【完结】打造八卦弦上的咏叹调，八一八西方古典音乐界内那些牛人的二三事！
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沉香 楼主 2013-12-09 16:31:51
伯姆 堪与卡拉扬比美的大神 + 法学博士 有人曾经做过这样的预测，假使对德国和奥地利的有相当水平的音乐爱好者，做一次有关卡拉扬和伯姆谁最受听众欢迎的调查的话，那么伯姆即使不是最终的获胜者，也肯定是会与卡拉扬平分秋色的，实际上，在德国和奥地利的一些老资格的音乐听众当中，伯姆在许多方面都是更加受人偏爱的。这种看法，从今天世界范围的角度来看，也的确是越来越有道理的了。现在，人们在议论和回忆那古朴、端庄、严谨而深邃的维也纳传统时，都十分自然地对伯姆那经典性的指挥艺术产生出深深的敬意。 伯姆是一位对艺术极其认真严肃的指挥家，他在早期指挥生涯中也可以被列为“严厉派”指挥家中的一员，但是伯姆虽然脾气暴躁，可那都是为了达到他那尽善尽美的艺术要求而为之的，一旦排练结束后，他便又马上变得笑逐颜开了，为此，纽约大都会歌剧院交响乐团的演奏员曾对他回忆描述到：“他是一个真正具有双重性格的人，在指挥台上他脾气暴躁，是个不饶人的典型暴君，但是一离开指挥台，他立刻变得就像一位舐犊情深的慈父一般，使人很难相信前后竟是同一个人，他是一个老式的、保守的权威主义者，在排练时如果准出了差错，他便会咆哮到：“怎么搞的，又错了”，但当大家演奏得很好时，他又会大声说到：“好，奏得好”，并伸出手来向演奏员们祝贺和赞扬。实际上，他是一个很有人情味的人，以后随着他年龄的个断增长，他那暴君式的脾气也逐渐减少了。”
君特旺德 又一个淡泊名利的主 君特旺德，德奥传统指挥家，在他近70年的指挥生涯里，以指挥贝多芬，勃拉姆斯，布鲁克纳等德奥作曲家的作品而享有盛誉。旺德早年曾在德国科隆等地的音乐学院求学，师从贾尔纳克，鲍姆加特纳等人。1939年到1944年，他担任了迪特莫尔德和科隆的一些乐团的指挥。1944年和1945年连续两年，他指挥了萨尔斯堡的莫扎特乐团。 1945年，旺德就任科隆歌剧院的音乐总监，并担任这一职务长达30年之久。在他的精心调教下，科隆歌剧院及其乐团成为了德国首屈一指的歌剧院和乐团之一。1974年，歌剧院将终身指挥这一头衔颁给旺德，但指挥家却在担任了伯恩交响乐团的首席客座指挥之后将这一职务辞去。 1982年，旺德执棒北德广播交响乐团。 年届70的指挥家，在这一位置上，兢兢业业，老而弥坚，创造出其指挥生涯的又一座高峰。在八十年代，他指挥乐团录制了贝多芬，勃拉姆斯，布鲁克纳的交响曲全集，被奉为典范。 1991年，当旺德离开NDR的时候，乐团将乐团荣誉主席授予了他。 1991年起，他开始定期指挥柏林广播交响乐团举行音乐会。 旺德淡泊名利，甘守“清贫”，绝少在音乐会以外的社交场合露面。凭藉他的实力，他应该可以获得比现在得到的更高的声誉，但他的甘于淡泊，谨言慎行和对音乐的奉献精神，却使他无论是在艺术上还是人格上都无愧“伟大” 二字。
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沉香 楼主 2013-12-09 16:32:17
接下来的是演奏家和重要作品 举报 回复 楼主：听话就让咬鹅 时间：2010-09-05 14:57:40 四大小提琴协奏曲 柴科夫斯基 D大调小提琴协奏曲 门德尔松 E小调小提琴协奏曲 贝多芬 D大调小提琴协奏曲 勃拉姆斯 D大调小提琴协奏曲 柴科夫斯基 D大调小提琴协奏曲 作于1878年。是柴科夫斯基最著名的作品之一，与贝多芬的D大调、门德尔松的e小调、勃拉姆斯的D大调小提琴协奏曲并称为世界四大小提琴协奏曲。 这首乐曲的特色不但充分发挥了主奏小提琴绚烂的近代演奏技巧，展开了色彩丰富的管弦乐，造出了比以往的小提琴协奏曲更新鲜的韵味，而且用他含有俄国民谣的地方色彩，独特的充满哀愁的优美旋律，作成了格调新颖、独特的作品。由于这首乐曲是柴科夫斯基受到了拉罗作曲的《西班牙交响曲》的激发而作的，所以我们可以很容易地看出，两者之间有着共通的构想。这部小提琴协奏曲是一部欢快、活泼、充满青春气息的作品，它歌唱青春，歌唱生命，表现了俄罗斯人民的乐观主义精神。这首乐曲当初相当不受世人欢迎，然而历史最终证明这是一首绝无仅有的音乐杰作，在音乐舞台上久演不衰，成为许多著名小提琴家的保留曲目。 门德尔松 E小调小提琴协奏曲 这首小提琴协奏曲作于1838－1844年间，于1845年首次上演。门德尔松的小提琴协奏曲中，这一首是最为著名的，与贝多芬的 D大调，勃拉姆斯的D大调和柴科夫斯基的D大调小提琴协奏曲并称为世界四大小提琴协奏曲。整部作品充满了柔美的浪漫情绪和均匀齐整的形式美,小提琴的处理手法精妙绝伦，旋律优美，技巧华丽，达到了登峰造极的境界，不仅是门德尔松最杰出的作品，也是德国浪漫乐派诞生以来，最美丽的小提琴代表作。有人甚至认为这部作品是小提琴协奏曲的"压卷之作"。 贝多芬 D大调小提琴协奏曲 本曲作于1806年，是贝多芬唯一的小提琴协奏曲作品，自古以来被誉为小提琴协奏曲之王。这首乐曲旋律柔美、格调高雅、规模宏大，颇具王者风范。然而，本曲在被誉为小提琴协奏曲之王前，也经过很长一段时间的考验。本曲初演以后，几乎没有人再对它回顾，本曲的华彩乐段，并不像钢琴协奏曲那样由贝多芬亲自谱写，而是留给各式各样的演奏者谱曲，其中较常采用的有约阿西姆、奥尔和克莱斯勒等的手笔。当年贝多芬作曲时，正值他与他的学生，匈牙利的伯爵小姐勃伦斯威克产生了深深的爱情，并在她家的庄园度过了快乐的夏天。他一生中这"最明朗的日子的香味"便渗透在贝多芬这部唯一的小提琴协奏曲中。 勃拉姆斯 D大调小提琴协奏曲 德国作曲家勃拉姆斯作于1877～1878年，是作者一生中创作的唯一的小提琴协奏曲。乐曲具有浓厚的田园牧歌风味和匈牙利民歌情调，那种安详与厚重相得益彰的感觉，正是勃拉姆斯所独具的特色。在这部作品中，勃拉姆斯成功地将浪漫主义的激情与古典主义的严谨结合起来，并在曲式上有很多大胆创新。
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沉香 楼主 2013-12-09 16:33:00
柴科夫斯基 D大调小提琴协奏曲 我收藏了很多柴科夫斯基的D大调小提琴协奏曲，由于古典音乐很难说有最好的版本，很多都是人主观的感觉，甚至很多大师级别的指挥和演奏家对于乐章的速度的看法都是有很大区别的，我个人还是喜欢俄罗斯人自己折腾出来的柴科夫斯基 D大调小提琴协奏曲。他们自己人的东西才是最具斯拉夫气质的，其他高手始终很难玩出这类深入灵魂的东西！ 尤其以以下两版属于神作级别的： 穆拉文斯基/Mravinsky 和 Richter 穆拉文斯基/Mravinsky 和 Gilels 这张专辑是钢协搭配小协，推荐的目的主要是钢协太强了，但是小协也不要忽视，几位演出者同样来头不小：基东.克莱默作为当时苏联的小提琴新星，现在当然都是大师了，加之穆老的亲兵LePO的友情加盟使得全场录音自始自终都充满火一样的热情与核武器般的音乐能量，令人听后依然有“绕梁三日”之感。 最具斯拉夫气质的柴一钢协版本之一，最具激情与青春活力的柴一小协，你值得拥有。 Richter就不八了，超级强人，前面已经讲过他的拉二和柴一钢协，他还和穆老与其亲兵LePO的黄金阵容堪称老柴作品的权威演绎，但该录音糟糕的音质始终受到听者的诟病，但历史经典录音本来听的就不是音质，因此我们也不再追究该版本30年代般的录音质量了；1959年的里赫特版无论在乐曲感情的宣泄与细部质感的处理上都达到了非常完美的平衡：Richter大师虽有高超的技巧，但他从未以技巧为重，而是认为最重要的是表达音乐本身。穆老棒下的LePO在这一版本的表现无疑可以用震撼来形容：冲劲十足又不失柔美，尽管“令人发指”的录音质量为这场经典的演出无疑蒙上了一层灰雾，但乐句表达的的整体统一感并没有受到丝毫损失。 所幸我们还有另外一个好版本，1971年3月30日在列宁格勒爱乐大厅的现场录音，与前者的录音室版本相比，它显然具备了录音室录音所不具备的优势，特别是对于穆老与吉列尔斯这样的以现场演绎见长的“人气型”大师而言，无疑有如鱼得水般的积极效果。正因如此，此版音响效果更加自然柔和，动态起伏控制更加流畅自如；已近花甲之年的穆老对乐句的处理也有了更多的洒脱与悠扬，情感的表达没有了早年暴风般的直接宣泄只剩下充满人文气息的细腻表达。处于演奏生涯黄金期的吉列尔斯又一次为我们展现了什么叫“钢铁般的触键”!那种细腻的犀利感相信只有听过这张唱片之后才能深切地领会——里赫特的优雅的洒脱在这里形成了鲜明的对比。 吉列尔斯 1916年出生于敖德萨的艾米尔•吉列尔斯（Emil Gilels）是早慧型的钢琴家，他9岁开始登台，13岁首次举行个人独奏会时已能娴熟地弹出包括贝多芬的第8奏鸣曲、肖邦、李斯特的练习曲和斯卡拉蒂、门德尔松等曲目。1935年在敖德萨音乐学院毕业后转到莫斯科音乐学院随涅高兹继续深造，在此期间，他先后夺得了1936年维也纳国际钢琴大赛第二名和1938年在布鲁塞尔举行的首届伊莉莎白女王大赛的冠军。这算是吉列尔斯在西方世界崭露头角，也得到鲁宾斯坦等高度评价。 吉列尔斯的演奏曲目虽不如他的同胞李赫特那么广泛，也决不拘泥于单一民族或作曲家作品，除了俄罗斯作品，德奥音乐也是他的拿手好戏，贝多芬、勃拉姆斯、莫扎特、舒曼等都得到极高的评价。70年代初与约胡姆指挥柏林爱乐的勃拉姆斯两首钢琴协奏曲就被许多乐迷奉为必听录音，吉列尔斯刚柔并举，激越处嘈嘈如急雨，银瓶乍破水浆迸，铁骑突出刀枪鸣；低吟处切切如私语，间关莺语花底滑，幽咽流泉水下滩。似泣如诉、欲抑还扬的琴声将听众带进了作曲家复杂的内心世界。
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沉香 楼主 2013-12-09 16:33:44
海菲兹 柴可夫斯基&门德尔松小提琴协奏曲 海菲兹，被默认的小提琴之王，海菲兹的演奏技巧和演奏速度是绝无伦比的，他演奏的小提琴协奏曲常常把自己的技术发挥到了极致是二十世纪的帕格尼尼也是二十世纪的小提琴之王！ 俗话说“金无足赤、人无完人”，小提琴的音准取决于演奏者手指按弦的位置是否准确，半毫米之差音已经大不相同，因此小提琴演奏中出现杂音、错音是再所难免的。然而，这条定律在海菲兹身上却失去了作用。海菲兹的演奏就是以高度的精确和完美作为其最鲜明的艺术特征的。他是个完美主义者，容不得在演奏中出现一丝一毫的错误和闪失。每次演奏前，他都一丝不苟的设计好整部作品的布局和所需的弓法、指法。指挥泰斗托斯卡尼尼对海菲兹的这种卓绝超凡的才能赞不绝口，称他是自己见过的小提琴家中“唯一能演奏得完美无缺的艺术家”。向来文笔犀利，出语辛辣的英国大文豪萧伯纳先生对此耿耿于怀，终于有一次忍不住给海菲兹写了一封公开信，信中说：“海菲兹先生，请问你能否拉错一个音以表明你是一个人而不是一位神呢？” 时代周刊》在纪念他的文章中所说：“如果海菲兹从来没有存在过的话，小提琴演奏艺术将永远不会达到今日的高度和如此完美的水准......作为个人，他给世界留下了扑朔迷离的问号；所谓小提琴演奏家，他将在今后的几个世纪中引起无可估量的反响。” 但是问题又来了，这么牛逼的大神的技术是公认最强的，但是他的很多作品不见得是该作品的最强版，比如巴赫的小无，技巧性太强，反而掩盖了本身的音乐诉求，窃以为他的小无没有谢林的好。 这里推荐他的柴可夫斯基&门德尔松小提琴协奏曲，还是不错的，注意了， 是红袖章，你们懂得！
大卫·奥伊斯特拉赫 《巴赫、勃拉姆斯、柴科夫斯基小提琴协奏曲及贝多芬小提琴浪漫曲》 大卫•奥伊斯特拉赫，上世纪最伟大的小提琴家之一，他在小提琴演奏方面所取得的巨大成就，可以同历史上任何一位伟大的小提琴演奏大师相比美，在世界音乐界享有崇高的威望。 大卫·奥伊斯特拉赫是俄罗斯小提琴学派的重要代表人物。这些成绩使他获得了世界性的声誉，尤其是比利时的那次比赛，在7个一等奖中，苏联人获得了6个，由此奠定了俄罗斯小提琴学派在世界的地位。奥伊斯特拉赫的演奏富于抒情的诗意，艺术上曾受到克莱斯勒的强烈影响，但是他并没有完全照旧，克莱斯勒的具有唯美倾向的发音手法，在奥伊斯特拉赫那里变成了表现内心情感的手段。他的颤指有时采用艺术化的延迟瞬间开始，造成声音的久远延绵。 20世纪的前苏联艺术家几乎没有谁曾经像大卫·奥伊斯特拉赫那样享誉海内外。他有着非凡的音乐才能和高深的艺术修养，以充满诗意的抒情性演奏见长，其惊人的表现力和精深以致臻于完美的技巧，演奏风格纯朴庄重、富于热情，能使音乐达到十分高超的艺术境界。他那甜美、纯净的音色和激动人心的感情，强烈地打动着人们的心灵，从而能让他与任何类型的听众之间轻易地搭建起一道沟通、对话的桥梁，也使得其音乐会现场演奏和录音都受到普罗大众与音乐鉴赏家的一致的赞誉。大卫不愧是一位真正意义上的“人民艺术家”，他在世界上也同样受到人们的爱戴，得到许多国家授与的博士、院士称号。同时代的很多作曲家都将自己的作品题献给他，如米亚斯科夫斯基、哈恰图良、肖斯塔科维奇的小提琴协奏曲和普罗科菲耶夫的小提琴奏鸣曲等。大卫还善于指挥，1972年与柏林爱乐乐团合作录制莫扎特协奏曲全集，除独奏外，他还兼任指挥，特别是他为儿子的演出所指挥的乐队，被人们传为佳话。 这里录制的巴赫的第一协奏曲，A小调，BWV1041。第一乐章没有明确的速度标记，按照惯例大家总是用“Allegro（快板）”来演奏，全曲由强有力的合奏开始。紧接着独奏小提琴带出一个略显哀伤的主题，在整个呈示过程中，乐队则起到烘托、映衬的作用，时而紧随、时而应答，最后以合奏结束整个乐章。第二乐章由固定低音构成这个行板乐章的基础，而独奏小提琴则有一段极具歌唱性的主题，抒情而委婉，几经转调、扩展，将整个第二乐章演化成一首美妙的变奏曲。第三乐章则为速度较快的意大利舞曲，旋律轻盈欢快。第二协奏曲，E大调，BWV1042，这是巴赫现存的这三首小提琴协奏曲中最受欢迎的一首。乐队配置为两把小提琴，中提琴、大提琴、低音大提琴个一把以及古钢琴。第一乐章是快板，由十分热烈的全奏开始。这个三段体的乐章在结构上已经和现代奏鸣曲有很多相近之处，但并不算十分完整，整体风格依然延续着巴洛克的传统。主题旋律加以变化后，独奏和竞奏交错进行是主要的表现手法。第二乐章的慢板为c小调，以固定的低音主题为基础写成，是一首极其优美的变奏曲，听起来好似一股清泉流出，却又饱含着火一般的热情。第三乐章则为“非常快的快板”，在这里我们可以听到十分鲜明的意大利回旋曲风格，虽然标注速度很快，但实际上听起来却是一种从容不迫的感觉。 在此专辑中所录制的勃拉姆斯、柴科夫斯基的伟大的协奏曲、贝多芬的纯美的浪漫曲以及巴赫的协奏曲，按我们今天流行的说法，均是“有机”的录音作品：它们都充分吸收了智慧的精华以及一切的准备和研究，就如同一块生面团，加上适当的配料，烤出了一块美味而有营养的面包，只不过这面包就是这音乐，它是做给全世界的。
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沉香 楼主 2013-12-09 16:34:08
楼主，能否列个清单给我等对古典音乐有兴趣的完全古典盲？从入门开始慢慢学习！ =============================================================== 如果要入门，最好不要直接就上巴赫 莫扎特等的东西， 从旋律好一点，篇幅短一点的东西开始可能会好一点， 这方面所有唱片公司每年都会推出无数精选 这是个好东西，当然他们也赚死了 下面是电驴都能下的，我给你个清单，最好只下APE 或者 FLAC形式的无损 EMI： （1） Various Artists -《100首经典电影原声》(Les 100 Plus Belles Musiques du Cinema)6CD更新完毕[APE] 地址：http://www.verycd.com/topics/292513/ （2）Various Artists -《钢琴百分百》(Best Piano Classics 100)[EMI引进版6CD][APE] 地址：http://www.verycd.com/topics/2780705/ （3）Various Artists -《古典百分百（卷1、2）》(Best Classics 100 Vol. 1 & 2) (12 CDs) [FLAC] 地址： http://www.verycd.com/topics/303896/ （4） Various Artists -《浪漫百分百》(100 Best Romantic Classics)[6 CD Set][FLAC] 地址： http://www.verycd.com/topics/2835371/ （5） Various Artists -《抒情百分百》(100 Best Relaxing Classics)[6 CD Set][FLAC] 地址： http://www.verycd.com/topics/2830545/ （6）Various Artists -《安可曲百分百》(100 Best Encores Classics)[6 CD Set][FLAC] 地址： http://www.verycd.com/topics/2837269/ 你最开始听的时候，不见得非要弄懂什么，上面这些很多都是旋律不错，可能很多泥以前就听过。。。你可以在看书 开车 吃饭 干活的时候听，当背景音乐。。。然后随着时间的增加，你肯定有你喜欢的风格和类型，慢慢补充知识，然后开始寻找版本，很快就上路了！
