参与了录制。巴德•古兰姆•阿里汉（Bade Ghulam Ali Khan）、比姆森•乔湿（Bhimsen Joshi）和库马•甘达拉瓦（Kumar Gandharva）的唱片在商业上赢得了巨大的成功。这些唱片里，大部分是拉格的片断，还包括一些轻拜赞歌。比如乔湿的马拉提•阿巴罕（Marathi Abhang）就是炙手可热的成功之作。而且，LP唱片还保存了当时社会的大量珍贵资料。中产阶级则信赖全印度广播电台和当地的古典音乐会。 紧凑音频盒带（Compact audio cassette）是菲利普公司于1965年发明，它使用4轨道的1/8英寸磁带，每秒运转1-7/8英寸，每面允许录制30到45分钟长度。它使电池供电的多功能便携式播放器的生产成为现实。在西方，磁带成为了个人音乐编辑播放的载体，特别是在汽车中。LP则仍然是首选的载体直到80年代激光唱盘（compact disk）的到来。 但是在印度，70年代最重要的发展磁带的介绍和引入。尽管这种引入十分缓慢，因为印度政府的高关税政策，很多公司无法引进所需的机械设备。这使得新加坡和泰国的盗版磁带公司进入印度市场，从事HMV公司全部印度音乐节目录音资料非法拷贝的生产买卖。这些盗版磁带和廉价的磁带播放器从很大程度上改变了印度音乐工业市场的面貌。大量新兴录音公司如雨后春笋，它们用各种手段挖走HMV的市场份额。这大大打击了留声机公司，这个仅在90年代中后期成功占领市场的公司无奈只得被BIRF公司兼并。 尽管磁带是低保真的，但磁带仍然在印度变得非常流行。它们便宜、轻便，而且录音机也同样的价格低廉。中产阶级第一次能在最方便的时候听到他们喜欢的古典音乐。LP把印度古典音乐带进富裕阶层家庭中，而磁带则把音乐带进了人数比富裕阶层更为庞大的中产阶级家庭中。HMV是后来才加入到大量仅生产磁带的新公司的团队中的。特别是在南方地区，HMV习惯上仅把卡纳提克音乐放在次要地位，而新兴的公司如Sangeetha等则大力推进卡纳提克音乐。不仅是巴拉姆拉力克里希那（Balamuralikrishna）和萨巴拉克希米（Subbalakshmi）这样的一流艺术家，还有许多其他受欢迎的音乐会艺术家的磁带都得到了发行。在北方的新兴公司如“今日音乐（Music Today）”和“音乐印度（Music India）”对印度斯坦音乐和伽扎尔也做了同样的工作。 激光唱盘商业上的引入是1982年由索尼公司和菲利普公司完成的。在几年之内，CD在美国的销量就开始超越LP和磁带。但在印度， CD出现得较晚，甚至到现在它的销量还远逊于磁带。价格是它的主要绊脚石。在美国，CD的价格和磁带相差不大（CD比磁带高50到100% higher），而在印度，CD的价格要比磁带贵上近10倍。直到最近，CD播放器的价格对大多数中产阶级家庭来说仍然太高昂了。因此，只有富裕阶层能买得起CD，而中产阶级家庭大部分还是消费磁带为主。只有CD价格降到100卢比以下，才能像80年代的磁带那样被大众接受。CD价格高昂的原因是因为它们主要还是由美国或欧洲出版然后进口入印度的。随着VCD在印度的逐渐普及，音乐CD的价格可能会在未来的几年里逐渐下调。 90年一个重要的发展是美国和欧洲一些专攻印度古典音乐的唱片品牌的诞生。它们不仅带来了大师的新作，还修复并以CD格式重新发行了一些老唱片。这些厂牌基本上是为了投合数百万在北美和欧洲生活的印度移民之需要－－如Chhanda Dhara（1970s，德国）、Audiorec（1987，英国）、Navras Records （1992，英国）、Nimbus Records（英国）、阿里•阿卡巴汉的Alam Madina Music Productions（1971，加利福尼亚）、Raga Records（纽约）、India Archive Music（纽约）、扎克•胡赛因的Moment Records（1991，加利福尼亚）、Oriental Records（1977，纽约）、Waterlily Acoustics（加利福尼亚）和Makar Records（1994，法国）。 