电影剧本写作基础<摘>
本书是供所有人使用的：为那些以前从没有过写作实践的人，也同样为那些在自己的写作方面没有获得过多少成功而需要重新考虑自己的基本写作方法的人。小说家、剧作家、杂志编辑、家庭主妇、生意人、医生、演员、电影剪辑师、广告片导演、秘书、广告商和大学教授等等，全都上过这个班并从中获得过收益。本书的目的是使读者坐下来，并从有选择、有信心、有把握的地位出发来编写一个电影剧本。他可以完全有把握地知道自己在做什么，因为写作中最难的事就是要知道写些什么。当你读完本书时，你将确切知道写一个电影剧本要做些什么。至于你是否要写，那是你自己的事。写作是件个人的事——你或者写，或者不写。
目录
引言 第1章 电影剧本是什么 第2章 主题 第3章 人物 第4章 构成人物 第5章 创造人物 第6章 结尾和开端 第7章 建置 第8章 段落 第9章 情节点 第10章 场景 第11章 构筑剧本 第12章 写电影剧本 第13章 剧本的形式 第14章 改编 第15章 论合作 第16章 剧本写完之后 第17章 作者札记 附录：中英文片名对照表
作者简介
悉德·菲尔德(Syd Field)，美国著名编剧，制片人，最畅销的电影编剧著作作家。著有《电影剧本写作基础——从构思到完成剧本的具体指南》。 《电影剧本写作基础》自1982年首版以来已被译成16种语言，在世界250多所大学用作教材，《电影剧作者疑难问题解决指南》是续篇，进一步揭示了剧作的奥秘和技巧。他曾在全球许多国家任教，现在是好莱坞电影公司的剧本审稿人以及编剧顾问。 悉德.菲尔德的书完全不同于中国传统的“电影文学”教育，他－－或者说“他们”好莱坞－－把电影编剧工作技巧化和技术化了，使得所谓高不可攀的“电影文学艺术”，变得易于学习、分析和领会，所以这本书和它的姊妹篇自翻译出版以后受到国内电影工作者和编剧爱好者的高度评价。
内容简介
第一章 电影剧本是什么？ 电影是一种视觉媒介，它把一个基本的故事线戏剧化了。 一部电影剧本就是一个由画面讲述出来的故事。它象名词(noun)──指的是一个人或几个人，在一个地方或几个地方，去干他或她的事情。所有的电影剧本都贯彻执行这一基本前提。一部故事片是一个视觉媒介，它是把一条基本的故事线加以戏剧化。如同所有的故事一样，它有一个明确的开端、中段和结尾。 第一幕，或称开端 一个标准电影剧本的篇幅大约有120页，或长两个小时。不论你的剧本全用对话、全用描写，或两者兼有之，均可按一分钟一页来计算。 如果你去看电影，你时常会自觉或不自觉地做出判断──你是否喜爱这部影片。今后看电影时，请注意一下，你需要多长时间做出你是否喜爱这部影片的决定。一般大约十分钟左右。也就相当于你写的电影剧本的头十页。你应该及时地抓住你的读者。 第二幕，或称对抗 第二幕是你故事的主体部分。一般是在剧本的第30页至90页。它之所以称为电影剧本的对抗部分，是因为一切戏剧的基础都是冲突(conflict)。一旦你给自己的人物规定出需求(need)，亦即在剧本中他想要达到什么目的，他的目标是什么，你就可以为这一需求设置障碍(obstacles)，这样就产生了冲突。 第三幕，或称结局 第三幕通常发生在第90页至第120页之间，是故事的结局。故事是如何结束的？主人公怎么样了？他是活着还是死了？他是成功还是失败了？等等。你的故事需要有一个有力的结尾，以便使人理解并求得完整。 戏剧性结构可以被规定为：一系列互为关联的事情、情节或事件按线性安排最后导致一个戏剧性的结局。