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沉香 楼主 2013-12-09 16:35:21
Leonid Kogan 《柯岗演绎 贝多芬小提琴协奏曲》 贝多芬的小协是每个小提琴大师都喜爱的作品，对于柯岗来说更是必录无疑，奥伊斯特拉赫的贝多芬小协演绎共有八个小提琴演奏和二个指挥共十个录音存世，而我们无法确定柯岗到底共有多少贝多芬小提琴协奏曲的录音，这个版本是很不错的一个，推荐之！ 德沃夏克大提琴协奏曲 卡拉扬 + 罗斯特罗波维奇 此款演绎是企鹅三星带花最高评鉴！俄罗斯大提琴巨擎罗斯特罗波维奇对德沃夏克《b小调大提琴协奏曲》的演奏诠释具有无可争议的权威地位。他曾先后录制此曲的唱片。 德沃夏克在1895年创作的《b小调大提琴协奏曲》使它跻身于世界最伟大的协奏曲行列，德沃夏克的贡献是让歌唱性的乐器大提琴像小提琴或钢琴一样灵活多变，在一部大规模的交响乐作品中始终处于“领导者”的地位。当勃拉姆斯弹奏钢琴，和大提琴家罗伯特·豪斯曼一起演奏《b小调大提琴协奏曲》时，他感叹道：“要是我知道可以写作像这样一部的大提琴协奏曲，我自己也会写一首。” 协奏曲的第一乐章是由一个相当扩展的奏鸣曲形式写就的，它勇武激昂又具有史诗气质，令人意想不到的是这么一部雄伟的交响曲是由一把大提琴独奏复述出来的。德沃夏克在写作此曲的时候，应该想到了宽阔的钢琴和嘹亮的小提琴，但是他没有运用这交响乐器之中的“王”和“皇后”，而是想到了大提琴，想到了一条如何通往故乡波西米亚的道路，想到了一些在身边缓慢流淌的东西，——像他自身的躯体，带着弦琴的神——向更为广阔和自由的天地。德沃夏克找到了大提琴，担当起他全部的孤独和永久性的歌唱，就像巴赫找到了教堂管风琴，莫扎特找到了单簧管。初次听协奏曲，它的开头一个乐章很像是《自新大陆》的翻版，其实德沃夏克把《自新大陆》乐观的结束拿来作为协奏曲的开端。德沃夏克是太喜爱《自新大陆》了，他的喜爱是来自于故乡波西米亚的黑土地和带亚麻味的阳光。虽然继续留在美国担任纽约国家音乐学院的院长能享受年薪1.5万美元的待遇，德沃夏克仍心怡故乡，1895年5月完成《b小调大提琴协奏曲》时，他已经重新踏上了欧洲大陆. 当然Du Pre那个版本也不错，此是后话。
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沉香 楼主 2013-12-09 16:35:38
Youtube上最近最火的 Love Story meets Viva la Vida 这段MV是钢琴家Jon Schmidt与大提琴家Steven Sharp Nelson改编的佳作。感动之余便是发自内心的震撼，太赞啦！两首音乐分别来自Taylor Swift的“Love Story”与Coldplay的“Viva La Vida”，原曲也非常动听。一位网友的话来说：“Viva La Vida响起的一刻 我感觉我要哭了 Coldplay 这张专辑真的是太棒了！” 独白大意：这段曲子是献给我女儿萨拉的，7岁的小可爱～她喜欢Taylor Swift这首歌，最喜欢其中那段调子改变的地方，好像男孩先很害怕未来的岳父不答应，后来他终于对女朋友高兴地说，我和你爸爸谈过了，然后向她求婚，一起选婚纱（好早熟的小姑娘）～我加长了这一部分～然后我觉得应该转到Coldplay的Viva La Vida上了，所以这就是Love Story遇见Viva La Vida 在线收看地址 http://v.youku.com/v_show/id_XOTE4NjAyMjQ=.html 电驴下载地址 http://www.verycd.com/topics/2752352/ 现在youtube上无数改编这个序列的版本，电吉他 长笛 贝斯 小提琴什么都出来了
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沉香 楼主 2013-12-09 16:35:43
RUGGIERO RICCI 黎奇 -《帕格尼尼二十四首随想曲》 帕格尼尼的一生不仅充满传奇，几乎是空前绝后的小提琴技艺，更为之添上了不少神话色彩；他所写的无伴奏小提琴作品二十四首随想曲，当年更被认为除帕格尼尼以外，无人能够演奏。 帕格尼尼创作二十四首随想曲时还未够二十岁，当时他已名满欧陆。他在舞台上神乎其技的演奏，充满浪漫热情和强烈精力的音乐，结合他那副带著魔幻神秘，瘦骨嶙峋的面容，有如魔鬼般的台风，使他在任何一个城市的音乐会门票，往往在一瞬间便被抢购一空，一票难求。他所到之处，都轰动一时，形成了一股席卷欧陆的帕格尼尼的狂飙。 帕格尼尼一方面周游各地演奏，一方面又不断创作不少采用他自己发明的众多奇绝崭新技法在内，以炫耀技巧的作品，供自己在音乐会上演奏，使技惊四座的效果，因为不断有新的技法出现而保持。 帕格尼尼的出现，为小提琴这件乐器赋予了非凡的生命力，小提琴的演奏，脱胎换骨，散发出迷人的光彩，带来追求超绝技巧的潮流；各种乐器的演奏家，都被刺激去寻求技巧的突破方法，李斯特便因为年幼时被帕格尼尼的超技演奏吸引，而要致力成为「钢琴的帕格尼尼」，由此钢琴在日后才因为李斯特此一志愿的实现，而成为能发挥绚烂色彩，光芒四射的乐器。 帕格尼尼出神入化的小提琴演奏技巧，亲眼目睹他演奏的人都难以置信，加上他那副有如魔鬼般的台上姿采，将他的演奏与魔鬼拉上关系的谣言便不断传扬。其中流传得最为广泛的，是指他将自己的灵魂出卖给魔鬼，用以换取超凡的演奏绝技。 其实，其实帕格尼尼自己亦曾有意无意地传播一些谣言，用以将他的演奏神话。举例来说，他便曾说过这样子一个故事：他被囚在牢狱中时，小提琴上的弦，一条一条地断掉，最后只余下一条，就这样他便摸索到只用一条弦来演奏的窍门。 尽管帕格尼尼对人表示他的超绝技巧大部份是自学而来，事实上却是，他曾跟随过好几位小提琴教师。他的父亲，一位商店老板，便是他的启蒙老师。他很早便发现，他这位于1782年10月27日在热那亚出生的儿子，具有不寻常的音乐天份，帕格尼尼年仅四岁，便在父亲的教导下学习提琴、结他、曼陀林；到九岁时，首次上台公开演奏普莱耶尔（PLEYEL）的协奏曲。 帕格尼尼在作曲方面，同样很有天份，十一岁便写成处女作品小提琴奏鸣曲（现已失传），但让他的作曲才华得以成熟发挥的，却和当时一位热爱音乐的贵族马卓斯内格罗（MARCHESE DI NEGRO)，有很大关系。由于内格罗的协助，帕格尼尼得以通过内格罗安排的一系列音乐会，接触到广泛的听众；更重要的是，在内格罗的引荐下，帕格尼尼得以和当时一批著名音乐家结交，大大扩阔他对音乐历史和文学的认识，为他进军音乐创作世界，增添了重大的本钱。 帕格尼尼创作二十四首随想曲的灵感，便是因为他在内格罗的音乐图书馆中，第一次看到了平托·洛卡泰利（PIETRO LOCATELLE）的随想曲乐谱。洛卡泰利的二十四首随想曲写于1733年，但帕格尼尼所写的却完全很不一样，各段音乐创作，都有鲜明的音乐形象，其中有好几段尤为著名，因而被冠上不同的标题，如第六首《神秘》（MYSTICAL)、第九首《打猎》（THE HUNT)、第十一首《浪漫曲及塔兰台拉舞曲》（ROMANCE AND TARANTELLA)、第十三首《魔鬼的狞笑》、第十四首《进行曲》（MARCH)、第二十首《牧歌》（PASTORALLE），第廿一首《小夜曲》（SERENADE)、第廿三首《军队》(MILITARY)。 帕格尼尼一生创作了大量作品，从事音乐评论的著名作曲家舒曼，便认为他是当时意大利最优秀的作曲家。然而，帕格尼尼却惧怕他自己的超绝技能会被人掌握得到，不仅坚持练琴时不让任何人在场，以增加其个人的神秘色彩，更只将很少作品出版，他的二十四首随想曲，亦是在面世三十年后，才以作品编号1出版，成为他在生时最早发表的作品；而此后直至他逝世的九年间，合共才再出版了四个编号的音乐，包括作品2和3的小提琴与结他奏鸣曲，作品4和5的小提琴、中提琴及大提琴四重奏。 帕格尼尼的廿四首随想曲，给和他同时代的作曲家带来不少创作灵感，著名的如布拉姆斯、舒曼、李斯特，都曾将部份乐曲改编为钢琴曲，和配上钢琴伴奏。其中最为脍炙人口的十四首，采用主题加变走形式写成，该曲的主题便曾引发不少作曲家的灵感，布拉姆斯便借用该主题写成《帕格尼尼主题变奏曲》，拉赫曼尼洛夫则以之写成《帕格尼尼主题狂想曲》而李斯特则将第六首编为《帕格尼尼练习曲》的第一曲。 然而，对小提琴演奏家来说，这二十四首随想曲却是一个恶梦，当时的小提琴家都视之为畏途。该部作品中采用的二重泛音、双音奏法、左手拨奏、飞跃断奏等艰深技巧，甚至有魔鬼亦要退避三舍的说法。事实上，直到二十世纪的上半叶，虽然产生了不少伟大小提琴家，但却一直未有人公开演奏过帕格尼尼全部二十四首随想曲，更没有人敢将之全部录音！大师如克莱斯勒（FRITZ KREISLER)、海费兹（JASCHA HEIFETZ)、米尔斯坦（NATHAN MILSTEIN),奥尔斯泰克（DAVID OISTRATTI)，经常演奏的亦仅是其中的三、四首，只有法兰斯卡蒂（ZINO FRANCESCATTI）和年轻的曼纽轩（YEHUDI MENUHIN)经常演奏或录音的，会达到二十四首的半数。 不过，七十年代以来，新一代的小提琴家，如高根（LEONID KOGAN)、里兹（RUGGIERO RICCI）、帕尔曼（ITZHAK PERLMAN)、阿卡度（SALVATORE ACCARDO)、明兹（SHLOMO MINTZ)、雷宾（MICHAEL ROBIN)、马哥夫（ALEXANDER MARKOV）、斯玛曼（FRANK-PETER ZIMMERMANN）、美岛莉等，都已能够成功挑战这二十四首随想曲。由于小提琴训练方法的改进，能够完全掌握这廿四首随想曲（包括将次录音）的小提琴家的年龄也就越来越年轻了。 但无论如何，帕格尼尼的二十四首随想曲，已被公认为小提琴家的试金石。这不仅是因为其中采用了大量高难度的演奏技巧，还因为作品中的丰富音乐内容，最能考验出演奏者对音乐的悟性。不少小提琴家只顾去克服演奏技巧的挑战，也就往往忽视了每首随想曲中所蕴含的丰富音乐内容，致使二十四首随想曲沦为练习曲，其实不可不知的是，帕格尼尼的魔力，便在于能够用技巧发掘出每首乐曲中的音乐美感。 然而，说到底，帕格尼尼仍只是位具有独特音乐天赋的一个人，仍难免病魔的侵袭。晚年他的健康情况日坏，已不可能公开登台，只能迁居到气宜人的法国南部休养，初时在马赛（MARSEILLE），后搬到尼斯（NICE）去，直到1840年5月27日逝世，帕格尼尼充满神话色彩的传奇亦在此结束。 黎奇是第一位将整套帕格尼尼随想曲灌录唱的小提琴家，一生总共录了三次；这是1988年的DDD版本，用的是帕格尼尼自己的小提琴 "Cannon" Guarneri del Gesù。 关於黎奇 黎奇（RUGGIERO RICCI）美国小提琴家，1918年7月24日生於旧金山一个音乐家庭。5岁开始学小提琴，8岁师从从珀辛格，10岁首演于旧金山，第二年在卡内基音乐厅演奏门德尔松协奏曲，有神童之称。 1932年在欧洲各地,先后得到皮阿斯特罗和库伦坎普夫指教，1933-1937年再拜珀辛格为师。黎奇1970-1973年任教于印第安纳大学,1975年起任朱利亚德学院教授。他属于炫技型的演奏家，爆发力强,喜欢偏快的速度,他演奏帕格尼尼、萨拉萨蒂等人的技巧高深的作品极有自己的特色。 黎奇本人的乐器是 1734 "Gibson" Guarneri del。正如肖邦的练习曲，李斯特的超绝技巧练习曲，巴赫的无伴奏大提琴组曲和无伴奏小提琴奏鸣曲，帕格尼尼的二十四首随想曲因为它技巧上和音乐上的极高要求，录音数量和它的名气不成比例，尤其是二十四首整套的录音。作为第一位录制帕格尼尼二十四首随想曲的小提琴家，黎奇的地位可以说是二十四首随想曲的卡萨尔斯。个人比较喜欢美岛莉和普尔曼，但无可否认黎奇对於帕格尼尼作品的洞察力非常深刻；这隻专辑绝对值得欣赏和收藏。
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沉香 楼主 2013-12-09 16:36:03
海顿 Haydn -《大提琴协奏曲》 罗斯特罗波维奇 海顿一生著有多少部大提琴协奏曲？根据《音乐圣经》上的介绍：在A·V·霍伯肯1979年编辑的《海顿作品目录》中有关条目的解释，应该有五部，另一部无法辨别真伪。在这五部作品中第三号乐谱情况不明，第四和第五号也没有足够的资料能够证明是海顿的作品。而在海顿1809年委托别人编撰的作品目录中也没有标出这些无从考证的大提琴协奏曲，所以能够确认的只有第一号（C大调 编号：Hob.VIIb-1）和第二号（D大调 编号：Hob.VIIb-2）。顺便提一下，海顿作品的编号非常奇怪，其实前缀“Hob.”正是《海顿作品目录》的编者A·V·霍伯姓氏的简写，后面的数字部分则按照不同的曲式分门别类并进行编号。 言归正传，在这硕果仅存的两部大提琴协奏曲中，《C大调第一号协奏曲》直到50多年前才被世人所发掘。这部珍贵的作品在贵族文库与图书馆中足足埋没了将近二百年之久。直到1961年，捷克音乐学者蒲尔克特才在布拉格国立图书馆发现了海顿时期的手抄分谱，之后由科隆的海顿研究所学术主任费达透过谱纸的水印判断，认定此谱为可信度极高的手抄谱，同时进一步确认此曲谱就是海顿所作的大提琴协奏曲。最终于1962年5月19号的布拉格之春音乐节进行了发掘之后的首次演出，引起极大轰动。这部《第一大提琴协奏曲》作于1765-1767年之间，当时正在艾斯特哈萨城堡供职的海顿正是三十多岁风华正茂的年纪，并且刚刚成为尼古拉亲王艾斯特哈吉宫廷乐队的乐长。因此，这部协奏曲既带有青年海顿明快、优雅、幽默的风格特征，在艺术上也是比较成熟的。同代人莫扎特和贝多芬都没有写过大提琴协奏曲，所以海顿的这部作品堪称当时大提琴协奏曲中的代表作品。 海顿的《C大调第一大提琴协奏曲》，其共分为三个乐章：第一乐章 中板，C大调，3/4拍子。这个乐章为协奏型奏鸣曲形式，不过总奏与主奏形成尖锐对比的手法，反映了复奏形式的痕迹；从单调的伴奏音形中可以感觉到巴洛克的余风。而进入总奏以第一主题开始的绚丽的结尾部终结，充分显示了由巴洛克的复现形式进入古典派奏鸣曲形式的协奏曲过渡期结构。整个乐章节奏舒缓，旋律柔美，大提琴表现出低沉、宽广的个性，与作品的整体风格融为一体。第二乐章 慢板，F大调，2/4拍子，三段体。这是由主奏大提琴与弦乐器呈示的静谧而抒情的乐章。乐曲中充满了优雅的旋律美，显示出海顿在旋律剧作上独具的功力。第三乐章 甚快板，C大调，4/4拍子。这个乐章也是协奏型奏鸣曲形式，与保留有巴洛克余风的第一乐章采用几乎相同的结构。全曲与巴洛克协奏曲同样，总奏部分总是简洁地呈示主题，主奏大提琴出现的部分发挥了主奏者的技巧。这个乐章的速度非常之快，要让大提琴疾速如飞起来，对于演奏者的功力确实是一个考验。然而最后出来的效果确实可以令听众为之振奋，实在是一种难以言表的愉悦感觉，还是留待大家自己体会吧。 相比热情的第一号协奏曲，《D大调第二大提琴协奏曲》并不知名，但却是绝对不能忽略的。这部作品作于1783年，和C大调协奏曲不属于同一时期的作品，在音乐风格上也有相当大的差别。据说这部作品是为海顿当时供职的艾斯特哈吉乐团中著名的大提琴演奏家克拉夫特所写的。整部作品充满着温婉、柔和的气质，显示出海顿温情的一面。 罗斯特罗波维奇无疑是如今最为出色的大提琴演奏家，在他专心沉醉于大提琴演奏的艺术生涯黄金时期留下了许多经典的唱片，录制了几乎所有著名作曲大师的大提琴独奏曲、奏鸣曲以及协奏曲。而这张于1976年录制的《海顿第一、第二大提琴协奏曲》则是经典中的经典。2000年，EMI再次将它收录到“GREAT RECORDINGS OF THE CENTURY（世纪伟大录音）”系列当中，可见其受欢迎程度。海顿的这两首协奏曲无疑是古典主义时期最受欢迎的协奏曲之一，而罗斯特罗波维奇在这里的演奏则显得无懈可击，大提琴的音色刚强、温暖而富有力度，技巧是出类拔萃的，更可贵的是罗氏对音乐的理解和把握也极其精准而贴切。担任协奏的圣马丁室内乐团更是维也纳古典乐派作品的最佳演绎组合，乐团的音色柔美，很好地衬托起独奏大提琴的辉煌。唱片的录音十分优秀，大提琴的音色尤为厚重、空气感非常强，经过EMI独家的art技术处理后，音质更上一层楼。著名的企鹅评价也予以三颗星的高度评价。