目前在世界各地渐渐兴起的最新格式是SACD（Super Audio Compact Disc，超级CD）和DVD-Audio。SACD是索尼公司于1999年发展起来的，它的目的主要是试图克服CD的缺点，达到LP那样自然逼真的音质。DVD-Audio的标志则是由DVD联盟发展起来的，第一张DVD光盘出现于2000年。这对印度音乐也许没有任何的影响。目前仅有的做印度古典音乐的SACD的品牌是Waterlily Acoustics（睡莲之声）。 电子扩音器的重要性 音乐会和电子扩音器 麦克风、电子扬声器和扩音器的改革随着贝尔实验室于1921年发明首个公共广播系统而达到顶峰。但在印度有线广播系统的公共普及使用则是始于40年代。电子扩音器在音乐会上的使用取得了显而易见的效果，音乐家不再需要为制造长距离可以被听清的声音而费力了，许多现代歌手可以轻松自如地演唱，制造出更为甘美淳厚的声音效果。同样，音乐家也不再需要发出很大的嗓音。如果没有麦克风，胡斯塔德•阿米尔汉（Ustad Amir Khan）或M•巴拉姆拉力•克里希那博士（Dr M Balamurali Krishna）是不可能成为重要的音乐会艺术家的。 在实际运用中它也带来了很大的变化。它让更多的人可以参加音乐会。同样，铁路线的发展也可以使艺术家可以举行更多的音乐会。这意味着音乐家单纯依靠音乐会收入就能过上舒适的生活。他们还可以以唱片收入为补充。艺术家们第一次只需依靠大量听众的光顾就可以生存。他们不再需要依靠一到两个贵族的资助而维持生活了。直到今天，大部分的艺术家依靠他们音乐会的收入，唱片的销售所得以及学生缴纳的学费就可以谋生了。 大量遍及各地的组织机构建立起来，它们唯一的目的是组织音乐会。它们或在特殊的节日或巡演季节（如各地的罗摩主显节，RamNavami和象头神伽内什神节，Ganesh Chathurthi）组织音乐会，或在平时每周或每月有规律地举办音乐会。它们中的一些还是免费对各种开放的。 印度还有一些影响力很大的年度性音乐节。象提雅卡拉伽崇拜节（Thyagaraja Aradhana）可能是其中最悠久也是最盛大的庆典之一。在这个节日上提雅卡拉伽的克里蒂会被由一组人演唱。尽管最重要的一次活动在室利•提雅卡拉伽的出生地举行，卡纳提克音乐家也会在其它许多地方举行庆典。萨瓦依•甘达拉瓦庆典（Sawai Gandhrva festival）是由比姆森•乔湿发起的，同样成为一个著名的年度音乐盛典。各个邦政府也采取措施组织音乐节。卡纳塔克邦政府在汉比（Hampi）举行普兰达罗纪念节（Purandara Aradhana）期间组织了一个年度性的音乐节，并且延续了迈索尔王宫里古老的迈索尔沃德亚传统－－举行九夜祈祷节（Navarathri Music festival）；中央邦（Madhya Pradesh）政府也在瓜廖尔组织了檀增音乐节（Tansen Music Festival）。 师徒传承体系的终结 随着皇室赞助的结束，艺术家们不再能象原有的师徒传承体系（guru-shishya system）那样教授大量和自己一同衣食起居的学生了。所以学生们开始住在自己家里，利用业余时间跟随艺术家们学习。他们会按月缴纳学费。艺术家们，特别是那些在音乐会巡演中不太成功的，发现这是一个不错的、稳定的经济来源。一些正式的全日制的音乐学校和学院也建立起来了。这一切都归因于传统师徒传承制度的终结。 许多人认为这是一个错误的趋势。学生们无法掌握足够的知识，也得不到充分的实践，无法成为他们所谓的真正的大师。