第二章 主题 记住一个电影剧本就象名词──指的是某一个人在某一个地方去干他（她）的事情。这个人就是主人公，而干他（她）的事情就是动作（action）。当我们谈论电影剧本的主题时，我们实际谈的是剧本中的动作和人物。 动作就是发生了什么事情，而人物，就是遇到这件事情的人。每个电影剧本都把动作和人物加以戏剧化了。 每个电影剧本都有个主题。 剧作家在决定如何把故事戏剧化时，常常要进行选择和履行责任。 你的主题会找到你的，只要你设法去发现它。 从寻找一个动作和一个人物开始做起！ 下一步是扩展你的主题。赋予剧本中的动作以血肉，把焦点集中在剧中人物身上，这样就扩展了故事线和突出了细节。 这条规则值得再重复一遍：你知道的越多，你所能传达的也越多。 调查研究工作是电影剧本写作的具体要素。 动笔时，先问一下自己要写的是什么故事。 当你一旦决定想要写哪一种动作之后，就可以进而考虑剧中人物了。首先，要明确你的人物的需求（need）。一切戏剧都是冲突。如果你已经清楚自己人物的需求，那就可以设置达到这一需求而要克服的种种障碍。他如何克服这些障碍就成了你的故事本身。冲突、斗争、克服障碍这就是一切戏剧的基本成分。喜剧，亦是如此。剧作家的责任就是创造足够的冲突去使你的观众或读者发生兴趣。故事始终要不断向前发展，直至它的解决。上述就是你对主题应该了解的一切。如果你已经清楚了自己电影剧本中的动作和人物，你就可以为你的人物规定需要，然后为实现这一需求设置种种障碍。 没有冲突就没有戏剧。没有需求，就没有人物。没有人物也就没有动作。 一个人的行为而不是他的言谈，表明了他是一个什么样的人。当你着手探索主题时，你会发现你剧本中的一切事情都是互为关联的。没有一件事是偶然纳入的，或仅因为它机智可爱而被纳入的。莎土比亚有句名言：“即便一只麻雀的死，亦有特殊的天意。”而宇宙的自然法则是：每一个作用力都有一个力量相等方向相反的反作用力。这一法则也适用于你的故事。这就是你电影剧本的主题。 要了解你的主题！
第三章 人物 人物是你电影剧本的根本基础，它是你故事的心脏、灵魂和神经系统。在动笔之前，你必须了解你的人物。 首先，确定你的主要人物。然后，把他（她）生活的内容分成两个基本范畴：内在的生活与外在的生活。 要从内在的生活开始。 写作要具备不断向自己提出问题并且找到答案的能力。这就是为什么我把发展人物称之为创造性的研究工作。 人物的外在的部分发生在电影剧本的开始到最后的淡出之间。首先，要逐个分析他们生活的各种因素或各个组成部分。你应该通过人物与其他人或事件的关系来创造你的人物。所有的戏剧性人物都在三个方面相互作用： 1）在争取他们的戏剧性需求过程中所经历的冲突。 2）他们与其他人物之间的相互作用，是敌对的、友好的，抑或是冷漠的。请记住：戏剧就是冲突。法国著名的电影导演让·雷诺阿(Jean Renoir)曾跟我说过:描写一个混蛋比描写一个好小伙子更有戏剧性效果。 3）他们内在的相互作用。 把你的人物的生活分为三个基本组成部分——职业的（Professional）生活部分，个人的（Personal）生活部分，私生活（Private）的部分。 人物的实质是动作。你的人物实际上是他所做的事。电影是一种视觉媒介，剧作家的责任就是选择一个视觉形象或画面，用电影化的方式使他的人物戏剧化。 对话是人物的一种机能。在你第一稿的前六十页之中会到处出现别扭的对白，这没关系。别担心这些，写到后六十页它就会流畅并起作用了。你写得越多，它就变得越容易。这时，你可以再回来把你电影剧本中前半部分的对话修改顺畅。 对话是和你人物的需求、他的希望与梦想相互联系的。对话必须把你故事的信息或事实传达给观众。它必须推动故事向前发展。它必须提示人物。对话必须展现人物之间和人物内部的矛盾冲突，以及展现人物的感情状况和性格的独特之处。对话来自于人物。