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沉香 楼主 2013-12-09 16:36:42
卡拉扬/柏林爱乐 -《理查·斯特劳斯:查拉图斯特拉如是说》 超强组合，卡拉扬的理查施特劳斯，或许比他的贝多芬还要值得一听，因为老卡手下的柏林爱乐在演艺这类大编制的作品时能更癫狂，味道更浓烈。 老卡60年代和维也纳爱乐的欠火候，80年代的数字版有些拘谨，唯独这个70年代版的查拉图斯特拉如是说，飞扬跋扈，听了非常过瘾。弦乐组气息绵长，铜管坚实而辉煌，首席Michel Schwalbe的表现也是一流的。 Beethoven: Piano Sonata Nos.8, 13 & 14 吉利尔斯 贝多芬钢琴奏鸣曲 8 13 14 这张唱片由DG公司出品，是企鹅三星高度评价名演版本，录音极佳，其中收录了贝多芬的三首钢琴奏鸣曲：《“月光”奏鸣曲》、《“悲怆”奏鸣曲》、《第十三钢琴奏鸣曲》。由前苏联伟大的钢琴大师吉列尔斯演奏。吉利尔斯最后十年为DG所灌录的贝多芬钢琴奏鸣曲无疑是他个人一生艺术的精华所在，完美的触键和录音让我们更正确地深入贝多芬的世界。吉利尔斯的演奏更充满了光辉的音色和力度，除了完美的技巧外，也灌注了适当的情感。尤其是对“热情”的演绎可谓空前绝后。 吉利尔斯生于敖德萨，13岁入敖德萨音乐学院，1935年考取莫斯科音乐学院研究生，在涅高兹指导下继续深造。1938年获布鲁塞尔国际钢琴比赛一等奖，同年毕业并留任莫斯科音乐学院教授。1947年起在欧洲各地巡回演出，1955年成为战后第一位访问美国演出的苏联钢琴家。吉利尔斯和比他年长一岁的里赫特，被并誉为俄罗斯钢琴学派的当代传人。
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沉香 楼主 2013-12-09 16:36:47
维瓦尔第 四季 卡拉扬 穆特 《维瓦尔第：四季》本碟是德国“小提琴女神”安妮·索菲·穆特与其音乐领路人欧洲指挥大帝卡拉扬早年为EMI留下的一款珍贵唱片。收录了音乐史上流行度最高的小提琴协奏曲——维瓦尔第创作的《四季》！意大利作曲家维瓦尔第本人就是音乐史上一位技艺精湛的小提琴家，同时也是小提琴协奏曲这种音乐演奏形式的发明者。《四季》是他卷帙浩繁的小提琴作品中流行度与艺术成就最高的一部！！据统计，《四季》很可能是全世界被唱片公司录制次数最多的小提琴作品！！ ★ 全世界知名度最高、最好听的小提琴协奏曲，群众基础雄厚！！ ★ 全世界最富号召力的小提琴女神穆特完美演绎！！ ★ 全世界人气最旺的指挥大师卡拉扬指挥维也纳爱乐乐团激情协奏！！ ★ 唱片史上最著名的《四季》版本之一！！ 穆特与卡拉扬大师于80年代录制的这款唱片在该曲目诸多版本中始终备受瞩目，演奏风格华美无比，用音符轻松描摹出一... (展开全部) 《维瓦尔第：四季》本碟是德国“小提琴女神”安妮·索菲·穆特与其音乐领路人欧洲指挥大帝卡拉扬早年为EMI留下的一款珍贵唱片。收录了音乐史上流行度最高的小提琴协奏曲——维瓦尔第创作的《四季》！意大利作曲家维瓦尔第本人就是音乐史上一位技艺精湛的小提琴家，同时也是小提琴协奏曲这种音乐演奏形式的发明者。《四季》是他卷帙浩繁的小提琴作品中流行度与艺术成就最高的一部！！据统计，《四季》很可能是全世界被唱片公司录制次数最多的小提琴作品！！ 穆特与卡拉扬大师于80年代录制的这款唱片在该曲目诸多版本中始终备受瞩目，演奏风格华美无比，用音符轻松描摹出一年中的春、夏、秋、冬！！录制本唱片时的穆特正值弱冠之年，她淳朴本真的音乐演绎与此曲田园诗般的艺术意境相得益彰，为自己也为乐迷留下了一幅隽永的音乐画卷。
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沉香 楼主 2013-12-09 16:37:23
鲁宾斯坦 肖邦夜曲 RCA公司出品的鲁宾斯坦演奏的肖邦全集11CD中的第1、2张，夜曲全集。鲁宾斯坦就不多说了，都懂的，肖邦专家！ 人们只要一提到肖邦夜曲，就会很自然地使人想到爱尔兰人费尔德（John Field,1782-1837）。因 为费尔德才是夜曲的始创者，是费尔德率先将“夜曲”作为钢琴作品的一种创作方式。他在1813年至1835间创作了18首供钢琴 演奏用的夜曲，其特征是低音部以波动的伴奏音形，衬托出右手所弹奏甜美的主题旋律。1814年，费尔德的三首夜曲在莱比锡出版， 成为肖邦创作夜曲的源头。虽然在史料记载上，肖邦在1833年之前并未亲遇费尔德，但早在1818年肖邦便开始在华沙演奏费尔德 的作品。而到达巴黎之后，肖邦更经常用费尔德的夜曲作为音乐会曲目或教授学生钢琴的教材。 肖邦本人在先天上是特别适合演奏夜曲的。在性格上，他不媚低俗的优雅格调和高贵情操，使夜曲在甜美旋律中，能自然表现内在的 深刻情感。在体型上，肖邦体弱多病，并不适合演奏高响度的宏伟作品，但其细腻的情感和珠玉般的音乐变化，却成了夜曲的迷人气质。 然而，当他的Op.09的三首夜曲初次出版时，却遭到德国著名乐评家列尔斯塔的无情痛击，称肖邦的作品比之费尔德的夜曲有欠自然 ，加入了过多的“香料和胡椒”。时至今日，我们除了在音乐史资料中见到费尔德的乐谱外，他的作品几乎极少在音乐会上出现，而肖邦 夜曲的优美旋律却穿过近两个世纪的巨变时代，还在今天的夜空中闪耀，也许正是肖邦夜曲中的这些“香料和胡椒”才真正满足了现代人 的胃口吧？！ 尽管有学者在介绍肖邦的夜曲时，会连《摇篮曲》（Berceuse）和《船歌》(Barcarolle)一并介绍。但我们现 在所称的２１首夜曲却并不包含这两首乐曲。这２１首夜曲，创作时间分别在1827年至1846年间，也就是肖邦创作的黄金时代。 其中有三首是肖邦过世后才出版的。如Op.19《e小调夜曲》，是肖邦的好友冯坦那（Julian Fontana） 在家中发现，后经肖邦家人同意而出版。而Op.21《c小调夜曲》原来打算编成Op.32-3出版，后又临时取消。这两首作品是 受到较多怀疑的作品，所以鲁宾斯坦和富朗索瓦的夜曲全集都没有收录这两首夜曲。 肖邦一生的创作，都不喜欢用文学性的标题来注释他的作品，所以像《雨滴前奏曲》、《革命练习曲》、《小犬圆舞曲》这些名称， 都是出版商后来附加上去的。像作于1833年的Op.06《g小调夜曲》，是肖邦读过莎士比亚的剧本《哈姆雷特》后，将内心的彷 徨苦闷和忧心忡忡写成这首悲剧性的夜曲，他原来打算给这首夜曲加上“悲剧哈姆雷特观后感”的字句，后却不愿文学性的标题破坏了音 乐的神秘感和想象力而取消了。至于像《叙事曲》这种原本有文学性内容的作品，他也不加任何解说，而希望演奏者和欣赏者以纯音乐的 方式来欣赏。所以，要想了解肖邦夜曲的创作背景就特别困难。好在他的这２１首夜曲，有一半以上是题献给至亲好友，我们可以顺着这 个线索找到一些创作时的蛛丝马迹。 作品Op.09的三首夜曲，是肖邦1831年09月到巴黎之前就已创作完成的作品。他在沙龙和朋友聚会时，经常喜欢演奏其中 的第二号《降Ｅ大调夜曲》，而这首夜曲也成为现今最通俗、最受欢迎的作品之一。肖邦初到巴黎时，是使用一台伊拉德钢琴（an&n bsp;Erard piano），这种钢琴的键盘较笨重，要弹奏弹性速度的乐曲常无法得心应手，于是肖邦的好友波列 意（Camille Pleyel，1788-1855）慷慨解囊，赠送肖邦一台触键灵活的钢琴。这台钢琴伴随肖邦直 至1879年辞世。肖邦为了感念他们一家的友谊，将他的第一号《降b小调夜曲》题献给波列意夫人。 作品Op.15的三首夜曲，是题献给肖邦的另一位好友希勒（Friedrich Hiller ，18 11-1855）的。希勒是身兼钢琴家、指挥家和作曲家的全能音乐家。当肖邦初到巴黎时，曾拜师卡克布兰纳（Friedrich Kalkbrenner，1788-1849）学习钢琴。希勒慧眼看出肖邦的钢琴技巧早已超过卡克布兰纳，所以经常 鼓励他，有时候也捉弄“老卡”一番，以杀杀他的锐气。所以肖邦虽初到人生地不熟的巴黎，但是浓厚的艺术气氛和人情味，却是暂时抚 慰他乡愁的唯一凭藉。 尽管艾勒（Louis Ehlert）形容《Ｆ大调夜曲》的一开头，左手装饰性的三连音，像是肖邦用柔软的蝴蝶翅 膀刷出来的主题，但从２５小节以后，感情却如洪水般毫无节制地涌出，其中还闪耀着银色的月光。肖邦夜曲的发展，似乎从这首《Ｆ大 调夜曲》开始，有了一个极为明显的转变，他已完全从费尔德夜曲的风格中跳脱出来，怀念故土的热情、对革命动乱的悲愤，以及他本人 高贵优雅而又忧郁犹疑的气质，都毫无掩饰地融汇成戏剧性的乐章。 在最著名的第五号《升Ｆ大调夜曲》中，我们甚至可以听见静夜里孤独浪人思念家乡与亲人的情景，第１８小节的落漠之情，第２５ 小节至３５小节的内心波涛滚滚，再一次说明了肖邦离乡背井的孤寂，祖国的灾难、与亲人离散的痛苦所产生的悲剧性风格转变。第六号 《g小调夜曲》，从６８小节开始的戏剧性高潮，则是一个明显的例证。 作品Op.27之一的《升c小调夜曲》，克列金斯基（Jean Kleczynski）认为：“那是在描写平静的 威尼斯之夜，在恐怖的谋杀景象之后，海水淹没了尸体，但依旧一平如静地反映着月光。”或许，他在左手波浪般起伏的伴奏，和主题旋 律的不和谐音中，发现了充满悬疑的描写性格，才产生了如此的联想。芬克（Henry T.Finck）则对此曲推崇备 至，他说：“在这四页乐谱中所包含的巨大情绪变化，以及天才般的戏剧精神，比许多400页乐谱的歌剧更丰富而强烈。英国一位管风 琴家威尔拜（Charles Willeby）则说：“如果以简单性（Simplicity）作为判断艺术的因素，我 们再也找不到比它境界更高的艺术作品了。”根据美学中“饱沃原则”，也就是创作应以最简单的素材，表现最丰富的精神内涵，那么这 首《升c小调夜曲》无疑是旷世精品。 另一首第八号《降Ｄ大调夜曲》，虽是同一时期作品，却展现出完全不同的面貌。它从头到尾只有一个主题，但左手的伴奏和右手的 主题旋律，却构成一个奇妙的甜蜜夏日二重唱歌声，主题重复出现三次，由弱到极弱，然后再到强，构成一种引人入胜的情绪起伏。 作品编号Ｏp.32的两首夜曲，似乎又从强烈的描写和戏剧性格，返回到费尔德风格。其中《Ｂ大调夜曲》，无法预期的几句长度 、开放结尾和缺乏反复的自由形式，和那相当戏剧化的结尾，却给人不落俗套的清新感受。第十号《降Ａ大调夜曲》，优美的旋律加上圆 舞曲般的节奏，后来被芭蕾舞剧《仙女》（les Sylphides）采用，而改编为管弦乐 曲。 1838年冬天，肖邦病情恶化，医生建议他到南方去休养，于是乔治桑决定随肖邦到地中海的西班牙领地－－马约加岛（Majo rca）避寒。11月19日，肖邦在写给冯坦那的信中说：“天空像绿松石，海洋像碧琉璃，山岗像翡翠，空气像天堂。太阳整天热焰 当空，每个人都穿着夏天的衣服，入夜吉他歌声不断。……总之，这真是爽快生活！” 作品编号Op.37的两首夜曲，便是在这风景宜人的马约加岛上完成。当然许多人都想知道，马约加岛上的温暖海风是否会吹散肖 邦内心郁结的忧伤。首先《g小调夜曲》速度缓慢，给人举步维艰的沉重感，但肖邦学生顾特曼（Adolph ;Gutmann）认为，肖邦在这首乐曲中，忘记加上渐快速度记号。不过另一首《Ｇ大调夜曲》却美得使人不敢正视。卡拉索夫斯基 （Mority Karasowski）就认为，从29小节开始的第二主题，是肖邦所写过的最美的旋律。 舒曼对作品三十七的看法：“这两首夜曲与早期作品最大的不同之处，在它的装饰音更简洁而表现更优雅。我们知道肖邦一生钟爱闪 耀的星星，金光耀眼的宝物珠玉。尽管他已经改变和成长，他仍喜爱装饰，但那是深思远虑的一种装饰音。因为在所有的装饰音背后，闪 耀着一种诗情的高贵。的确，品味超卓必属肖邦。” 在舒曼的深刻剖析下，我们可以发现，经过马约加岛大自然风光的洗礼，使得肖邦的夜曲又发展到一番新的境界，一种更纯净的诗意 的夜曲。 由于生活的不便，肖邦一行于1839年02月13日离开马约加岛，返抵法国。又因乔治桑的家诺安（Nohant）气候较适合 肖邦，所以往后的七年，肖邦都安居在诺安，作品Op.48、Op.55、Op.66这六首夜曲都是在诺安的单纯起居生活中完成的 。 克列金斯基曾称OP.11《g小调夜曲》为“思乡病”（homesickness），其实在诺安所创作的六首夜曲，多少有心 理忧郁加上身体衰弱的阴影。而在缓慢的乐曲进行中，肖邦早年的青春气息不复出现，灿烂的光辉也逐渐褪色。Op.55之一中的“失 望的哭泣”（克列金斯基的形容），谱出人生的无限悲情。Op.62之一则是带有病态香味的“月下香夜曲”，旋律悄悄爬上音符的花 架。此时，病魔缠身的肖邦，似乎随时在听候死神的召唤。洪奈克（Huneke）说得好：“肖邦编织着他生命的夜曲，直到死亡之日 。”确实，我们在肖邦生命中最后的四首夜曲（Op.55和Op.62）中听到最美丽而安详的死亡之歌。 由1827年至1846年这段肖邦创作的黄金时代，他留下了２１首黄金般的夜曲。这些夜曲的风格转变，也恰巧反映出他百般波 折的生命历程。虽然Op.09的三首夜曲中，已表现出不同于费尔德的戏剧性华丽风格；但由Op.15和Op.27这五首夜曲中， 似乎在祖国山河变色、生灵涂炭的刺痛下，都迸发出无法遏止的悲剧激情。1838然后，的病魔的折磨和马约岛的风情的刺激下，悲剧 性的激情化解为纯净的诗意。在诺安的最后六首夜曲，肖邦近乎病态的美感，谱出美丽的生命终曲。然而，风格尽管在转变着，贯穿在２ １首夜曲中的高贵气质却始终如一。或许，那旷世奇才所独有灵气，才是创造永恒的原因。
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沉香 楼主 2013-12-09 16:37:35
Mendelssohn 门德尔松 -《仲夏夜之梦》 著名的婚礼进行曲就是出自于此，和瓦格纳那首齐名于婚礼现场！ 《仲夏夜之梦》， 门德尔松为莎士比亚的喜剧《仲夏夜之梦》共写过两部音乐作品，一部是在1826年作者十七岁那年所作的钢琴四手联弹《仲夏夜之梦》序曲，次年改编成管弦乐曲，被称为是音乐史上第一部浪漫主义标题性音乐会序曲；另一部是1843年为《仲夏夜之梦》所写的戏剧配乐，其中的序曲就选用了当年所作的序曲。 《仲夏夜之梦》序曲是门德尔松的代表作，它曲调明快、欢乐，是作者幸福生活、开朗情绪的写照。曲中展现了神话般的幻想、大自然的神秘色彩和诗情画意。全曲充满了一个十七岁的年轻人流露出的青春活力和清新气息，又体现了同龄人难以掌握的技巧和卓越的音乐表现力，充分表现出作曲家的创作风格及独特才华，是门德尔松创作历程中的一个里程碑。 在虚无缥缈的短引子之后，音乐进入小提琴顿音奏出的轻盈灵巧的第一主题，描绘了小精灵在朦胧的月光下嬉游的舞蹈。随后出现的第二主题欢乐而愉快，由管弦乐齐奏伴随着雄壮的号角，呈现出粗犷有力的舞蹈音乐，并立即转入热情激动而温顺的恋人主题，曲调朴素动人。经过多次音乐的发展变化，乐队又奏出了舞蹈性的新主题，具有幽默、谐谑的特征。 在后来门德尔松所作的十二首《仲夏夜之梦》戏剧配乐中，也有一些非常著名的篇章，常被编为组曲演奏。组曲中的五首分别为序曲、谐谑曲、间奏曲、夜曲和婚礼进行曲。
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沉香 楼主 2013-12-09 16:37:47