同样，学生会过早暴露在社会之中，以至于他们的音乐会误入歧途。所有这些导致了企图重建师徒传承制度的尝试，一些团体资助者（如ITC音乐研究学院）、成功且富有的艺术家都为之出过力。 风琴的引入和萨朗吉的衰落 萨朗吉（Sarangi）是北印度的一种民间乐器。它被引入古典音乐领域是在克雅尔出现之后。萨朗吉是一种多才多艺的乐器，它可以模仿其他乐器的乐音和声乐的细微差别，它抚慰人心的冥思般的音色使它成为了古代声乐特别是克雅尔的理想的伴奏乐器。在19世纪过去之前它一直是克雅尔和其他轻音乐类型如图穆里和达德拉的首选伴奏乐器。它还是宫廷舞伎表演时的主要伴奏乐器，这使得萨朗吉演奏者的社会地位比较低下。实际上，当时很多伟大的声乐家如阿布杜尔•卡利米汉（Abdul Karim Khan）自己就是萨朗吉行家，把两者截然分开仅仅是因为表演者的地位差异所致。但是到了20世纪，虽然萨朗吉领域有一批大师级的人物，但是萨朗吉琴正在逐渐衰落，原因是风琴的引入而将其取而代之。 萨朗吉的衰落和风琴的崛起有一些原因。萨朗吉琴是一种笨重而复杂的乐器，调音十分困难。它学习起来较为困难，要花好些时间才能学会对它做些简单的控制。在独立之前，萨朗吉演奏者是歌女和舞女组成的团体中的一员。由于和这个团体的联系他们无法体面地被社会接纳。在独立之后，资助舞伎的贵族失去了经济来源，舞伎文化也作为一种奢侈的文化而沉淀消失了。随着这一切，萨朗吉演奏者的经济来源枯竭了，以至于下一代中没有人愿意熬过这艰苦的岁月而去掌握这门乐器。 风琴是气鸣乐器家族中的一员。风琴是从西方引入的，在西方它是一种同时用手和脚控制风箱的乐器。而因为大部分印度音乐家必须坐着进行表演，所以只用双手进行操作的风琴成为主流。由于它缓和的音调和印度音乐断然不同，因此20世纪初期它只是作为轻音乐的伴奏乐器。它在电影音乐里变得非常流行。慢慢的它也被严肃的古典音乐如克雅尔等认可，风琴也是一种更经济实惠的替代品。 重要的一点是，风琴作为伴奏乐器不被人意识到的影响是许多印度斯坦音乐中早期曾经使用的伽马卡（Gamaka，即滑音）的慢慢消失。 塔布拉鼓――一颗新星 塔布拉鼓－－一颗新星 19世纪印度斯坦音乐最基本的两个伴奏乐器是萨朗吉和塔布拉。萨朗吉和塔布拉都和舞伎的传统有关。这一点值得我们注意，当萨朗吉慢慢衰落而被风琴取代时，塔布拉却成为真正的赢家，它几乎取代了北印度音乐中其他所有的打击乐器形式。 塔布拉崛起的主要原因可以归结为和它同时代一起上升状态的其他乐器如西塔琴和萨罗德琴。作为它们（西塔琴和萨罗德琴）的主要伴奏乐器，塔布拉演奏者获得了仅次于主要乐器演奏者的地位。它也成为了独立后非常兴盛的电影音乐中主要的打击乐器。有趣的是，尽管魔力单根是卡纳提克音乐中重要的伴奏乐器，但在南方轻音乐也是用塔布拉伴奏的。并且塔布拉演奏家在演奏时的虔诚和专注也为他们赢得了好名声，使他们渐渐拜托了早先和舞伎传统联系的不利影响。 新加入的古典乐器――班苏里笛和唢呐 班苏里（Bansuri） 尽管班苏里是印度最古老的乐器之一，但它成为北印度古典音乐会中的演奏乐器还是最近的事情。早先北印度音乐中的竹笛是一件高音调乐器，它一般不超过14英寸长，主要用于较短的古典音乐片断、轻音乐或伴奏。潘那拉尔•高师（Pannalal Ghosh，1911-1960）是把班苏里带进北印度古典音乐的第一人。他发现当时流行于北印度民歌和管弦乐里的短笛身高调班苏里缺乏足够的音域来满足北印度古典音乐中拉格演奏的需要。他开始自制长达34英寸的低音调竹笛。这使得班苏里具有忧郁又带着恬美的特色，和北印度古典音乐也就十分匹配。他增加了第七指孔使班苏里音程得以延长，这样就能更准确地演奏许多拉格。除了音调质量外他还完善了班苏里在三个八度音阶上的各种技巧。但他最伟大的革新莫过于在巴巴•奥罗丁汉（Baba Allauddin Khan）的训练和帮助下，深谋远虑地将古典声乐风格接纳进班苏里的表达方式里。