第四章 构成人物 你如何给你的人物“注入生命”？如何去构成你的人物呢？ 关键的词是“过程”。需要一种途径去实现它。 首先，要创作人物的来龙去脉（context）。然后把内容注入其中。确定人物的需求。 人物就是观点——即我们看待世界的方式。这是一种来龙去脉。 我们都具有某种观点——要保证你的人物具有个人的和独特的观点。你创造了来龙去脉，内容就随之而来了。 人物还是一种态度。这也是一种来龙去脉，是展现人物观点的一种感情和行动的方式。 你越能清楚地确定人物的需求，就越容易给这些需求制造障碍。这样就产生了冲突。这有助于你创作一条紧张而富于戏剧性的故事线索。这在喜剧中也是一条卓有成效的规律。 确定人物的需求，然后针对这一需求制造障碍。你对你的人物知道得越多，在故事结构中创作的尺度就越宽。 人物还是个性。每个人物从视觉上都显示出一种个性。 人物还是行为。人物的实质就是动作——什么样的人干什么事。行为是动作。行为向你揭示很多东西。 人物还是我所谓的启示。在故事进程中我们了解到人物的一些事情。 动作即是人物！一个人的所为，而不是他的言谈，表明他是一个什么样的人。 作家常常在一个作品接近完成时，坚持写下去而没有写完。 只是别指望你的人物从第一页就开始跟你讲话。这样是行不通的。如果你作了创造性的研究工作，并熟知你的人物，那么你就会体验到某些阻力，然后才能有所突破，和你的人物发生接触。你的全部工作、研究、准备工作和思考时间的最后结果将是那些真实、生动、可信的人物——真实环境中的真实人物。这是我们共同的目的。
第五章 创造人物 写剧本有两种办法。一种是先有了想法，然后按照这种想法去创造人物。写剧本的另一种办法是创作一个人物；从人物身上会产生出需求、动作和故事。 要记住，剧本的主题是动作和人物。我们已经有了人物了，现在该去找动作了。这是一个漫无目的的创作过程。我们提出一些想法，做出修改，重新安排，也犯错误。我刚说了一件事，接着又反驳了自己。不要着急。我们在寻找一个特定的结果——一个故事。我们必须使自己“找到”它。 要记住，这是一个创作过程，混乱和自相矛盾是在所难免的。 情节点。要记住，它必须是一个能“钩”住动作转向另一方向的事变或事件。
第六章 结尾与开端 方向！──对，正是它！你的故事是从A向前发展到Z；从建置发展到结局。请记住，电影剧本结构的定义是：一系列互为关联的事情、情节和事件按线性安排，最后导致戏剧性的结局。这就意味着你的故事是从开端向前发展到结尾。你应该用10页（10分钟）向你的观众或读者介绍三件事：⒈谁是你的主要人物？⒉戏剧性的前提是什么──亦即故事讲的是什么？⒊戏剧性情境是什么──意即围绕你故事的戏剧性情况是什么？ 很多人不相信，动笔写剧本前需要一个结尾！我听到多少次论证、争论等等。 当你开始动笔时，你必须知道的第一件事就是结尾。 你的故事总要向前发展──它沿着一条途径、一个方向、一条发展线，从开端到结尾。方向就是一条发展线，一路上遇到一些事情的途径。知道你的结尾。你不必知道具体的细节，但是你必须知道结尾发生了什么事。 你的故事就象是一次旅行，结尾就是目的地。二者是联成一体的。凯特·斯蒂汶斯在他的歌《就座》中概括了这一点：“生活就象多重门的迷宫。扇扇门都得往里推才打得开。伙计，你就只管推门而进，不论你怎样走，你都可能绕回到开始的地方。” 