门德尔松 第三 苏格兰 第四 意大利 交响曲 卡拉扬 本唱片是门交第三/四的名盘，企鹅评价三星，为卡爷指挥亲兵BPO于1971年与1973年在柏林耶稣基督大教堂的录音。正处于巅峰期的卡大师与BPO为我们奉献了一次教科书般的演绎：BPO豪壮又不失柔情的音色充满画面感与生命的气息，如丝绒般绵密细致的弦乐与黄金般熠熠生辉的铜管乐无一将卡式美学发挥得淋漓尽致，令人听出耳油的同时又有叹而观止之感，实乃各位爱乐人士居家旅行休闲放松之必备唱片。 本唱片的补白曲为门德尔松的“赫布里底群岛”序曲，同样是一个经典的录音。卡大师棒下BPO无比细腻与理性的演绎令听者仿佛有带咸味的海风轻抚脸颊之感，除此之外还有圣咏般洒下的阳光与海鸥们快乐的歌声，世间的烦恼瞬间飞到九霄云外，留下的只有对自然力量的感恩。。。卡大师1962年与BPO对该曲的演绎同样值得用心去聆听：在这个“永垂不朽”的录音中柏林爱乐演奏之华丽宛如是在富特文格勒指挥之下，音色之通透优美更是令人难忘。压缩包内特此附上这个录音的APE文件，请大家下载后自行比较十年间老卡的指挥风格由唯美与华丽走向理性与简约的心路历程。 第三交响曲（苏格兰） 门德尔松的《第三交响曲》（苏格兰），a小调，Op.56，作于1830—1842年间，而其创作灵感始于1829年5月，应伦敦爱乐协会之约首赴英伦之时。此年7月，门德尔松到苏格兰，在爱丁堡霍里路德古堡遗迹诞生了创作此曲的灵感。他在信札上曾写道：“日近黄昏时，我们来到霍里路德堡，玛丽女王居住、恋爱的地方。那里值得一看的是爬上迂回的楼梯后，可看到一间小屋。当年追踪者爬上楼梯，在这里发现李吉奥，硬将他从屋里拖出，在隔了3个房间的拐角处将他杀死。四周的东西已经朽坏了，从中还可以望见蓝色的天空。我今天就在这间古老的房子里，找到了《苏格兰交响曲》的灵感。”门德尔松所说的古堡典故为，1566年3月9日夜，深得女王幸宠、被称为 “外交顾问”的意大利乐手维多·李吉奥被一群贵族所杀。这首作品呈献给维多利亚女王，即霍里路德古堡主人——苏格兰女王玛丽的第九代孙女，1842年3月 3日，由门德尔松自己指挥爱乐乐团首演。 这部交响乐共4个乐章： 1．奏鸣曲式，序奏为稍快的行板，a小调，主题哀婉地由双簧管与中提琴表现，宛如对古堡的叹息。主部为略为激动的快板，a小调，第一主题仍带忧郁，为苏格兰舞曲风格。这个主题加强后，进入灿烂的合奏表现的副主题，气氛转变后，单簧管以E小调表现第二主题。第二主题与第一主题交叉后，轻松地推进，结束呈示部。发展部两个主题变化而发展，再现部两个主题的原型再现。终结部先情绪激昂地进入高潮，静止后序奏的行板旋律尤如回忆而再现。 2．不太快的活泼的快板，F大调，奏鸣曲式，有谐谑曲性格。以苏格兰民族舞曲风格的第一主题为中心，与朴素的第二主题形成对比。呈示部后，发展部与再现部以规则的形式进行，舞曲风格的主题呈现欢快的节奏。 3．慢板，简单的奏鸣曲形式，在d小调短小的序奏后，进入A大调主部。第一主题由小提琴表达，充满忧郁，单簧管则以阴郁的形态表现第二主题。在极短的发展部呈示后，第一、二主题追忆般地重现，似乎是对古堡周围景色与古堡氛围的回顾。 4．最活泼的快板，a小调，奏鸣曲式。一开始就表现富有激情的第一主题，第二主题同样充满活力。长大的终结部后半部为很庄严的快板，A大调，类似苏格兰民歌的旋律，色彩无比灿烂。这一乐章据说采自爱丁堡风笛演奏军乐的印象。 第四交响曲（意大利） 第四交响曲“意大利”作于1831-1833年，1833年5月13日由伦敦爱乐协会首演，门德尔松亲自指挥。这部作品是在意大利期间创作的，其中采用了一些意大利民间素材，所以门德尔松自己称它为“意大利交响曲”。 作品包括四个乐章： 第一乐章，活泼的快板。评论家认为开头木管的表达就象意大利明媚的阳光，而小提琴象在召唤人们去探险。随着乐章的展开，人们仿佛置身于意大利那片美丽的国土。这个乐章，门德尔松充满信心，他说他自己"觉得象个青年王子"。 第二乐章，行板。这个乐章又称"朝圣进行曲"，据说是门德尔松在拿波里街上看到宗教行列后产生的乐思。 第三乐章，优雅的中板。这个优雅的乐章更接近于18世纪的小步舞曲。 第四乐章，萨塔列罗，急板。萨塔列罗是一种古老的意大利舞曲形式，这个乐章表达的是罗马狂欢节的喧闹场面。乐章的结尾，寻欢作乐的人们似乎四散逝去，但眼看要远去时却又高潮迭起，效果非常强烈。
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沉香 楼主 2013-12-09 16:38:00
Grieg: Lyric Pieces 天才级的吉列尔斯 德彪西曾经挖苦格里格是加了糖的甜巧克力，这话也许不假，也许他老人家就这么处理格里格那些小品的。不过这一次他可能偏激了一点。德彪西和格氏并不是同路人。虽然他们俱为音乐天才。 格里格的小品处理不好很自然的就会甜，会腻。很多演奏者把他弹得过于抒情和主观（就象很多演奏者一度对肖邦的处理），而忽视了他的作品里最宝贵的民族和自然的成分。这些成分甚至比在肖邦作品中的类似成分还要多要浓烈。可以说，这些小品的技巧并不难，但是要弹好的话却实在不容易。 而Gilels做的无可挑剔，完全到了“化境”。听他的弹奏完全不象听一般演奏那样，或是过于去注意和琢磨演奏者 的主观表现，或是品评其表现中的民族，抒情，主观之间的什么平衡问题。你完全被他吸引住了，他已与作品浑然天成，直接传递这来自挪威山林间的优美歌声。。。。。。
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沉香 楼主 2013-12-09 16:38:15
德彪西 -《大海》卡拉扬金版 克罗德·德彪西 （Claude Debussy,1862－1918），杰出的法国作曲家。他于1873年入巴黎音乐院，在十余年的学习中一直是才华出众的学生，并以大合唱《浪子》获罗马奖。后与以马拉美为首的诗人与画家的小团体很接近，以他们的诗歌为歌词写作了不少声乐曲。并根据马拉美的同名诗歌创作了管弦乐序曲《牧神午后》，还根据比利时诗人梅特林克的同名戏剧创作了歌剧《佩利亚斯与梅丽桑德》。他摆脱瓦格纳歌剧的影响，创造了具有独特个性的表现手法。钢琴创作贯穿了他的一生，早期的《阿拉伯斯克》、《贝加摩组曲》接近浪漫主义风格；《版面》、《欢乐岛》、两集《意象集》和《二十四首前奏曲》则为印象主义的精品。 交响音画《大海》，作于1905年三月，初演于1905年十月。本曲为德彪西最大的一部交响音乐作品，由三个不同内容的乐章组成，但每个乐章之间又有内在的联系，集中起来构成一部完整的作品。它表现了"大海"的景色及其富有动态的性格，并通过整个乐队的不同音区，极为强烈地表现出"大海"中各种画面的色彩。乐曲在时间和空间上给人以完整的"海"的印象和对海的幻想。新颖的和声、短小的旋律、丰富的音色、自由的发展，这些印象派的手法，都生动地刻画出了一幅幅大海的生动画面。 关于本曲，曾有这样一段逸话。本世纪初，巴黎有一位从来没有亲眼见过大海的绅士，在欣赏德彪西的交响音画《大海》时，仿佛真的看到了惊涛拍岸、浪花飞溅的大海景象，这给他留下了不可磨灭的印象。后来，当他到海滨旅游时，见到了真正的大海，反而觉得有些"不够劲"了。待他旅游归来，得以再次欣赏德彪西的交响音画《大海》时，才找回当初的感觉。此时他不禁惊叹道："哦! 这才是大海啊! " 全曲分为三大部分： 一、《海上的黎明到中午》 这一部分顺序描写了：大海的潮水声；夜幕缓慢地揭开，一丝光亮映照在海面上；一轮红日渐渐升起，天空由紫色变为了青色，逐渐地增加了光辉，一幅开阔的大海黎明景色被生动地描绘出来。 二、《波浪的游戏》 音乐生动地描绘了白色的浪花拍击海岸时的情景。 导入部描写了可爱的小波浪来回动荡的音响。在音乐的继续发展中，英国管奏出可爱的第一个主要动机，给人以幽闲的感觉。 三、《风和海的对话》 这一部分开始时，定音鼓的震音刻画出远方激动、飘浮着的雷声。之后，音乐描写了海风吹到海面，引起阵阵骚乱的潮声，犹如风和海的对话。这部作品不仅描绘出了一幅引人入胜的大海波澜壮阔的景象，同时也表现出作者对大自然景物的歌颂和赞美。
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沉香 楼主 2013-12-09 16:38:28
莫扎特 39 40 41交响曲 君特旺德 红袖章 这三部交响曲有多著名就不说了，看到一个朋友很好的评述，给大家分享下： 我原来一直很矛盾。从音响角度来讲，我喜欢丰满厚重的音响织体，比如卡拉扬，但我也喜欢切利比达凯的那种透明、清晰的音响织体。难道这两种音响是矛盾、对立的吗？在听了旺德的录音后，我终于知道，这两种看似矛盾的音响效果，一点都不会矛盾。旺德的指挥，就是上述两种看似矛盾的音响的统一。在他的指挥中，能看到瓦尔特的歌唱性、卡拉扬的丰满性、切利的透明、伯姆的优雅，难怪有乐评说他是德奥音乐指挥的集大成者。 旺德的指挥，给我的感觉是多一份太媚，少一分则太俗。速度、节奏恰到好处。幸运的他又赶上了录音技术的成熟期，使他的如醇厚美酒般的音乐音响得以流芳百世。
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沉香 楼主 2013-12-09 16:41:11
阿巴多 《勃拉姆斯的21首匈牙利舞曲》 相信没有人没听过勃拉姆斯的匈牙利舞曲第五首吧，被改编过无数版本！ 当舒曼(Robert Schumann)发现勃拉姆斯的音乐天分时，他才20岁，此后他努力不懈，希望不要辜负舒曼的期望。虽然舒曼当时戏称他为“雏鹰”，但勃拉姆斯却生性保守，只有一个地方像老鹰：终其一生，他都坚持当独行客。尽管勃拉姆斯成熟较晚，他却坚定地以继承古典主义的传统为己任。他杰出的作曲技巧和严格的自我批评，为他赢得当代最伟大器乐作曲家的美誉，而且也被后人推崇是浪漫主义中最强有力、最具独创性的声音之一，因为追根究底，勃拉姆斯的作品并不像表面上听起来那么保守。在对和声的理解方面，确实是具有前瞻性的眼光，他对丰富的、自由组合的复调组织的偏爱也是一样：他不用传统的“对位法”来处理乐曲线条，而是将其视为具有生命的独立旋律元素的组成部分。不过勃拉姆斯最具前瞻性的作法在于：肯定了节奏是音乐语言的基本元素，如同旋律与和声一般。他的这种看法对二十世纪的音乐影响深远。 勃拉姆斯的匈牙利舞曲是由21首“四手联弹”钢琴小曲所组成的曲集，虽然每一首乐曲的旋律和风格不尽相同，却都混合着匈牙利民族音乐和吉卜赛民族音乐的特色：节奏自由，旋律有各种各样的装饰，速度变化激烈，带有一定的即兴性；形式虽然没有统一的规定，但以三段体为最多。勃拉姆斯还写有其中第1、3、10三首管弦乐队的改编曲。他从未宣称《匈牙利舞曲》的旋律是自己所作，但其中一些几乎可以肯定是他的创作。勃拉姆斯的全部匈牙利舞曲都可归为世界名曲，尤以前十首最受世人的青睐。 g小调《匈牙利舞曲第一号》，约作于1869年前，为所作二十一首钢琴四手联弹曲《匈牙利舞曲》中的第一首。后由作者改编为管弦乐曲。又曾被改编为钢琴、小提琴等乐器的独奏曲。本曲的钢琴独奏改编版，曾是德国女钢琴家克拉拉·舒曼（Clara Schumann，1819－1896）重要的音乐会演奏曲目之一。 一开始即呈示出的第一部分的第一主题，这一主题以匀称平整的附点节奏写成，柔和抒情而略带淡淡的忧愁。移高八度反复时，情绪变得更为缠绵。接着，出现了节奏活跃、带有匈牙利查尔达什舞曲中那种快速段落风格的第二主题，与第一主题形成了生动的对比。随后乐曲进入中间部，奏出情绪激昂的主题，表现了匈牙利人民热情奔放的民族性格。速度忽慢忽快的中间部后半部分表情丰富，体现了匈牙利吉普赛音乐即兴性的特点。最后乐曲再现第一部分，在热烈而欢快的气氛中结束。 升f小调《匈牙利舞曲第五号》，这是勃拉姆斯全部作品中最广为世人所知的乐曲，不但到处被演奏，而且被改编成各种不同形式的器乐曲。勃拉姆斯自1852年开始创作这一系列乐曲，当时他在维也纳对该地的吉普赛音乐颇感兴趣，于是记下了许多吉普赛音乐的旋律。1869年他开始出版“匈牙利舞曲集”，实际上大部分是借用了吉普赛音乐的旋律，加以编辑和整理而成。 本曲是勃拉姆斯所有作品中最为流行的一首，其粗犷而豪放的旋律具有明显的匈牙利“查尔达什舞曲”的特征，给每一位听众都留下了深刻的印象。这里选用的是管弦乐曲改编版，更能突出原曲所要求的那种磅礴气势。乐曲的结构十分严谨，第一段为升f小调，具有民间舞蹈风格，速度变化上的自由体现出不同的情趣；乐曲的中段转为明快的升F大调，速度变化依然自由，单纯的旋律与和声所表现的是一种欢快的情绪；乐曲的第三段是第一段的严格再现。
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沉香 楼主 2013-12-09 16:42:00
莫扎特 安魂曲 K626 卡拉扬 我之前很少碰这种类似的宗教音乐，但自从听了莫扎特的K626后，爱死了它的痛哭之日(Lacrimosa)；德国有个著名的哥特金属也叫Lacrimosa，莫扎特的安魂曲有很多版本，我听过的不多，老卡这个我比较喜欢！ 安魂曲 作于1791年，是莫扎特最后的作品。 1791年秋天，莫扎特曾对妻子说：“我想为自己写一首安魂曲。”不料很快应验，瓦尔茨格伯爵来请他作一首安魂曲以悼念亡妻。莫扎特立即全身心地投入到这部作品的创作中，在给朋友的信中，他写到：“…你知道，创作对我来说至少不比休息更累，况且我也不能无事可作。我预料有些事情将在我身上应验。钟声响了，我只能用标点符号向你表示…”。直到去世，莫扎特也没能完成这部富于人道主义色彩的作品，这果然成了他为自己作的安魂曲，最终由他的学生苏斯迈尔根据他留下的手稿续完。他死在35岁那年，生前的天才声誉和奢华生活都没有了。只有他的音乐，没有一丝伤感，充满阳光、欢乐。 莫扎特这部《安魂曲》使用的是传统的《安魂曲》形式，用的是拉丁文歌词，非常真挚、动人。莫扎特一生直到穷极潦倒之时，在他的音乐中也一直没有痛苦，而只有纯净的欢乐。这部临终前的作品仍是如此，只有那种在天国的光芒照耀着他的感觉 莫扎特的安魂曲共分八个部分，分别是：进堂咏(Introitus)、垂怜经(Kyrie)、继抒咏(Sequenz)、奉献经(Offertorium)、圣哉经(Sanctus)、赞美经(Benedictus)、羔羊经(Agnus Dei)、领主咏(Communio)，继抒咏又包括震怒之日(Dies irae)、号角响彻四方(Tuba mirum)、威严的君王(Rex tremendae)、慈悲的耶稣(Recordare)、羞惭无地(Confutatis)和痛哭之日(Lacrimosa)；奉献经包括主耶稣基督(Domine Jesu)和牲品与祈祷(Hostias)。莫扎特在写到Lacirmosa的第八小节时去世，他完成了第一部、第二部的合唱和弦乐、第三、四部只完成了合唱，帮他将全曲完成的有艾伯勒、斯塔德勒和莫扎特的学生苏斯迈尔(Sussmayr)，但主要是苏斯迈尔之功。苏斯迈尔的确才情不足，连莫扎特本人也认为他比较笨。但莫扎特在临终前曾对苏斯迈尔有所交代，而且我个人认为苏斯迈尔续貂并非狗尾，还是基本体现了莫扎特在前一部分的风格，垂怜经的赋格在末乐章重复出现更是莫扎特本人亲自要求的。
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沉香 楼主 2013-12-09 16:42:27
德彪西全集 季泽金 德彪西就不说了，一个伟大的音乐家。这张是德彪西全集首选！ “⋯⋯德彪西的音乐的优美是使这张CD如此动听最主要的因素，但是决不能否认，吉泽金那天才般的表达技巧和对作品那极为透彻明白的理解，是这张CD自30年代至今都广受好评的重要原因。 企鹅CD唱片指南评为保留三星，评论这样写道：“吉泽金演奏的德彪西作品在三、四十年代享受了传奇式的地位……一些评论家仍然认为他战前演奏的德彪西作品更为出色，其中一部分可以在Pearl和其他专项目录上看到。吉泽金的技艺已经为人熟知，无须宣传。正如布赖斯·莫里森在附录中所写，‘吉泽金的演奏极为敏感而个性化，功底扎实，技巧高超，毫无做作或怪癖，单从这一点看就应当受到承认。’这是一套值得所有钢琴家钻研的唱片。”这个评论语气冰冷，说得仿佛吉泽金的演奏广受好评的原因不是因为他真正的实力，而只是几个评论家捧出来的名气。其所谓“值得钻研”的唱片也许真的只是代表此唱片质量高超，但听起来总觉得很不舒服。保留三星，当然是被立体声录音给宠坏的三个作者的单声道偏见导致的（该书的前言有这样一句话：“如果三颗星全用括号起来，通常表示该片的录音质量基本合格，例如某场有艺术价值的单声道录音，即使经过数字录音的处理，尚有较大改善音质的余地。”），一张CD的音质固然重要，但是演奏者的水平应该被予以更高的关注。这张CD的演奏水平之高，完全可以弥补在单声道限制下的一点点录音瑕疵，而毫不影响对德彪西作品的理解，也毫不妨碍对吉泽金那精湛技艺的赞叹。因此，对企鹅唱片指南的评鉴，还是要持一点批判的态度为好。 可以考虑把此CD与奇科利尼的CD作比，那是高下自现的。无论是对速度、节奏的让人叹服的精确把握，对色彩敏感的调节，对音响温厚大度的从容控制，还是对作品深刻内涵的准确把握和准确挖掘，吉泽金的演奏都全面盖过奇科利尼的糟糕演奏，后者的演奏简直让人皱眉，让人愤怒。此版CD实为爱好德彪西的乐友收藏之首选。”