在完成这种非凡的完善之后，他用他的班苏里演奏和录制了大量的拉格，并且试图征服所有印度斯坦声乐家曾经到达的领域，从Ati-Vilambit（每分钟20拍）到Drut（每分钟160拍），从阿拉普到乔德再到快速的坦（Taan），他无不尝试。他的拉格表演非常受欢迎。潘那拉尔•高师和他令人神魂颠倒的班苏里彻底政府了听众和印度的音乐家们。他的成功促使大批有才华的年轻音乐家加入了班苏里演奏的行列，他们使用这种乐器来表达他们的创造性并且将其发扬光大。 把班苏里带进印度古典音乐殿堂归功于潘那拉尔•高师，而使班苏里变得真正流行则是哈里普拉萨德•查拉西亚（Pt Hariprasad Chaurasia）的功劳。查拉西亚不仅使班苏里流行于国内，他还把它推向了海外。和高师不同，查拉西亚仅使用6孔的班苏里。他同样也被麦哈流派所采纳和吸收 唢呐（Shehnai） 唢呐是印度最古老的双簧气鸣乐器之一。唢呐是一种在某些吉庆的场合如婚礼和节日上被使用的户外型乐器。唢呐喜气洋洋的声音使它和宗教庆典联系在一起。今天，唢呐仍然在寺庙中使用。这样的情况使它成为北印度婚礼和节日上必需的乐器。 使它成为印度斯坦音乐会乐器应归功于胡斯塔德•比斯米拉汉（Ustad Bismillah Khan）。有趣的是，1947年8月15日，也就是印度独立那年，他还受邀请到德里的红堡（Red Fort）为尚未公开的三色国旗的设计而演奏。早先唢呐和竹笛一样主要在高音部分演奏。比斯米拉汉开创了这种乐器在低音部分演奏的先河。他开始用唢呐温柔地演奏，而非它在寺庙或宗教仪式上那样高亢激昂。 Bhatt on Guitar - SPIC MACAY 新近被收编的西方乐器 许多西方乐器在印度开始被使用始于英国统治时期，主要是在军队系统和宫廷中。它们也被用在电影歌曲中。一些敏感好奇的年轻人对这些西方乐器产生了兴趣，学习并且掌握了它们，把它们逐渐引入了西方古典音乐。但一件乐器成功地进入印度古典音乐领域往往要等到第二代或第三代掌握它的艺术家们在音乐会中被认可才能实现。 这些乐器大部分是按西方乐器十二平均律的方式来构造。因此它们很难制造出印度古典音乐中经常使用的四分之一音程或其他微分音程。同样这些乐器也无法切实地演奏印度拉格。因此这些乐器必须被修改调整并且完善演奏技巧来适应印度古典音乐的需要。 吉他 把吉他带进印度古典音乐会的是潘迪特•布里吉卜胡山•卡布拉（Pt Brijbhushan Kabra）。和其他许多先驱一样，他也是一位自学成才者。他学习印度古典音乐主要是通过聆听大师演奏的唱片，并且在他酷爱的夏威夷吉他上进行实践和模仿。他通过增加琴桥和节奏弦（chikari）的方式改造吉他。他和潘迪特•湿婆•库马•沙玛（Pt. Shiv Kumar Sharma）一起进行了多场尤伽尔班迪音乐会。《山谷的呼唤（Call of the valley）》是他们以及查拉西亚合作的一张非常受欢迎的轻音乐，这张唱片也把吉他作为印度古典音乐乐器介绍给大家。 把吉他作为印度古典音乐乐器介绍给西方听众的功劳应该归于潘迪特•毗湿瓦摩汉•巴特（Pt Vishwamohan Bhatt）。他和很多东西方音乐家合作的实验性作品受到了大家的认可。他也因此获得了格莱美奖。巴特也根据印度古典音乐的需要改进了吉他并且把它命名为“摩汉维纳（Mohan Vina）”。 70年代，苏库马•普拉萨德（Sukumar Prasad）把吉他介绍给了卡纳提克音乐。苏库马•普拉萨德和他的后继者把标准的电吉他直接引进了卡纳提克音乐，而不是象北印度音乐一样使用改进过的吉他。当前这其中最知名的代表人物之一是R•帕拉桑纳（R Prasanna）。