中国有句成语：“千里之行，始于足下。” 结尾与开端是相互联结的，这一原则可适用于电影剧本。 所以一个结尾始终是一个开端，而另一个开端也就是另一个结尾。如同生活一样，电影剧本中的每一件事都是相互关联的。 结尾和开端犹如一枚银币的两面。一定要仔细地选择，从而戏剧化地构成你的结尾。 当你知道了你的结尾．你可以有效地选择你的开端。 如果你已经决定了结尾，你可以选择一个事情或事件能引导到影片结尾。 一种类型的开端，可以是视觉感染力很强、很令人兴奋的进程，它能一下子抓住观众；另一种类型的开端，可以以一种速度极快的解说式的镜头去建置剧中的人物。你的故事决定了你去选择哪种类型的开端。 在什么地方出现片头字幕，这是个由电影片决定，不是由你剧作者决定的事。决定在什么地方出现字幕是一部电影制片时最后的事情，是由电影剪缉和导演来决定的。 你的电影剧本一开始的前十页是最为重要的。在这十页之内，一个读者将要知道你的故事是否引人入胜，它是不是开始布局了。这正是读者的工作。 对卖给好莱坞的电影剧本设有一个专门阅读剧本的人（reader）。在好莱坞那里，没有人读剧本，制片人不读，只有专门阅读剧本的人读。 对编剧人员来说，看电影是最重要的事情。去看各种各样的电影：好的影片、坏的影片、外国影片、老影片和新影片等等。你从看的每一部影片中都能获得经验，如果认真地看，它就会帮助你逐渐地对电影剧本有越来越深入的了解。看一部影片应该象参加一次工作会议，要去谈，去讨论它，并且看看它是否和哪个示例相吻合。 对一部结构很好的影片说来，结尾和开端是最重要的。所以，写电影剧本的开端的最好方法是什么？那就是：要清楚知道你的结尾！
第七章 建置 电影剧本中的一切都是互相夫联的，所以从一开始就要介绍你故事的组成部分，这一点是首要的。你有十页的篇幅去抓住或钩住你的读者，这样一来，你就必须立刻建置你的故事。 你必须以视觉的方式把故事中的信息建置起来。读者必须知道：谁是主人公，故事的戏剧前提是什么——也就是故事要讲的是什么，以及戏剧性的情境——围绕动作的境况。
第八章 段落 “协同动力学”（synergy）是对系统的研究，它研究系统作为整体而独立于它的各个工作部分时发生作用的情况。 电影剧本是由一系列的元素组成的，可以把它比作一个“系统”，即很多互相关联的独立部分有秩序地加以安排成一个统一体或整体。 电影剧本象一个系统，它由若干特定的部分组成，这些部分是由动作、人物和戏剧前提联系和统一起来的。我们是通过它能不能“发挥作用”或作用发挥到什么程度来对它加以衡量或评价的。 一个电影剧本做为一个“系统”，是由结尾、开端、情节点、镜头与特技效果、场面以及段落构成的。这些故事的诸元素由动作和人物的戏剧性推动力统一在一起，按照特殊的方式加以安排，然后从视觉上展示出来，从而创造一个整体，就是众所周知的“电影剧本”──用画面叙述的故事。 从我的角度来说，段落（scquence）①是电影剧本最重要的组成部分。它是电影剧本的骨架或脊梁骨；它把所有的东西串在一起。 段落就是：用单一的思想把一系列场面联结在一起。它是统一在单一思想下的一个单元或一个戏剧性动作的单位。 段落是电影剧本的骨架，因为它把一切都安排妥贴。你可以直接地把一些场面“串”起来或“挂”起来，从而创造成一大段戏剧性动作。 一个段落也正是这样：通过单一的思想把一系列场面联系在一起。 每一段落都有明确的开端、中段和结尾。 用单一的思想把一系列场面连结或联系在一起，并有明确的开端、中段和结尾，它就是电影剧本的一个缩影，就好比一个单细胞亦包含着一个宇宙的基本特点一样。 它是理解如何写电影剧本的重要的概念。它是电影剧本的组织框架，是形式，是基础，是蓝图。 开端，中段，结尾。