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沉香 楼主 2013-12-09 16:42:46
吕思清 梁祝 小提琴协奏曲 吕思清 吕思清17岁时荣获意大利第34届帕格尼尼国际小提琴大赛金牌，受到世界瞩目。此后，他曾到欧洲、亚洲、南、北美洲20多个国家和地区演出，受到热烈欢迎及高度评价。他曾与英国皇家爱乐乐团、瑞士伯尔尼交响乐团、意大利热那亚歌剧院交响乐团、葡萄牙新爱乐团、加拿大温哥华交响乐团、多伦多华人爱乐乐团、美国阿斯本节日乐团、辛辛?#123;第室内乐团、哥伦比亚国家交响乐团、哥斯达黎加国家乐团、委内瑞拉卡拉卡斯市立交响乐团合作演出并担任独奏，与中国的主要的交响乐团如中央乐团、上海交响乐团、中央广播交响乐团、上海广播交响乐团、中央歌剧院交响乐团、中央芭蕾舞团交响乐团、广并乐团、中国青年交响乐团、上海青年交响乐团、中国少年交响乐团也多次合作演出。 吕思清还曾被邀请参加瑞士蒙特瓦维、仍曼德尔斯和阿斯柯那音乐节、芬兰萨活林那歌剧节、澳门国际音乐节、美国阿斯本和罗马尼亚音乐节及“20世纪华人音乐经典系列演出”等大型艺术活动。1996年6月，吕思清应邀于北京举办“吕思清音乐周”，是首位获中国邀请主办个人系列独奏音乐周的演奏家，并作全国电视转播。 吕思清曾为中国、香港及台湾的唱片公司录制多套的个人专集及小提琴教材。他还曾为众多国内外的电台、电视台包括美国、瑞士、英国、香港、澳门、台湾、加拿大、意大利、德国等国家和地区的电台、电视台录音录影。 吕思清1969年11月出生于青岛，他4岁随父亲及叔父学习小提琴，8岁被中央音乐学院附小破例录取，师从王振山教授，被誉为乐坛神童，11岁被世界著名小提琴家曼奴轩爵士选到英国的音乐学院学习，14岁回国继续在音乐学院附中学习，19岁赴纽约朱莉亚音乐学院深造，师从世界著名小提琴教育家杜赛丝，迪蕾女士及姜康。吕思清除获帕格尼尼大赛金牌外，还曾经在第一届曼奴轩国际青少年小提琴比赛、北京国际青少年小提琴比赛中获奖，1982年英国皇家业余交响乐协会授予吕思清82年度最高奖“银盾”，1991年他夺得美国仙尼诗演艺大赛金奖。 吕思清第四次录“梁祝”比十年前有更深入体会 吕思清自签约拿索斯(NAXOS)国际（远东）唱片公司后，新录音一张接一张推出，在音响界知名度大增，虽然在此之前他在欧洲已建立起声誉，但只限关心音乐动态的真正乐迷才注意到中国有这样一位威水的小提琴家，录唱片始终是增加知名度的最佳方法。 吕思清加入“马可勃罗”(MARCO POLO)旗下，令这牌子的阵容更为鼎盛，最新制作录了一辑中国小提琴名曲集，包括热门作品“梁山伯与祝英台”小提琴协奏曲另加六首小品：1. 新彊之春、2. 牧歌、3. 阳光照耀在塔什库尔干、4. 渔舟唱晚、5. 思乡、6. 塞外舞曲。 这全新录音今年十月在上海进行，和陈燮阳指挥的上海交响乐团合作，赶在十二月内出版，充份表现香港人的工作效率！ 唱片未发行，先收到从母带翻过来的DAT样板，先听为快，吕思清的技艺又向前迈进了一步，在此之前他已先后三次录这首举世知名的中国“第一”协奏曲，这是他第四次录“梁祝”。 思清回忆说：“第一次拿起“梁祝”的谱子是十年前的事，那时我刚刚获得帕格尼尼首奖，同时还在中央音乐学院附中上学，十年后，这已经是我第四次的录音版本了。而我在中国及国际的音乐会上亦演奏过近百次这著名的小提琴协奏曲。” 拉奏“梁祝”技术要高超乐队总谱单薄考验指挥 对于一首演奏了过百次的作品，一定有过人的心得，而且一定要有很深入了解这乐曲才不会生厌，且听听思清的自白： “从技术上来说，“梁祝”的技巧看似平凡，但实际上非常困难，首先是音准，柔美的旋律线条容不得一丝偏差，屈就五声音阶的写法及和弦指法非常别扭，再加上仿人声唱腔的滑音，仿筝的琶音等，高超的技术是拉好“梁祝”的首要条件，当然五声音阶的练习是必不可少的。” “乐队部份困难也是很大，作品本身比较单薄，稍有失衡就会破坏乐曲的唯美，所以独奏与指挥最大限度的沟通及指挥对中式乐句的掌握力是至关重要。至于此曲的音乐表现，常有这么一种说法“即女性演奏家的“梁祝”比较能表现出祝英台这个女性的细腻及思想感情。对此我很同意。” 思清再作进一步分析，认为表现女性的柔情并非这协奏曲的全部，若过份侧重这方面整体演出就流于轻音乐化。 以宏观角度看“梁祝”音乐高潮更具壮烈感 演绎的重点应“崇尚一种大气魄、大景观、大视野，以此大力揭示梁、祝这两位悲剧人物的无可奈何的悼歌，藉此反映万花筒似的现代生活，祝祷人们珍视在自由天地翱翔的爱情……。” 思清经过十年的生活体验，在重新演绎这作品时“绝不采取中庸之道，把大悲大喜推到极点。在速度上、力度上，段落的处理上我都加强了对比，以增强其歌颂忠贞爱情，控诉封建残暴的戏剧性矛盾冲突，使我的演奏能达到深情处细腻、委婉；激愤处坚决、有力，我更于抗婚投坟的快板处加快了演奏速度，让音乐的高潮更具壮烈感。” 这次他以交响音诗化的手法来处理“梁祝”的确能令人耳界一新，比传统的演绎手法更能引起激情。 清一色中国音乐家演绎成为绝对道地梁祝版本 近期不少“梁祝”新录音喜用外国乐团来协奏，技术上可能有更均衡完美的效果，但始终难掌握这作品的独特的纯中国色彩，就算在中国指挥家指引下亦难以奏得传神。 “马可孛罗”这次起用清一色的中国独奏家、中国指挥及中国乐队合作演出，而且主奏者及指挥都受过严格的专业训练，掌握到西方的高度准确技法，能达到两全其美的效果，能将“梁祝”这作品的艺术性表现再提高一线，把乐队总谱的编写和配器效果的弱点（即吕思清从西方音乐的观点来看所说的“作品本身比较单薄”）给予技巧上的补救。这是值得乐迷细心去欣赏的。 除“梁祝”外，另选奏了六首极具代表性的中国小提琴音乐小品，并将之全部配上大型管弦乐队伴奏，为作品的层次及色彩增添了表现力。 另加六首中国小品改编由大乐队伴奏 六首小品“新彊之春”为马耀光及李中汉在五十年代的创作，以新彊音乐风格为素材，原曲写给小提琴及钢琴演出，现由阿克俭配器，生动反映新彊春日的欢乐生活情景，人听人爱。“牧歌”是最美的蒙古小?#123;之一，为著名的合唱曲，现由林华配器用小提琴主奏。 “梁祝”作者之一陈钢写的“阳光照耀在塔什库尔干”是根据歌曲“美丽的塔什库尔干”和笛子独奏曲“帕米尔的春天”以及新彊塔吉克族音乐素材写成的小提琴曲，亦有二胡独奏版本，现由杨靖配器用乐队伴奏小提琴主奏演出。 “渔舟唱晚”原为著名的筝独奏乐古曲，经黎国荃改编后家传户诵，有各种改编谱，这次由阿克俭配器用小提琴主奏乐队伴奏，他同时改编了马思聪的“思乡”，原曲出自“绥远组曲”第二首，主题来自民歌“城墙上跑马”。此外还有出自同一组曲最后一首的“塞外舞曲”。 这是一张很精采的和最具代表性的中国小提琴音乐录音，名副其实的“醉人音乐”！ 专辑曲目: “梁祝”小提琴協奏曲 新疆之春 牧歌 陽光照耀在塔什庫爾干 漁舟唱晚 思鄉曲 塞外舞曲
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沉香 楼主 2013-12-09 16:43:23
作者：化仙不成反变妖 回复日期：2010-09-06 01:02:14 谢谢楼主的回复。 很多人看《交响情人梦》之后才开始喜欢古典音乐的（日本人在一些文化推广确实做得不错，没别的意思），但是本身只是电视剧，演员不是专业的，不好强求，但是至少比国内的雷剧敬业。我也只是从中发现一些以前没注意到的曲子，比如拉二和拉威尔的《镜子》。 说道久石让的曲子，我也不是很喜欢，不够大气。做配乐可以，但是作为古典音乐似乎还差点什么。 西贝柳斯的小提琴协奏，楼主你有什么好推荐的吗？我发现演奏这首曲子的版本似乎不多，可能和我寻找范围不大有关。。 ============================================================ 小协本来就不好写 柴科夫斯基，D大调小提琴协奏曲 门德尔松，e小调小提琴协奏曲 贝多芬，D大调小提琴协奏曲 勃拉姆斯，D大调小提琴协奏曲 圣桑《b小调第三小提琴协奏曲》 帕格尼尼《D大调第一小提琴协奏曲》 布鲁赫《g小调小提琴协奏曲》 维尼亚夫斯基《d小调第二小提琴协奏曲》 西贝柳斯《d小调小提琴协奏曲》 拉罗《西班牙小提琴与乐队交响曲》 David Oistrakh 和 Anne-Sophie Mutter 的西贝柳斯《d小调小提琴协奏曲》不错 举报 回复 楼主：听话就让咬鹅 时间：2010-09-06 09:33:48 作者：海潮伴我保佑你 回复日期：2010-09-06 01:06:31 楼主你好，作为古典乐文盲冒着被鄙视的鸭梨来抛一个巨白巨白的问题。 听古典乐的同学常常会说谁谁演奏指挥的版本最好，一直以来都很奇怪，乐曲都是由乐队演奏的，不同指挥风格对于音乐的影响体现在哪里呢。前一段时间，看一本杂志上对于卡拉扬提出过异议，说他是一个暴君垄断者，楼主怎么看。 虽然很白痴很白痴，但楼主不要会略偶 ================================================================= 指挥就如同厨师，乐团就如同菜的原料。好的菜原料外加好的厨师肯定能做出好的菜肴，但是如果是一个烂厨师，再好的原料只会是浪费，因为他们不懂怎么做菜，所以指挥是非常关键非常关键的角色。 具体的说，譬如，同一乐章，不同顶级指挥的理解是不同的，有的认为这一时段速度要提起来，有的认为这一时段速度慢点效果更好；乐团的演奏都是跟着指挥走的，同样一批人不同的指挥，玩出来的东西有明显的区别。 不同的指挥对同一部作品的处理往往不同，从而形成他们独特的风格。指挥的一举一动不仅包含了音乐的节奏变化、强弱对比，更重要的是他们如何领导着整个乐团去理解音乐作品、表现音乐形象、处理音乐感觉的细微变化以及各近段间的连接、声部间的交织配合、各声部音色、音准平衡的细微调整等等。 卡拉扬确实是个暴君，不过好的指挥一半都是暴君，乐团排练的时候基本上每个人都骂过，我对他这个没什么看法，毕竟我最后只听音乐，只要他折腾出来的东西听着爽，我没意见；不过垄断者这个词用得非常好，我不觉得他那短时间垄断古典音乐是什么好事情，好像世界上所有作品只有他的处理才是对的，他也有比较弱的环节，而且他非常强势，他的作品总有自己的烙印，有些东西一听就变味了，和作曲家最初的初衷是不对路的。基本上他和比较顶级的演奏家一起玩的音乐，对作品的理解私下都会有比较大的冲突，他和他的子弟兵反而合作的作品还可以，当然，这是我的看法。 反正在乐坛和乐迷里，他一直是个很有争议的人，有疯狂喜欢他的，也有对他有很多不同看法的！
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沉香 楼主 2013-12-09 16:44:12
帕格尼尼的曲是自己谱的；肖邦、李斯特是作曲家，也是是好的钢琴家；他们两人对钢琴乃至于键盘音乐都作出了很大的贡献；专攻哪门乐器这个问题，窃以为很多人都是对某门乐器玩得很好，集中围绕在这个自己通晓的乐器上写东西，为什么莫扎特是顶级音乐家，几乎所有乐器他都写出了很经典的作品，天才级的大神。毕竟单纯为钢琴作曲 和单纯为小提琴作曲乃至于写交响曲等等都完全是风马牛不相及的事情，我个人觉得无伴奏弦乐是作曲里面最难的，实在是需要神一样的作曲家才能写出好东西，世界上的无伴奏大提琴作品数都数得清楚有几个，巴赫简直是惊为天人一样的大神。 莫扎特大概对大提琴无感。那么多作品，没有一个是专门写给大提琴的。重奏作品里也就是个伴奏的，单独拉出来，不光难听得要死，还特别难拉 =============================================================== 他已经很强了，为无数乐器都写过配乐，单簧管都写过东西 不要再苛求他了 人家三十几岁就挂了
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沉香 楼主 2013-12-09 16:44:37
作者：CLAriceMORE 回复日期：2010-09-06 08:56:22 lz是爱音乐的人，很认真的帖子~~ 天才和疯子本就一线之隔，伟大的音乐家们用身体力行很好的诠释了这一点，呵呵 音乐，如美术，文学一样，更多的是接受者一种主观的感受，喜欢或者不喜欢，对于高低优劣贵贱的评价，个人以为并没有多大的意义 比如说贝多芬和莫扎特，总是愿意有人那他们来做比较。贝多芬是一个斗士，他将自己的政治理念，他将斗争写进他的音乐，要了解他，可以去看看罗曼罗兰写的贝多芬传以及约翰克里斯多夫。至于莫扎特，很多人说他是天使，在他的作品中，没有丝毫透露出他生活的苦难和不幸，他的音乐像是来自天堂的呢喃，梦幻而充满奇迹。他们两人都是天才。一个人的生活，需要斗士的激情，同样需要天使的慰藉。另外，8个卦，莫扎特喜欢爆粗口~~~喜欢说脏话~~ 柴科夫斯基的1812，是比较直接的作品，作为音乐入门是很不错的选择，如果要收藏唱片，录音是考量的第一要点 说道，卡拉扬，实在是个很有争议的人，从对作品的演绎，到曾经的历史污点，不过我想说的是他的学生穆特，我自己最喜欢的一张穆特唱片，CARMEN-FANTASIE，Deutsche Grammophon公司出的，里面的卡门幻想曲，吉普赛之歌太对我的胃口了，还可以享受到华丽丽的魔鬼颤音，可惜指挥不是卡拉扬啊 自新大陆是我和老爸都很喜欢的作品，很多电影都将其作为原声配乐 德彪西是音乐的诗人，我个人是很喜欢的，他的月光在twilight里出现，甚为美丽 关于杜普雷，她的埃尔加大提琴协奏曲真得是一绝，杜普雷演奏大提琴，是在演奏整个身体和灵魂，至于她比烟花寂寞的电影，我自己是超级喜欢，全片的音乐都是杜普雷本人的演奏录音，当初为了能搞到电影原声，我豁出老命了！~~ 关于勃拉姆斯与克拉拉的爱情，我是很早之前看肖复兴的音乐笔记的时候看到的，当时实在为之动容，不知道这算不算柏拉图式的爱情，一个男人一直默默支持和帮助深爱着的女人，却从没有将这份爱说出口，直到女人死去，留下一首小提琴曲，作为这场纯粹的爱情的没有结果的结果 饿，罗里吧嗦说了那么多。。lz继续~~~~ ========================================================================== 是，我看过一篇文章，里面八出了莫扎特的信， 我的天啊，他写给他表妹的信， 里面全是很猛的笑话：比如形容粪便的形状 还有怎么吃.... 勃拉姆斯在我们这个群里都叫他勃闷骚 其实闷骚被很多人低估了 他的交响 室内乐 协奏曲都很好 而且比较内敛的人会很喜欢他的东西 八个卦： 他和老柴都是金牛座 老柴就是那种有爱不仅要说更要做的人 他就是把闷骚发挥到极致的人， 让也是金牛的我情何以堪啊
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沉香 楼主 2013-12-09 16:47:04
Maurizio Pollini 波里尼 《肖邦：练习曲》Chopin: Etudes No.3 in E major, "Tritesse" - "L’intimite"和No. 12 in C minor, "Revolutionary" - "Fall of Warsaw"。这两首曲子一柔一钢，都是短小而精炼的佳作。波里尼的版本体现了他一贯的内敛含蓄而严谨的风格，“将肖邦作品做得技、艺、情融为一体”，很有“沐浴在梦中凄哀”之感。《企鹅》评介三星。 钢琴练习曲能够写得像肖邦这样， 不仅可以让手指进行非常机械的练习。不仅使得技巧和曲式紧密结合，而且竟然可以将一段段天籁之音巧妙地谱入，更让一股浓郁的诗，情从中透出，这真是不可望及的登峰造极境地。肖邦这二十四首练习曲始终是爰乐者心中的典范之作，难以逾越。 波利尼的这个录音，有金石之声，可谓技惊当今，无可挑剔。是臻于完美的演奏.他辉煌的技术和魔鬼般的控制力并不是人人都有的. 从这种意义上说, 他的Etudes是每一个音乐学院钢琴专业学生最好的范本. 一架钢琴在他手下能够发出如此这般这般如此的声响, 再苛求什么感情纯属扯淡.
