浅谈如何正确的把呼吸运用到演奏中

(一)充分理解乐曲内涵，合理划分乐句 演奏一首新的乐曲之前，不要急于上手 弹奏，首先要认真分析整首曲子，了解乐曲包括作曲家的背景及内涵，像读文章一 样，有抑扬顿挫。弄清楚乐曲中的旋律乐 句，找到“气口”，合理划分乐句。最有效的方法是“歌唱旋律”，把旋律哼唱出来， 这样，很自然的我们就会在“该停顿的地 方”停顿下来。不过，还有一些钢琴作品，不是“方整性”的结构，如被休止符隔 开的音、连续的跳音、顿音、 的音等，这就需要更深层次的研究，注意 它们之间的运动趋势及在表情达意上的连 贯性，细心体会，再加上反复的聆听感悟。正确的理解了乐曲，也就会合理的划 分出乐句。 （二）呼吸要与音乐情感变化同步 呼吸在钢琴演奏中，要随着一首乐曲的 情绪变化感情发展而相应做出不同改变。 在演奏钢琴作品时，随着音乐作品旋律的 高低、力度的强弱、速度的急缓、节奏的 疏密、情感的变化所表现出的紧张与松弛，我们自然而然地会为这些变化而吸 气、呼气、闭气。在演奏中，如果是“一 个完全沉思性质的音乐片段，应该是在毫 无神经激动的安静沉着的方式中被呼吸出 来。如果我们顺着表情的顺序进行弹奏， 从沉思般的安静到戏剧性的紧张高峰，我 们的呼吸也一定随着感情的变化而逐渐加 快。每一个音乐片段都有它一定的音乐表 现内容，如果一个应该安静的音乐片段， 却以一连串的短呼吸来表示，那将是矛盾 的，因为短呼吸说明激动，同样，用缓慢 的呼吸来形容戏剧性的紧张，也是不近人 情的”。①因此，在演奏每部作品时，我们要根据作品的风格特点划分出乐句、乐 段、乐节等通过我们的呼吸找出它的韵 味,这样的演奏才能反映出作品更深层的 意蕴。运用呼吸和下键动作的配合，演奏 出作品内容所需要的声音，正确反映出作 曲家个人的风格和时代风格。 （三）呼吸在配合钢琴演奏技巧中的运用 钢琴大师贝尔曼说，弹琴的人要有三个 肺，也就是要有三个部位来呼吸，即嘴巴 呼吸、双臂呼吸和手腕呼吸。 单是一种生理意义上的呼吸，在很多时 候，它可以帮助我们在演奏中从心理意识 上做好呼吸的预备，给意识以“暗示”双臂 呼吸；特别适合于那些篇幅较长、气息要 求延绵的乐段，手臂的放松和调节给予音 乐连贯性和流畅感；而手腕的呼吸是运用 最普遍、也出现得最多的呼吸手段，如连 线的划分，通过手腕力量的“上抬”和“下 沉”也可以实现乐句起伏中形成的“气 息”。在钢琴演奏中许多技巧也需要有呼 吸的配合来完成，比如在演奏强力度的和 弦时，如果只靠手和臂的力量，往往达不 到作品所需要的音响、力度效果。这时我 们就要用气息的支持，气沉丹田，我们常 常提到的“腰部力量”就是气息在支持，这 股力量由背、肩、臂一直贯通到手指，加 上了气息的力量就会感到手臂力量大大增 加，演奏出的和弦也就有力而扎实。扩展 到整个乐段的和弦，更需要有气息的力量 加入，身体状态才会积极起来，从而达到 演奏效果。例如李斯特《匈牙利狂想曲第 十一首》的尾声部分，音乐雄壮有力，情 绪高涨积极，节奏欢快迅速，呼吸在这段 音乐演奏的运用要积极，但不能提气，还 是要气息扎稳，才会有力量的支持。还有 一点应该注意，在演奏中要尊重作曲家的 创作意图，理解乐曲的上的所有标记，注 意正确运用呼吸来表现强弱层次的变化、 表情术语的渲染等，从而得到丰富的声音 色彩，增强乐曲的艺术感染力。 拍时的呼吸，就相当于指挥中的“预示 拍”，包含了乐曲的速度、情绪、力度 等。在演奏起拍时的呼吸节奏要与所演奏 的作品速度、情绪、力度保持一致，如果 乐曲是以抒情慢板开始的，触键前的呼吸 则要深而缓慢；如果是一个急促的快板， 在下键前的一刹那要急吸一口气。起拍的 呼吸，要根据全曲的风格而定。掌握科学 的呼吸理论，并运用到自己的演奏中，有 助于表达出音乐的真谛。