虽然吉他是为了演奏十二平均律而如此构造的，但它的演奏技巧以及被调整为可以演奏伽马卡，因此它几乎可以应付所有的拉格，包括极为复杂的拉格如陀蒂（Todi），帕拉桑纳在吉他上都可以完成它。 单簧管 单簧管是起源于欧洲的木制气鸣乐器。但它也被发现适用于卡纳提克音乐。它演奏起来类似纳达斯瓦兰（Nadaswaram，也作Nagaswaram）。19世纪时，摩诃提婆•那图瓦那（Mahadeva Nattuvanar）首先开始研习这种乐器并把它引入南印度的一个舞蹈团中。不过单簧管在音乐会上的流行则始于“单簧管的查卡拉瓦西”A•K•C•纳塔拉延（'Clarinet Chakravarthi' A.K.C. Natarajan），他使单簧管满足了卡纳提克音乐的需要－－拉格阿拉普那（raga alaapana）和声乐技巧。 萨克斯风 萨克斯风是最近才传入的。这归功于卡德里•果帕尔纳西（Kadri Gopalnath），他早年就开始练习纳达斯瓦兰。但后来他被迈索尔宫廷中萨克斯风颤动的音调所打动，决定要掌握这种乐器。他用了20年时间征服了这件复杂的气鸣乐器。从80年代开始，他成为了卡纳提克音乐会中正式的一员，成功地使萨克斯风满足了卡纳提克音乐伽马卡的需要。 曼陀林 曼陀林由著名的神童U•斯理尼瓦斯（U.Srinivas）引入卡纳提克音乐的。曼陀林是是意大利一种由鲁特琴发展而来的小型弦乐器。它有4对弦。在50年代它被修改为4根弦，还产生了电子曼陀林。曼陀林并不适合演奏卡纳提克音乐。斯理尼瓦斯为它引入了第五根弦（在传统的四弦电子曼陀林上），并使用单独的琴弦取代原有的成对弦。他还调整了各弦以使它们在合适的音调上。他设计了极为独特的指法来演奏复杂的伽马卡。这都促使曼陀林成功地被卡纳提克音乐所接纳。 神童在音乐巡演中总是有特别的吸引力。80年代，斯理尼瓦斯十几岁的时候就成为了著名的音乐会明星艺术家。和其他新近加入的乐器一样，曼陀林作为已经确立的卡纳提克乐器的成功还将在未来的几十年中被考量。 西方化和SPICMACAY组织 从70年代开始，廉价磁带和录音机的引入带来了另一个后果。一种全新的音乐类型成为青年们的娱乐形式－－西方音乐，主要是各种流行音乐和软摇滚乐。渐渐的，中产阶级的年轻人开始停止听印度古典音乐，转向了各种西方音乐。由于中产阶级在独立后是印度古典音乐主要的资助者，因此这意味着印度古典音乐将会因为缺少听众而渐渐衰退。很多艺术家和古典音乐爱好者对这一情况深感忧虑。 起而对抗这种情况的各种组织之一是SPICMACAY。它是由吉兰•赛斯教授（Prof. Kiran Seth，IIT Delhi）发起的。当吉兰•赛斯教授在美国学习时，一个偶然的机会他听到了一场德鲁帕德音乐会。他认为如果有足够数量的大学生能接触到印度古典音乐的话，他们中许多人都会被它吸引住的。1977年，他在德里创立了“在年轻人中促进发扬印度古典音乐和传统文化的交流（the Society for the Promotion of Indian Classical Music And Culture Amongst Youth）”，简称SPICMACAY。这个组织的目的是在各个大学中举办印度一流艺术家的音乐会，以使学生们能免费享受到印度最好的音乐。而经费则由政府和私人企业资助。而SPICMACAY则会支付艺术家的报酬和车旅费。当地部门则为音乐会的具体操作筹集资金。很多艺术家都不计较这点微薄的酬金而加入到这个运动的努力中来。SPICMACAY在80年代十分活跃，每年都要组织上百场音乐和文化展示活动（LecDems，lecture demonstration）。 90年代后SPICMACAY已经扩展到许多小型的城镇。除了大学以外，各种学院、中学都成为了这个组织的活动单元。许多国外的大学也积极参与进来。除了推广印度古典音乐外，SPICMACAY还促进推广印度文化的其他方面－－舞蹈、民间艺术、瑜珈等等。