威廉·肯普夫 Wilhelm Kempff 《贝多芬钢琴奏鸣曲全集》 这张全集和Artur Schnabel那张全集堪称贝多芬钢奏里面最强的两个版本! 威廉·肯普夫,德国钢琴家、作曲家、教育家。9岁进柏林高等音乐学校学钢琴和作曲。后来除学音乐外，同时在柏林大学学哲学和音乐史。21岁起作为钢琴家和管风琴家在德国和北欧巡回演出；22岁举行钢琴独奏会，同年获门德尔松钢琴与作曲奖；23岁作为钢琴独奏家与柏林爱乐乐团合作演出。此后30年，其足迹遍及欧洲、南美洲和日本，1951年在伦敦，1964年在纽约举行过独奏会。 肯普夫还是一个出色的教师，1924-1929年任斯图加特高等音乐学校校长并领导钢琴高级班。二战结束后，肯普夫作为当代德国钢琴家的代表人物，受到人们尊崇，成为贝多芬、舒伯特、舒曼、勃拉姆斯钢琴作品的权威演奏家。他的演奏含蓄细腻，织体清晰，亲切高贵；音色如歌，分句和速度自然而合理，丝毫没有矫柔造作、追求外在效果的倾向。他录制了贝多芬和舒伯特全部钢琴奏鸣曲和其他作曲家钢琴作品的唱片，并编辑出版了舒曼钢琴作品选集。作为作曲家，他创作了歌剧、芭蕾舞剧、交响乐、室内乐、钢琴和管风琴的作品。
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沉香 楼主 2013-12-09 16:47:09
Bach: Brandenburg Konzert 卡尔·李希特与他指挥的慕尼黑巴赫乐团 巴赫的音乐犹如美丽的建筑,从细节到整体都和谐完美。欣赏巴赫的音乐,不要期望会给你讲故事,也不要指望他的音乐会带给你过度的感情宣泄或令人震撼的效果。音乐在这里仅仅提供最基本的情绪元素,让你在平静中感觉音乐在心中流过,感觉这一砖一石建起来的音乐殿堂。《勃兰登堡协奏曲》在巴赫一生浩如烟海的作品目录中并不醒目,但却是管弦乐作品中的典范之作,至今仍是世界各大乐团的保留曲目。 这张录音是非常著名的，卡尔·李希特与他指挥的慕尼黑巴赫乐团堪称巴赫作品的最佳诠释组合之一，也被誉为最富有德国气质的巴赫作品演奏专家。在上个世纪六十年代的这个经典录音中，正处自己艺术生涯巅峰时期的李希特为我们展现出正是这样一种风格的《勃兰登堡协奏曲》。李希特的演绎舒缓平稳，而且非完全仿古，但是在精神层面他却具有与巴赫最为贴近的气质，而且具有令人屏息的戏剧性与魅力，充满对现世的否定和对彼岸的向往。这套唱片虽然是60年代的录音，但是效果却非常出色，音响效果颇佳，被评选为《音乐圣经》中《勃兰登堡协奏曲》的首选版本，在《日本唱片艺术》“名曲300首”它则占据了第一名的宝座。
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沉香 楼主 2013-12-09 16:47:33
喜欢莫扎特的，建议读一读他的书信全集 Jacqueline du Pré的演奏中，我最喜欢Saint Saens Concerto in A minor 难以相信那么纤细的身体如何爆发出如此强大的力度和控制力 另外，不可不提舒伯特的Trout Quintet,performance by Itzhak Perlman, Daniel Barenboim, Jacqueline Du Pré, Zubin Mehta and Pinchas Zukerman. 可谓经典中的经典 http://www.youtube.com/watch?v=w6Sg_JDoNCw&feature=related
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沉香 楼主 2013-12-09 16:47:50
Sviatoslav Richter -《格里格、舒曼钢琴协奏曲》 里赫特(Sviatoslav Richter 1915-1997) 苏联钢琴家。自幼随父学习钢琴，少时即显露出优异的钢琴即兴作曲才能。1933年起，在奥德萨歌舞剧院任音乐指导，1934年首次公开演出，1937年进入莫斯科音乐学院深造，1945年获全苏演奏家比赛一等奖。四十年代常在苏联各地巡回演出，五十年代后又曾前往欧美各国表演。1961年获前苏联人民艺术家称号。他还是法国斯特拉斯堡大学的名誉博士。里希特的演奏以技巧纯熟、构思深刻、富于鲜明的戏剧性表现力著称。他演奏曲目非常广泛，从古典派到浪漫派和印象派乃至现代派，几乎无所不能。他最突出的特点是其手指的坚韧性，像前苏联著名作曲家普罗科菲耶夫的许多作品中那尖锐的连续强音，只有里希特的双手才能够演奏出作者所要求的那种宏大气势。他从不沉溺于乐曲，而是通过自己的透彻分析，完美、细腻地表现音乐，对于乐谱中极其细微的音符，他都能惟妙惟肖的加以表现。 舒曼，a小调钢琴协奏曲 a小调《钢琴协奏曲》， 作品完成于1845年。1841年舒曼试图改变传统钢琴协奏曲的写法，作了《钢琴主奏a小调幻想曲》的单乐章钢琴协奏曲， 但被出版社退稿。后来舒曼不得不另外新作了两个乐章。该作品是在舒曼一生中最幸福的年代完成的，当时，他和克拉拉的爱情冲破重重阻力而取得成功，创作也随之出现高潮。乐曲主题鲜明，表现了作者的生活理想以及为之而斗争的信念。虽然在外表上与古典的协奏曲相比并不显得新颖，但实质上这是一首极具浪漫主义特色的钢琴协奏曲。 作品共分三个乐章。 第一乐章：热情而有感情的快板，a小调，4/4拍子，奏鸣曲形式。 乐章的第一主题在a小调上，显得压抑、痛苦。 第二主题则在明亮的C大调上展开，光明，富有幻想色彩。这两个主题的发展时而痛苦哀叹，时而浮想联翩；时而冥想苦想，时而慷慨激昂。表现了坚韧的斗争精神。 第二乐章：间奏曲，优雅的行板，F大调，2/4拍子，三段体。这个乐章充满着极为甜美的感情，简直像一首浪漫温和的协奏型牧歌。乐曲在开始时，弦乐与钢琴优美的对答，柔和地展开主题。这种醉人的气氛，在以往的协奏曲中是找不到的。有人认为这里是在描写克拉拉动人的形象。乐章结束后不停留地直接进入第三乐章。 第三乐章：活泼的快板，A大调，3/4拍子，奏鸣曲形式。钢琴辉煌地奏出了第一乐章第一主题的乐思，弦乐器以闪耀般的音阶性上升加了进来。主题舞蹈性旋律棱角分明，有一种向一切鄙俗势力宣战的气势。这一乐章的结尾由钢琴奏出了绚烂的旋律,充满热情和信心地形成高潮而华丽地结束乐曲。 格里格，a小调钢琴协奏曲 格里格是一位代表挪威浪漫派、民族乐派的作曲家，他自幼就十分喜爱莫扎特、韦伯、肖邦等大师的名作，尤其倾倒于肖邦。他的很多作品深受肖邦的影响，因而被誉为“北欧的肖邦”。 格里格的钢琴协奏曲虽然只有这一部，但是却与他的《培尔·金特》组曲一样，为不朽的名作。这首乐曲具备格里格音乐的一切魅力，诸如饱含挪威民谣风格的清纯旋律，以及新奇的和弦、轻妙的节奏等。乐曲素材新颖，生气蓬勃而洋溢着青春的活力。作者本身就是钢琴高手，因此充分发挥了这一乐器的性能，形成了十分自由奔放而多彩多姿的风格，在钢琴技巧上则接近李斯特。本曲虽然在曲式方面因循传统，但在许多细微末节处，却有各种新颖的创意，在第三乐章内更可以看到相当自由的发展。全曲的基调属于典型的浪漫性质，充满了北欧大自然中苍郁而森林茂密的群山所孕育出来的清丽脱俗、色泽深浓的“斯堪第纳维亚情调”。 全曲共分三个乐章： 第一乐章 中庸的快板，a小调，4/4拍子，奏鸣曲形式。主奏钢琴一开始便活跃地将呈示部的轮廓完整地展现出来。接下来的主题清纯而朴实， 富于北欧民谣情调，而且充满了对未来的憧憬之情， 是作者浪漫派艺术风格的完整体现，将格里格音乐的个性发挥得淋漓尽致。 第二乐章 慢板，降D大调，3/8拍子，复合三段体。 第一段由装上弱音器的弦乐器柔和地奏出沉静的冥想性主题。第二段由主奏钢琴以精细的华彩弹出优美的快速音群化旋律，后半段则愈加华丽与技巧化。不久,乐曲节奏由急速趋于平静，缓慢地逐渐消失。乐曲不间断地进入第三乐章。 第三乐章 加强的极中庸的快板，a小调，2/4拍子，回旋奏鸣曲形式为基础的自由构想。 主奏钢琴那急切的速度如挪威的民间舞曲般热情、奔放，构成了宽广、壮丽的史诗。乐章在热烈欢腾的气氛中结束。
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沉香 楼主 2013-12-09 16:48:14
Mozart 莫扎特 -《单簧管协奏曲》 伯姆 莫扎特对单簧管的喜爱是他的音乐气质的一个重要方面，他第一次听到曼海姆乐队中的单簧管时，只有七岁，当时作为音乐神童在巡回演出。后来，他在伦敦，在巴黎，在重访曼海姆时，一再听到单簧管。单簧管引起的美感的声音，它那灵敏的力度层次，彩虹般的音色幅度，从近乎小号般灿烂的高音到最低音区 (所谓的夏卢莫音区) 的浓厚音色，使他着迷。在他悲惨的短短一生的最后几年，他在维也纳同单簧管大师安东-斯塔德勒 (Anton Stadler, 1753-1812，皇室宫廷乐队演奏员，和莫扎特一样，是个共济会员) 的友谊使莫扎特对单簧管已很出色的掌握更加深了一步。 斯塔德勒从莫扎特的友情中得益更大，莫扎特不仅为斯塔德勒创作了古今整个单簧管曲目中最伟大的两部作品 (A大调单簧管五重奏K.581和这首单簧管协奏曲) ，还让斯塔德勒随意享用他一家的慷慨，莫扎特手头只要挤得出一点钱，总是借给斯塔德勒；没有钱接济时，甚至借给他两只金表去典质。1791年12月莫扎特去世，葬在一个无名墓中时，根据官方统计的全部“资产”中有一笔斯塔德勒屡借不还的欠款五百弗罗林，折合三千余美元。 单簧管协奏曲是莫扎特完成的最后第二部作品，比这部协奏曲更迟的作品只有一部：《共济会康塔塔》K.623 (伟大的《安魂曲》K.626则是他未完成的作品) 。他一定是在歌剧《魔笛》首演 (1791年9月30日) 后立即动手写这部协奏曲的。一个星期后，莫扎特写信给在巴登附近疗养的妻子说，他已于10月7日写好斯塔德勒回旋曲的全部配器。估计他在一两天内就写完总谱。我们虽不知道首演的时期，但不会相距太久，因为按莫扎特的习惯，他总是要挨到演出日期逼近才动笔，紧巴巴地等到临演出前才交稿。 该曲的手稿现已佚失，但据说是专为斯塔德勒的特制的单簧管写的，那支单簧管很特别，可以比一般单簧管低四个半音。不幸，最早的版本都是在莫扎特去世后十年，甚至更晚才付印的，而且全部都把单簧管独奏声部“修改得符合标准的A调单簧管的音域”。直到最近，经音乐学家考证，才找出这些修改的范围和性质。独奏部份有三十来处经过改动，小至个别的特征低音，大至九小节长的段落，多半为移高一个八度，这样协奏曲失去了最重要的音乐性，并改变了旋律线。早期的编辑这样做，也是出于无奈，不然这部杰作就无法在一般单簧管上演奏。近年来已制作成有斯塔德勒那样大的音域的A调单簧管，因此，演奏者就可以吹奏莫扎特写的每一个音符，而不是人们熟悉并仍然喜爱的那个略经阉割的版本。 作品分析 第一乐章：快板，A大调，4/4拍子，奏鸣曲式 乐队引子以弦乐组的一个温柔抚爱的主部主题开始。这首协奏曲的一大特点是，所有的单簧管独奏段都在一个最能表现这种乐器天鹅绒般的，给人美感的音色的力度和音高水平上开始。独奏单簧管接过主部主题时，效果甚至比乐章开始时更柔美。亲切的室内乐织体是由于先把伴奏只限于小提琴而获得的，后来才加上中提琴，最后允许低音弦乐器参加时，只是为了加几笔轻淡的和声支托。独奏单簧管的涟漪般的音阶和琶音结束主部主题的陈述。紧接着，听到单簧管用忧郁的小调式吹出一个对比旋律。这些惆怅的笔触，即使在活泼的第一和第三乐章中最阳光灿烂的时刻，也总是挥之不去。 第二乐章：柔板，D大调，3/4拍子，三部曲式 慢乐章开始的旋律是世上少见的最优美的创作旋律，由独奏单簧管直接唱出，不用任何乐队引子。谁能相信，这天使般的旋律竟是以十八世纪古典派的最流行的陈词滥调为依据的，这一短句已被莫扎特的同时代人用过几十遍，甚至几百遍，但从未用得如此出神入化，难以言传。独奏声部越是装饰、扩展，如在抽枝发芽，越觉得旋律天然地出自单簧管的音色。该乐章曾被用于奥斯卡最佳影片《走出非洲》，广为流传。 第三乐章：回旋曲，快板，A大调，6/8拍子，回旋曲式 尽管节奏遒劲，迂回曲折，这个回旋曲乐章的基本主题和前两个乐章一样，开始由独奏乐器轻轻地、温柔地吹出。在回旋曲基本主题的各次回复之间，可以听到越来越欢腾的插段，装饰性的音阶和琶音一泻而下，直落到单簧管的最低音，又急转直上，比前一次升得更高。莫扎特探索并利用单簧管音域的两极，手法简朴，炉火纯青。 这一切欢乐和光彩中毫无肤浅之感，即使这个末乐章也有些悲哀的瞬间。我们也不需在莫扎特的音乐中作更深刻的挖掘：这里没有什么不久于世的预兆，没有任何与世长辞 (哪怕是无意识) 的表示。可这首单簧管协奏曲就是给许多人一个不可抗拒的印像：曲中有些地方实在太美了，美得太不一般了，乃至染上一层莫名其妙的悲哀——太完美的东西是不能持久的。 这是莫扎特的临终天鹅之歌，是其众多优秀作品中旋律最优美而且最能感动人心的。本专辑中的三位独奏者都是维也纳爱乐乐团员，企鹅评鉴认为齐曼的演出“十分成熟，和任何经典版本比较起来毫不逊色。普林兹的乐句转折非常优美，在如林的名盘里有它的一席之地”。至于特利普独奏的长笛协奏曲，英国《留声机》杂志认为“音乐色彩清晰，适度的颤音营造出迷人的效果”。在曲风的诠释上，伯姆采用的是一种平衡内敛的方式，既不哗众取宠，也不墨守成规，以其独特的从容优雅的手法，淋漓尽致地将莫扎特的抑郁尽情抒发，勾勒出一幅莫扎特“晚年”心与境的图画。日本唱片艺术杂志推荐，企鹅杂志评鉴三星带花。
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沉香 楼主 2013-12-09 16:48:20
勃拉姆斯 《安魂曲》 克伦贝勒 Otto Klemperer Elisabeth Schwarzkopf Dietrich Fischer-Dieskau 这个阵容也是超强，不过我现在都不知道勃拉姆斯这个曲子到底是应该叫德语安魂曲还是该叫德意志安魂曲，博尔赫斯笔下就翻译成 德意志安魂曲，但是很多评论家说是错的！ 勃拉姆斯的《德意志安魂曲》在安魂曲音乐中的特殊的地位，在于它不但是以德语演唱的（"德意志"在此有"德语的"及"德国的"双重意义）、唱词摆脱了传统的拉丁语经文的规范，而且精神上更富于人性，从天主教的神性转向自马丁。路德以来在德国兴起的新教的精神（在这个意义上是"德国的"）。勃拉姆斯是从1857年开始创作《德意志安魂曲》的、那年他才24岁。到1861年，安魂曲已经写了四个乐章。1865至1866年间，为纪念母亲的去世，勃拉姆斯增加了两个乐章。到1868年写出最后的一段音乐（有女高音独唱的第五乐章）后，此曲才告完成，创作前后历时11年。最终版本的《德意志安魂曲》共有七个乐章。勃拉姆斯是个虔诚的新教徒，《德意志安魂曲》的唱词是他自己从路德翻译的旧约和新约圣经中关于死亡、信仰和永生的段落中精心挑选编缀而成的。由于勃拉姆斯极其熟悉《圣经》，唱词编来浑然一气，不落痕迹，只就文字来论，已是大手笔。他写的音乐和他挑选的唱词配合得天衣无缝，在这里虽然也有哀悼，也有悲伤，但是没有传统的关于末日审判的恐怖，没有奉献、赎罪、超拔的内容，而是代以一种不同的关于生与死的信念：凡有血气的，尽都如草如花，草必凋残，花必谢落；但是有信仰的，死亡并不是一件可怕的事，他们会从上帝那里得到安慰。
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沉香 楼主 2013-12-09 16:50:30
《布兰诗歌》 尤金·约胡姆指挥、柏林德意志歌剧院管弦乐团与合唱团 最开始听这个《布兰诗歌》曲子是因为ERA改编的MASS，相信无数人都听过这个东西，还有人之前称作是来源于小胡子的《SS闪电部队在前进》，其实这是个缪传，来源应该是《布兰诗歌》，这个曲子非常激励人心，很多传销组织都拿来做开会必备曲目。 够赢得评论界赞誉的唱片很多，但能够令作曲家称心如意的演出却甚少。DG发行、尤金·约胡姆指挥、柏林德意志歌剧院管弦乐团与合唱团演绎的版本，是在作曲者亲自指导下完成的录音，可以说是作者签名版。并且网罗了当时最好的演唱家：由G.雅诺维芝唱女高音、D.菲舍尔-迪斯考唱男中音、G. 施托尔采唱假声男高音。独唱者在唱功上有着惊人的表现，尤其是菲舍尔-迪斯考的演唱，充满细腻的变化与饱满的张力。而在整体演出上则充满厚重的德国声响。除了录音未是最好之外，演绎接近完美。 中世纪的抒情诗集作歌词，与二十世纪的作曲家配乐，他们之间的碰撞令人期待。该作品并不按情节发展，带德国人天生的理性特质和奥氏本人炽热的激情却使作品具有一种内在的逻辑性，作品以简略划分的三大板块形成的回环结构，显得非常完整，而且层次丰富，其中的起伏跌宕，轻重虚实及唱段的长短高低，都安排得妥帖，乐句则抑扬顿挫，引人入胜。约胡姆的诠释尽得日尔曼民族风格，尤如神助；管弦乐团的演出乾净利落，从展开到高潮到结束皆十分自然；极具戏剧张力的高潮部分，合唱团也恰到好处地表现出世俗与放荡的意象。 在德国巴伐利亚的一座古老修道院中，曾发现13世纪的诗歌手稿，这是目前所知中世纪最完整、也是最富艺术价值的作品。出生于慕尼黑，并且在那里成长学习的作曲家卡尔·奥尔夫，将其改编成了不朽之作《布兰诗歌》。他从手稿中选了25首歌曲，将它们分成3个主题，分别是关于命运、酒和情爱的。这首曲子最近二三十年来越来越红，从电视广告到电影配乐，用得既多且繁，不过用的都是第一段《命运，世界的女神》。 自1937年在法兰克福首演到今天，《布兰诗歌》已成为古典音乐中的流行曲，几乎无人不晓了。哪怕不停古典音乐的人也常能在影视，广播等媒体中领略其一二。描述中国足球命运的纪录片把它作为插曲，影片《天生杀人狂》把它当作配乐，拳王霍利菲尔德把它作为出场曲，连流行歌王迈克尔.杰克逊都曾斥巨资想买其版权，可见此作品的流行程度。究竟它魅力和在？可听性恐怕是首要的一点，但旋律之美并不是一部好作品的本质。作品能打动人，源自作品与人的心灵的相通，相通的途径阻碍越少，越能引起听者的共鸣。“表达愈具本质性、单纯性，效果也就愈直接和强烈。”这是奥尔夫的原话也就是他的艺术观。 十三世纪是什么概念？那是人类慢慢夏夜走向黎明前最黑暗之时。古老、神秘、阴暗的修道院中，灯火忽明忽暗，一群人醉步蹒跚，正寻欢作乐。他们的身份是僧侣，是修士，是神学学生，是流浪汉，但他们更是酒狂和情痴，他们是天界边缘的沉思者，是禁欲主义里的纵欲者。他们藐视宗教，蔑视“神圣”，更无视清规戒律。他们冷嘲热讽，嬉笑怒骂。以最辛辣最无情的方式揭去“宗教”伪善的面纱。他们以近乎打油诗的方式留下的文字揭示直抒胸臆，毫不掩饰之作，可谓痛快淋漓。当然，他们的反抗是自发的，也是消极的，所以这种精神上的抗争最终便指向了肉体的层面，他们对世俗的反叛最终也是返回到世俗，所以他们也消沉，也哀叹，也怨天尤人。但他们毕竟爱过恨过，笑过骂过，那种“打碗酒大块肉，还有美丽的姑娘坐在膝上”的生活，那股放荡不羁，豪迈洒脱的气质却深深感染了人们，常使人思绪激荡，内心翻腾。而另一角度，借用今天的说法，他们就是当时的：“新新人类”，至“酷”一族，想来确是有趣。对于今天许多畏首畏尾，怯于强权，既不敢怒更不敢言的国人，这部作品是否会对他们有些启示呢？ 其实原始版的布兰诗歌不论在配器或是演唱上都相当简单，不过当卡尔沃夫看到这些歌词后，脑中出现的音乐却是由配有庞大打击乐器组（含两台钢琴）管弦乐、合唱团、少年合唱团、女高音、假声男高音和男中音组合起来的巨大合唱曲。全曲除了由《命运，世界的女神》开始与结束外，乐曲分为三大部分。第一部份是《春天》，讲述春天来临，男女纵情狂欢的情节。第二段是《在小酒馆中》，男高音和男中音在这里有吃重的演出。第三部份是《爱的庭园》，说的是男女情爱。当初这些歌并无法登大雅之堂的原因是写得太露骨粗俗了。但是这些歌词由沃夫配上新的旋律，保留的中古世纪的情调、加入现代音乐的精神，反而呈现出粗犷又细腻、复古又现代、单纯又繁复的风貌，使得这首曲子有着难以言寓的神秘气息。听习惯古典音乐的人，刚开始听直这首曲子会非常不习惯，因为古典音乐中特有的对位旋律与和声伴奏在这首曲子中都消失了。但是多听几次，就能品尝出这首曲子特殊的味道。提到到布兰诗歌，许多人都会连想到节奏强烈的合唱曲，但是中也有许多旋律优美的片段，如由女高音演唱的In trutina、男中音演唱的Dies, nox et omnia等。另外，听这首曲子一定要大声，不是放开音响就是戴上耳机，保证会听得起鸡皮疙瘩。
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沉香 楼主 2013-12-09 16:51:42
Smetana 斯美塔那 -《我的祖国，库贝利克指挥捷克爱乐乐团》 相信很多人都听过Smetana的Vltava 沃尔塔瓦河。 贝德里希·斯美塔那（Bedrich Smetana，1824-1884）有“捷克民族音乐之父”之称，在捷克享有极其崇高的地位，他的交响诗《Ma Vlast 我的祖国》是民族乐派的经典之作。斯美塔那（Bedrich Smetana）生活的时代，捷克正在奥匈帝国的统治之下。随着革命的失败，斯美塔那（Bedrich Smetana）迫于生计不得不离开祖国赴瑞典。1860年，哈布斯堡王朝给予了波希米亚省一定程度的文化自主权和政治自治权，斯美塔那（Bedrich Smetana）才重返祖国。 《Ma Vlast 我的祖国》是斯美塔那（Bedrich Smetana）讴歌祖国、讴歌民族解放、讴歌自由的交响诗篇，它由六首交响诗组成：第一曲“Vysehrad 威塞拉德城堡”，威塞拉德是布拉格市著名皇家城堡，乐曲表现游吟诗人的歌曲所激起的对历史的记忆。第二曲“Vltava 沃尔塔瓦河”，沃尔塔瓦河是捷克的“母亲河”，乐曲描绘了沃尔塔瓦河的诞生和沿岸的风光与古迹。第三曲“Sarka 莎尔卡”，以古老的传说为主题，描写少女莎尔卡由于情人的不忠而向所有的男人复仇。第四曲“Z ceskych Luhu A Haju 波希米亚的原野和森林”，一支田园风格的乐曲，表现了波希米亚故土所带来的思绪和感受。第五曲“Tabor 塔波尔”，塔波尔是坐落在布拉格以南约100公里的城镇，胡斯教徒战争期间是捷克争取民族自由和反抗异族压迫的坚强堡垒，乐曲表现了胡斯教派誓死不变的信仰和不屈不挠的精神。第六曲“Blanik 布拉尼克”，布兰尼克是布拉格附近一座山脉，传说胡斯教派的勇士们战斗并牺牲于此。 这张唱片，是捷克指挥大师拉斐尔·库贝利克（Rafael Kubelik）1990年在布拉格之春（Prague Spring Festival）开幕式上指挥捷克爱乐乐团（Czech Philharmonic Orchestra）演奏的现场录音，具有重要的历史意义。我们知道，每年都要举办的“布拉格之春”音乐节，是世界上重要的音乐盛会，它始于1946年。1990年“布拉格之春”音乐节注定要不同凡响地载入史册，它是捷克作为一个独立的国家重获新生后第一次举办的音乐节。就个人而言，则是库贝力克最后一次指挥交响诗套曲《Ma Vlast 我的祖国》。尽管早在1936年，年仅24岁的库贝力克就已是捷克爱乐乐团的指挥了，但后因拒绝与纳粹德国合作而倍受刁难。在1948年又被迫离开祖国，客迹欧美。经过四十二年的漂泊，流浪的游子重新踏上久别而魂牵梦萦的故土，回到饱经沧桑、久历内忧外患之后的祖国。此时此刻，与捷克爱乐乐团的合作演奏作为“捷克音乐之父”斯美塔那的这部《Ma Vlast 我的祖国》对他来说是意味深长的。在这里，捷克爱乐与库贝力克这位本民族著名指挥家可谓心有灵犀，因而整场音乐的演奏达到水乳交融的境地——通过朴素真挚的音乐刻划传递出他们共同的心声：对于伟大祖国的自豪之情以及祝福之愿。尽管与以往的录音相比，尤其是与波士顿交响乐团那个著名的录音相比，这次录音的音效不能算是很好。但是这一次录音的意义，却不能用音响效果的标准来衡量。聆听这场现场实况的录音，从头至尾渐入佳境。乐队到后来是越来越昂扬而充满自信，喷射出瑰丽光芒，映照得前几个乐章仿佛彩霞一般灿烂夺目。这就不仅仅是在诠释斯美塔那的音乐，而是借《Ma Vlast 我的祖国》来表达捷克民族对于未来的信念了。 Recorded digitally in the Smetana Hall of the Municipal House, Prague, Live at the Opening Concert of the Prague Spring Festival, on May 12,1990 1990年5月12日，布拉格之春音乐会现场录音，于布拉格市政大厦斯美塔那音乐厅。
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沉香 楼主 2013-12-09 16:52:14
作者：大雨中听风 回复日期：2010-09-06 14:04:11 ==================================================================== 西方早期民间流行的是舞曲和民谣，莫扎特 贝多芬在维也纳呆了很长时间，基本上都不碰那些东西，我们现在听到的很多古典音乐早前在西方民间完全没兴趣，那个时候得他们都在跳民间舞曲或者游吟诗人玩的民谣。 “古典音乐，在他们诞生的年代，其实就是流行音乐。”逻辑相当有问题，属于对西方音乐史认知不够。后来施特劳斯家族开始猛写舞曲，圆舞曲，最后在现在的今天，我们把这些圆舞曲也归纳为古典音乐，以前那个年代可不是这样归内的，你比较下施特劳斯家族的曲子和莫扎特贝多芬的东西的曲风，就会发现其实区别是很大的！ 而且，你再看看维也纳新年音乐会每年绝大多数还是玩的圆舞曲，除了在莫扎特250年诞辰还是什么事儿的时候玩了下莫扎特的曲子，其他时间根本不碰，全是施特劳斯家族的圆舞曲。按理说，这个城市的音乐深度是相当可以的，莫扎特也维也纳呆了那么多年，但是你看民众喜欢的还是那些圆舞曲。现在古典音乐的范畴大了，包括的内容广了，导致我们出现这样的判断，准确的说，古典音乐在以前也是小众范畴里玩的东西。所以，我们得出的任何结论取决于我们对古典音乐的定义是什么。 类似观点在很多书籍上都有呈现，包括我一个学艺术的朋友在柏林给我邮寄的英文版《西方音乐史》，里面的很多内容相当精彩！
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沉香 楼主 2013-12-09 16:52:45
Début Recital / Martha Argerich 玛塔·阿格里奇是当今国际乐坛上的一位旷世奇才，被誉为“钢琴的女大祭司”。她曾在16岁时，在三周之内以技压群雄之势连续获得两个国际重大钢琴比赛（布索尼与日内瓦）的头奖成为传奇，8年之后她又在第七届国际肖邦大赛中出尽了风头。阿格里奇以技惊四座的震撼摘取了冠军的头牌。国际肖邦大赛不仅再次公认了阿格里奇超凡的音乐天赋与绚丽的演奏技巧，同时也为阿格里奇走向世界乐坛奠定了基础。 这张唱片是阿格里奇在获得肖榜国际钢琴比赛大奖后录制的录音，包括肖邦的第三谐谑曲和船歌、勃拉姆斯两首狂想曲、李斯特B小调奏鸣曲等。从中可以领略到年轻的阿格里奇迷人的演奏、完美的技巧、辉煌的演绎和浪漫的情调。
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沉香 楼主 2013-12-09 16:53:12
帕格尼尼[二重奏-小提琴沙汉姆、吉他索尔舍] 如果你才接触古典，或许你有些畏惧那些巨头的作品,那你听听这张古典小品唱片,你会觉得古典怎会如此的好听?帕格尼尼是如此的亲近. Gran Sllscher (格兰·索尔舍) 可以说，也正是由于与DG公司的合作，才使我们认识了这位吉他演奏家。另外，他还在80年代初随瑞典的乐队来过中国。与DG公司另外一位名气很大的吉他演奏家纳西索·耶佩斯大师类似，Gran Sllscher使用的吉他也非常特别，他在演奏不同的乐曲时，会使用特制的Georg Bolin 11弦吉他或是标准的六弦吉他（通常是José Ramirez）。按照Gran Sllscher自己的说法，他的11弦吉他是按照文艺复兴时期鲁特琴的定音来调弦的，这样可以方便的演奏大量巴洛克时期为鲁特琴所作的乐曲。通过录音，我们可以明显地感到G?ran S?llscher使用11弦吉他演奏文艺复兴和巴洛克时期的作品非常之精彩，各个声部层次分明，音色甜美，音乐表现深邃有内涵，其录制的巴赫鲁特琴全集可以说是该乐曲的最佳版本之一，另外其早年的录音Greensleeves和Cavatina两张唱片也是异常经典，一经推出就畅销不衰。Gran Sllscher是DG唱片公司旗下的主力吉他演奏家之一 Gil Shaham 美国犹太裔小提琴家,1972年随全家迁回以色列定居,7岁在耶路撒冷的拉宾音乐学院随塞缪尔·伯恩斯坦学琴,两年后应邀为斯特恩、米尔斯坦和谢霖等人演奏.1980年接受迪蕾、艾勒曼等人指导,第二年仅10岁举行第一场独奏音乐会,1982年获克莱芒比赛一等奖,进朱利亚德学院真正拜迪蕾为师. 1992年举行在卡内基音乐厅的独奏音乐会,从此真正成名.沙汉姆是年轻的小提琴家中,目前因唱片公司的推广而最具影响力的一位,他属于炫技型的演奏家, 有精湛的技巧,在表现技巧型(如帕格尼尼)和现代气息的作品(如普罗科菲耶夫)时,有相当的特色. Accardo (阿卡多) -《魔鬼的颤音》(Diabolus in Musica) 收录了10余首帕格尼尼的作品，有名的大概都在其中了。早年的阿卡多火爆生猛，手中名琴迸发出的琴声华丽雄壮，光辉甜美，令人难以忘怀。这是DG皇牌录音师Gunter Hermanns亲自所录的杰作之一。碟中独奏部分音色通透，琴声细节分明、空气感强，片中小提琴和打击乐的高频泛音极为丰富，足以试出音响系统中的任何瑕疵。 帕格尼尼的作品并没有出版得太多，很多作品他只作给自己演奏而没有正式出版。原因是没有多少人能够演奏他的作品，他的作品实在太难演奏了。传说中帕格尼尼的演奏技巧非常特别，最快可一秒拉16个音。他在演奏会中，小提琴琴弦常常会被预先设计突然“意外”地拉断，一根接着一根，而帕格尼尼依然用高超的技艺演奏，甚至到最后小提琴只剩下一根弦线。 此碟收录12首帕格尼尼作品的节录曲，但凡有名的作品均在其中。意大利小提琴手阿卡多，是当今举世无双的诠释帕格尼尼的不二人选，他那高超的技巧，疾风般的演奏，令人相信帕格尼尼这魔鬼琴手依然在世。录音将弓弦的摩擦质感，流水般贯穿全曲的急板，空间中自然的堂音，通透亮丽的琴声，甜美的音质和名琴的音色尽收其中。这一切无疑令此张CD为最多人激赏。 本碟收录了1975年至1977年阿卡多演奏的帕格尼尼小提琴协奏曲和随想曲12段精华选段，此时正是阿卡多艺术生涯的颠峰期，演奏充满了十足的信心，既有炫目技巧，又有美妙动人的乐曲，伦敦爱乐乐团的协奏更是锦上添花。DG公司的王牌录音师Gunter Hermannsf负责摆放录音话筒，数码翻录技术处理使琴声通透亮丽，细节纤毫毕现，音色真实自然。 此碟也被广大音响发烧友用作专门测试音响系统对小提琴音色的重放标准，在欣赏时，你可留意在小提琴高把位时的发音是否变尖，此时的弓弦摩擦质感还能否保持？如果听起来像是细小笛子般的声音，表明缺乏质感，无疑是系统缺乏解析力。假如听起来觉得琴音太薄太尖，则表明你的音响系统中频以下的声音不够丰润。
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沉香 楼主 2013-12-09 16:53:49
唱片知识稍后回你！ ============================================================================ 先给你说说几大唱片公司，录古典音乐的唱片公司有很多很多，但是质量最好的基本上还是那四大唱片公司的东西，给你讲讲四大的故事： （1）大名鼎鼎的DG 德意志(DG)唱片公司是全球最大的唱片公司。全称为Deutsche Grammophon- Gesellschaft(德国留声机公司)，是宝丽金集团的旗舰公司，1898年成立，总部位于汉堡，旗下拥有Archiv(阿奇夫)等众多子公司，员工上万人。 DG唱片公司的前身为1898年由德国人在汉堡成立的德国留声机公司，当时还属于英国留声机公司的分公司,其股份大部分在英国人手里,主要是将从英国运来的母盘加工压制成唱片.后由于一战的爆发英,德成为交战国,德国政府将英资DG公司接收,从此她便走上了独立经营之路.1941年,西门子公司取得DG公司经营权,并改名为Polydor International,1962年西门子与飞利浦两家公司将其下属的DG与Philips合并成为DGG/PPI集团.1972年,DG与Philips两家唱片公司正式合资组成了日后享誉全球的唱片帝国--宝丽金(Polygram)集团. DG公司虽有着一个多世纪的辉煌历史,但我们所熟悉的黄色郁金香商标却只用了50年而已,因为DG是“唱片之父”贝纳林先生一手创立,因此1909年以前DG用的是“一个小天使坐在圆盘里”的图案做商标,也曾与英美两家兄弟公司EMI和RCA共同用过“白色的Nipper小狗侧耳倾听留声机”的商标,直到二战结束之后,DG才完全切断了这些关系,于1949年启用了新的郁金香花冠商标.在二三十年代,DG还设立了一个在国外发行唱片的宝丽多(Polydor)商标.现在这个大家所熟悉的长方形黄标是由著名的商标设计大师汉斯·多米茨拉夫在1949年设计的.今天这个黄色的郁金香花冠几乎已经代表了DG的精神,也成了这个百年老牌的骄傲.作为当今世界上最大的古典唱片品牌,DG可以说完全见证了百年来所有乐坛的重要人物,是一致公认的古典演奏巨匠的温床. 早在1913年,DG便完成了历史上第一套交响曲的录音,1938年崭露头角的卡拉扬在DG录下了自己的首张唱片莫扎特《魔笛》序曲。1958年,DG开始采用新开发的立体声录音技术.次年,卡拉扬从EMI回归,录下他在DG的第一张立体声唱片《英雄生涯》.自此,卡拉扬与DG维持了三十年的合作关系,完成了三百次以上的录音,并销售了超过一亿张以上的唱片,是DG的头号干将.1961年,DG力推女钢琴家阿格里奇,结果一炮走红,名震全球,她除了极少数唱片分散于EMI和Philips外,所有录音几乎都集中在DG.70年代初,意大利人阿巴多开始为DG青睐,被认为是极有潜力的指挥家,果然,他不负众望,在卡拉扬去世后立即填补了DG和柏林爱乐阵容上的空缺. 此外,同样来自意大利的钢琴鬼才米开兰杰里在DG留下过五张矿世录音,而年轻的钢琴家波里尼也在DG开始了他的唱片生涯.波恩斯坦的加盟在70年代末给DG注入了高昂的士气,其马勒交响曲几乎成为本世纪唱片艺术的极典. 此后,不计其数的大师巨匠齐聚DG旗下.可以说DG公司能取得今天如此辉煌的成绩与其采取“明星主义”的制作方针是息息相关的.该公司的演绎阵容之强大几乎到了无法想象的地步:旗下乐团是柏林爱乐乐团,维也纳爱乐乐团,俄罗斯国家交响乐团等代表世界最高水准的一流乐团;指挥包括了本世纪几乎全部的指挥大师,如:伯姆,卡拉扬,伯恩斯坦,阿巴多,克莱伯,朱里尼,库贝利克,富特温格勒,穆拉文斯基,莱文,弗里乔伊,巴伦伯伊姆等;小提琴家穆特,阿卡多,杜梅,米尔斯坦,祖克曼,帕尔曼,克莱莫尔等;钢琴家阿格里奇,霍洛维茨,皮尔斯,乌格尔斯基,肯普夫,波利尼,吉列尔斯,齐莫尔曼,等.特别值得一提的是中国青年大提琴家王建也在该公司麾下.在乐坛大师逐渐凋零的今天,DG扶植起的新秀已挑起了大梁,夏汉姆,普列特涅夫等新辈都极俱资质,很可能成为下一个十年的大师级人物.有了如此强大的阵容,也使DG信心百倍的制作了让人叹服的规模宏大的全集唱片.比如:1979年纪念贝多芬的全集12卷共79张唱片的“贝多芬大全集”和1973年放行的全套10卷共93张唱片的“交响曲大全集”等. 虽然身为唱片工业的先驱,DG在50年代面对当时新出现的立体声录音,却显得有些反映迟钝.由于刚从二战悲惨的泥沼里爬出来,DG当局者的作为相当保守,相比其他英美同行,DG的立体声录音起步较晚,技术一直未能迎头赶上.到了数码录音时代,DG也并未抢得先机,据说若非卡拉扬强势要求,DG恐怕又要落于人后.虽说赫曼营造的美声已经赢得现代发烧友的承认,但一些资深的唱片迷心知肚明,在所谓“录音黄金年代”中,DG的录音号召力明显不敌Decca,RCA,Mercury和EMI.姑且抛开录音科技的成就不谈,光就唱片的音响效果而言,以赫曼为首的DG录音部门对声音的看法也与当时英美其他唱片公司有着很大差异,这大概也是美国TAS棒单上很少见到DG唱片的原因之一.事实上,由于坚持自己独特的音色取向,据说DG曾一度遭到竞争对手的强烈挑战,仅因为旗下大师如云,才力保地位不摇. 这种情况一直到90年代初才有了变化.DG在汉诺威的总部于1990年发表了一种全新的录音方式 4D,一下子扭转了DG在录音科技上落于人后的局面. 九十年代,面对全球唱片业的大萧条,DG不断挖掘市场潜力,巩固着古典音乐领域无可争议的权威和主导地位.一方面,DG充分发挥自己早年所留下的珍贵录音资料,运用先进技术使许多经典录音重见天日.比如“黄金卡拉扬系列”,"二十世纪大师原音系列”,大花版系列等都很受欢迎,众多的“超薄小双张”更是令乐迷欣喜不已.另一方面,DG更加注意新技术的应用和新市场的拓展,适应新世纪的要求.比如最近DG公司与IT产业界合作开发了可应用于电脑Windows界面下的CD-Pluesare多功能唱片,把CD扩展到一个前所未有的兼容领域,同时DG公司还于1998年出版发行了全球首张歌剧DVD"图兰多”(片号: DG 073227-2).1998年,DG公司举行了盛大的百年庆典,出版了60张精选CD唱片,并推出了极为超值得“音乐黄页系列”.在世纪之交的今天,与市场冷淡形成鲜明对照的是,DG公司在宝丽金环球唱片集团的支持下新片迭出.其跨世纪的现代音乐家作品的“20/21"出版计划,"锲里比达凯录音重整计划(60 CD)"以及全套25张的“卡拉扬纪念专辑”都是令人叫绝的大手笔.人们相信,DG这个唱片品牌将在下个世纪放射出更加灿烂的光芒!
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沉香 楼主 2013-12-09 16:54:09
（2） DECCA 1929年在英国成立的Decca唱片公司的品牌。1940年，它开发出了当时最先进的全频带录音，简称FFRR。这一技术本来是应海军部的要求开发的，目的是辨别英国潜水艇和德国潜水艇间的区别。1944年，Decca公司将此技术运用到唱片上，使音质有了长足的进步。从那以后，Decca公司的录音质量始终居于领先地位。它尤其精于大场面(如歌剧)的录音，音场宽广，空间感强烈，音色流畅，令他人望尘莫及。成立于1929年，是英伦三岛唯一可与百年老厂EMI相匹敌的唱片厂牌。 其实DECCA对比其他几个巨人，无论在规模，历史，艺人阵容等诸多方面都与DG等大公司相去甚远，但是在发烧友心目当中，Decca的品牌形象和地位却仍然非同反响，甚至称其为当今世界录音艺术的一大典范，都一点不为过。事实上，只要您听过Decca的唱片，您便会同意：Decca录音所特有的深阔音场，透明度一流的秀美音色，以及极其华丽自然的音域平衡度，已和其蓝红相间的商标一样，成为独树一帜，无可替代的招牌。 Decca唱片高贵华丽的透明音色，如临现场的精确定位，开阔深远的音场空间感以及辉煌而不刺耳的音域平衡度，几乎能叫任何发烧友一闻上瘾，并已成为人所共知的特色。 在当今浩如烟海的唱片品牌当中，Decca特别以录制歌剧作品而名震全球。众所周知，歌剧录制是一项艰巨而又复杂的工程，要耗费大量了人力与物力，收回资金也需要很长时间，没有实力和魄力的公司往往不敢问津此道。Decca公司不仅具有雄厚的财力，而且具有极高的艺术鉴赏力和敏锐的市场洞察力，在这一行当中获得了巨大的成功。多年以来，Decca公司积累了歌剧录制方面的丰富经验，而且网络了上述一大批世界超级的歌唱家和众多知名歌剧院作为坚强的后盾。因此，Decca是一家歌剧和声乐爱好者要特别关注的唱片公司。 Decca的每一项录音工程对录音地点的选择都可谓煞费苦心。这一点甚至连录音场地的交通状况都可能被考虑在内。一般情况下，Decca都会在事前派专人对录音场地进行反复考察，确定后立即进行改建，包括舞台的结构，观众的座椅，隔声设备等都经过复杂的修整布置，以满足不同录音所需要的不同空间响应。早期Decca曾使用过的三座欧洲出色的音乐厅：日内瓦维多利亚厅和维也纳索芬音乐厅，后来都被证明是拥有最佳反射，混响时间的录音胜地。许多伦敦的乐团，瑞士罗曼德交响乐团以及维也纳爱乐乐团都在这些地方留下过千古不朽的名演，每一张唱片的音响都令人深爱不已。Decca是世界上较早投入数码录音研究的唱片公司之一，早在1978年Decca的研发部门便开始采用18bit数码设备记录了维也纳新年音乐会的实况。后来，Decca在数码剪接技术方面有所突破，其ADRM数码复制技术被认为是对珍贵的模拟录音最可以信赖的保存方式，这种重新数码化的母带保存技术可以将老录音去芜留菁，呈现最迷人的效果。
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沉香 楼主 2013-12-09 16:54:32
3） Philips 强大的环球 1972年，德意志留声机公司和飞利浦公司合并，取名为“P0ly－GramInternational”意为“宝丽金国际有限公司”，即“Polyd0r”的 “poly”与“Phonogram”的“Gram”合成，总部在英国的伦敦。合并后的宝丽金集团于1970年代帮助飞利浦发明并且创造了卡式录音带，1980年代又一起合作发明创造了CD雷射唱片，在唱片行业上有了高速度的发展，并将英国戴卡（Decca）公司并入集团。 也就是说宝丽金很变态得强，包括飞利浦+DG+DECCA三大古典唱片公司，1961年又收购了一个很有名的小公司美国麦克瑞（Mercury）唱片，宝丽金集团旗下的三家（德唱、飞利浦、 宝丽金集团迪卡）唱片公司不仅是该公司的支柱产业，亦成为了世界古典唱片市场中最有影响力和最富有声誉的公司。它们各自都在录音技术方面拥有属于自己的优势，例如：德唱公司的4D技术，麦克瑞公司的LivingPresence，迪卡公司的ffrr及飞利浦公司的数字影碟技术等等。然后它们在对录制古典音乐曲目选择上也都情投意合。例如：DG公司的古典及浪漫交响乐，飞利浦公司的室内乐及声乐，迪卡公司的古典歌剧及麦克瑞公司的古典“发烧天碟”。 1990年代，宝丽金集团先后收购了美国的A&M、Motown及英国的Island唱片公司，加上原来的Polydor、 LondonPhilips等厂标，形成了欧洲流行音乐制作最为庞大的群体，大量录制并出版受全世界乐迷欢迎的欧美流行音乐。 1998年12月，加拿大Seagram公司将Polygram和原BMG旗下的Universal/MCA公司合并成为环球音乐集团(Universal Music Group)，组成了一座规模庞大的“唱片帝国”。 也就是残忍地说，在古典音乐领域里环球基本上处于非常强势的地位，当然在其他音乐风格领域里它也很强，现在就它和EMI分享整个古典市场！
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沉香 楼主 2013-12-09 16:54:38
EMI 百代唱片（EMI，原名“电子与音乐工业公司”，Electric and Musical Industries Ltd，但通常简称为EMI Group）是一家跨国的的音乐制作及唱片公司，总部位于英国伦敦。英国唱片业的龙头公司。经过一个多世纪的发展，在流行与古典领域中均占有举足轻重的地位。2000年初，与新成立的AOL-Warner（美国在线-时代华纳）集团的华纳音乐合并，共同组成了新世纪全球最大的唱片集团。 在古典音乐领域，EMI的演绎阵容包括了BBC交响乐团，皇家爱乐乐团，伦敦爱乐乐团等知名乐团；指挥大师穆蒂，普列文，巴比罗利等；小提琴家梅纽因，帕尔曼等；大提琴家杜普蕾等；歌唱家卡鲁索，卡拉丝，施瓦茨科普夫等；钢琴家里帕蒂，阿什肯纳奇等；指挥大师卡拉扬，富特温格勒早年也曾与该公司合作。在流行音乐领域，EMI记载了流行音乐的整个发展历程，旗下拥有著名的The Beatles，Backstreet's Boys，Michael Learns To Rock，Richard Marx，Enigma，SexPistols，Beach Boys，Crowded House，Kraftwerk，Massive Attack，Kate Bush，911以及华裔小提琴家陈美，音乐剧皇后Sarah Brightman等众多著名流行音乐人，我国的著名歌星王菲，那英，林忆莲等也在该公司麾下。 在资深发烧友心中，EMI永远是经典的代名词。他们囊括了本世纪前叶最具代表性的古典音乐家，以及当时三分之二的优秀录音曲目。在战后也集结了当时控制整个音乐时代命脉的老中青三代乐坛精英，是唱片工业的一代盟主。与宝丽金·环球唱片集团其下的DG，Decca，Philips等唱片公司一样，EMI近年来出版发行了不少的“超薄小双张”比如“强音系列”，“红线系列”等都非常超值。1997年，EMI迎来了自己的百年华旦，出版了11张珍贵的精选唱片。1999年，EMI又全新推出了“Great Recordings of The Century（世纪原音）”系列唱片，采用伦敦ABBEY ROAD录音室最先进的ART母带处理科技，将自己早年各个时期的历史名盘再版成24Bit/96KHz格式的CD。2000年，EMI与华纳音乐集团合并，共同组成了规模超过环球音乐的唱片帝国。尽管近年来随着前辈音乐大师们一位位的谢逝，以及包装和制作手段与对手相比较已显颇为保守，EMI已经逐渐失去了往日的辉煌。但对于一个想找到最好音乐的人而言，EMI淡薄的商业味正好昭示出:这是一家只卖音乐的公司，货真价实! EMI录制的唱片一直以其专精的音乐路线直指艺术尖断，在音乐价值的含金量上，几乎一致公认。只要 EMI专业对口，无论是学院里的老教授，抑或是街边前卫的摇滚迷都会对EMI的唱片竖起大拇指。
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沉香 楼主 2013-12-09 16:55:04
很多人都会问，古典音乐的CD为什么那么贵？这帮严肃音乐的人真有钱真装B...其实，这是种谬论，古典音乐的录制所耗费的成本贵得惊人，因为古典音乐和HIFI发烧的玩法在本质上是基本一致的。 追求效果是第一等大事，因为买CD的人除了关注你是什么音乐，哪个演奏家 指挥家，还会关注你的录音质量，比如曾经的小霸王DECCA有段时间打得几大巨头毫无还手之力，逼得宝丽金要收购它。Decca的每一项录音工程对录音地点的选择都可谓煞费苦心，这一点甚至连录音场地的交通状况都可能被考虑在内。一般情况下，Decca都会在事前派专人对录音场地进行反复考察，确定后立即进行改建，包括舞台的结构，观众的座椅，隔声设备等都经过复杂的修整布置，以满足不同录音所需要的不同空间响应...甚至录音完毕要么是演奏家不满意，要么是公司不满意，还有无数后期制作，甚至不排除重录的可能性。 这也是为什么去买音响的人大多数都会拿古典音乐来试碟！ 举报 回复 楼主：听话就让咬鹅 时间：2010-09-07 13:50:32 如果是要买碟或者电驴下载，或者要了解整个西方音古典乐人，我推荐你两个东西： （1）《企鹅激光唱片指南》 The.Penguin.Guide.to.Compact.Discs （2）《音乐圣经》 这两本书拿来入门是比较好的，但是我要提醒你，《音乐圣经》上有些东西有些数据是有问题的，比如贝多芬的出生死亡日期...这个也是为什么很多老粉丝痛骂《音乐圣经》的原因，不过它里面介绍的碟片很多都是很经典的。 企鹅唱片指南，不知道你听说过没？ 有名得令人发指！一本享誉全球的权威大书。不论有财力或没财力、有闲功夫还是没闲工夫的爱乐者都希望有一份“必读曲目”和“可读曲目”以备查考，而《企鹅激光唱片指南》正好能满足这种需要。 爱德华・格林菲尔德、 罗伯特・莱顿、伊万・马奇 的新版《企鹅激光唱片指南》将向我们唱片收藏者提供一分最佳音乐CD的综合评价，它同以往的音乐评介书书籍有所不同，不是单纯地介绍作曲家及其作品，而是着重介绍演绎者（包括指挥、演奏员、独奏家以及独唱、合唱者）及其演绎过程。《企鹅激光唱片指南》在分析乐曲、评论乐手、诠释其优劣之余，还对音响效果给予适度的关注，这种新的欣赏方式带来的艺术享受或感官刺激所产生的快感也是旧日的爱乐者所无以企及的。
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沉香 楼主 2013-12-09 16:55:17
你可以先听那些EMI的几个经典100合集，我之前在帖子里都已经把电驴APE的地址贴上去了，你先下，DECCA的ULTIMATE系列也是入门的不错利器，记得用FOOBAR来播放无损，它是最好的无损播放工具！ 然后慢慢找寻你喜欢的音乐家，这个就很难说了，有的人迷死了肖邦，我不是很喜欢；我特别喜欢巴赫和莫扎特，但也有人不感冒，这个就让你的耳朵来选择，前期没必要马上就上乐理啊什么分析啊，就是听，让它为你服务，你可以开车的时候 做事情的时候 打扫卫生的时候，就拿来当背景音乐，慢慢慢慢就入门了（开车的时候不推荐听交响曲，那个东西很容易让你激动） 慢慢开始进入这个世界后，你就会寻找不同的版本，比如不同指挥家指挥的马勒交响曲和勃拉姆斯交响曲完全是两回事，你就开始寻找自己喜欢的指挥，自己喜欢的乐器演奏家，然后同样的指挥哪一年在什么地方演奏的东西超强...你一辈子就耗进去了 举报 回复 楼主：听话就让咬鹅 时间：2010-09-07 14:13:24 还有就是古典音乐最好玩的就是去现场，那个感觉和那个效果实在是太妙了！ 然后说到设备，我先给你讲个笑话： 如果你爱一个人，就送他一张古典音乐CD 如果你恨一个人，就送他一张古典音乐CD 听古典音乐的人，没错有不少都是草根古典，其实讲这个话有点心酸，谁不希望能用超强的利器来播放自己喜欢的东西？我就在一个著名音响的专卖店里感受了下帕格尼尼的《魔鬼的颤音》，听到你简直想流泪！你都能准确感受那个喇叭前中后左边还是右边出现小提琴，忽高忽低，叹为观止！ 但是，这玩意儿吧，就和玩单反一样，是个无底洞！五万 十万 五十万 甚至上百万都可以瞬间烧进去，每个人还是根据自己的实际情况来玩！ 如果你有闲钱，也愿意烧，欢迎加入这个永远没有底线的队伍！ 我以前拿耳机听重金属太多，医生建议少用耳机，而且科学证明耳机实际上都会伤害你的耳朵，所以我都用音响听。我现在听得是B&W的一个朋友送的音响，我觉得非常不错。B&W又叫宝华，（不是宝马），英国著名品牌，40多年的音响制造经验，创造出许多著名的世界名箱，在HIFI界久居盛名。 还有，买音响这东西吧，就和买电脑一样，如果你不懂很容易被忽悠，被上当，前期不是特别了解的情况下推荐去大的专卖店购买，少去代理！当你日后HIFI上路了，并且愿意DIY HIFI的话，那就可以自己来搞，那个也好玩， 在购买的时候要小心，不要盲目地听店主的推荐和介绍，买这种东西绝对不可以心急。最好之前多去一些音响论坛先去具体了解些音响知识，还有带几张试音天碟多试，毕竟每一个品牌的音响包括每一个系列的表现都有其不同！
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