第九章 情节点 写作最困难的事是知道要写什么。当你写一个电影剧本时，你必须要知道你要写什么；你必须有一个方向──一条导致解决、结尾的发展线。如果你不这样做，那就麻烦了。那你很容易就会迷失在自己的创作的迷宫之中。 情节点，它是一个事件，它“钩住”动作，并且把它转向另一方向。 它把故事推向前进。 它们是你故事线上的锚。在你开始动笔之前，你需要知道四件事：结尾、开端、第一幕结尾的情节点，以及第二幕结尾的情节点。 掌握情节点的知识，是写电影剧本的最基本要求。要注意情节点，你们在看电影时要找出它们来，读电影剧本时要讨论它们。 每部电影都有情节点。 当你看一部影片时，确定它的情节点。 了解和掌握关于情节点，是电影剧本写作的基本要求。每一幕结尾的情节点是戏剧动作的环节；它们把一切都串在一起。它们是每一幕的路标、目的地、目标或指定点——是戏剧性动作的链条中的链环。
第十章 场景 场面是你剧本中最最重要的因素。在场面里发生某件事情──发生某些特殊的事。它是一个动作的特殊单位──是你讲故事的地方。 良好的场面产生良好的电影。当你想到一部好电影时，你记得的是场面,而不是整部影片。 你在纸上表现场面的方式最终影响着整个剧本。剧本是一个阅读的经验。 场面的目的是推动故事前进。 场面根据你的需要可长可短。 每个场面都具有两样东西──地点和时间。 场面的变换在剧本的发展中是极其重要的。一切都发生在场面中──是你用活动影像来讲故事的地方。 每个场面至少向读者或观众揭示必要的故事信息的一个因素。它很少提供更多的因素。观众接受的信息是场而的核心或目的。 一般来说，有两类场面：一类是，这里发生了某些视觉性的事情，另一类是人们之间的对话场面。大多数场面是两者的结合。 你要找出场面内的成分和元素。 当你写一个场面时，设法寻找一种与场面“反衬”的戏剧化方法。 你能驾驭你的故事，而不是让故事驾驭你。作为一名作家，你必须在场面的结构和表现中进行选择和承担责任。 寻找冲突，制造困难，尽可能多的困难。这能增加紧张性。 喜剧就是要创造一个情境，然后让人物对这个情境或相互之间做出动作和反动作。在喜剧中，你不能让你的人物故意去逗笑。他们必须相信自己所做的事，否则就会变得牵强和造作，因此也就不可笑了。 找到场面内的成分从而使场面运转起来。 一个场面很少是全部表现出来的。更经常的是表现整体中的片断。 在场面中某一特殊动作行将结束之际才进入。
第十一章 构筑剧本 每一幕都是戏剧性动作的一个单元、或组块。 在每一幕中，你都是从一幕的开端开始向这一幕结尾的情节点发展。这意味着，每一幕都有一个方向，一条从开端到情节点的发展线。而第一幕与第二幕的结尾的那两个情节点是你的目的地；它们就是你在构筑和结构你的电影剧本时，将要去的地方。 你的故事决定你需要用多少卡片。 用卡片是极好的方法。你可以用各种方式去安排场面，和重新安排，增加几张，去掉几张。它是简单、方便而有效的方法，它可以使你以最大的灵活性去建设电影剧本。 牛顿的运动第三定律吧：“对于每一个作用力，都有一个力量相等和方向相反的反作用力。”这条原则在构筑电影剧本中也起作用。 动作──反动作，这是宇宙的法则。在电影剧本之中，如果你的人物作出动作，而别人或其它物件作出的反动作是能引起你的人物再作出一个反动作。这样他一般就创作一个新的动作，而这又引起另一个反动作。 人物作出动作，有人做出反动作，动作──反动作，反动作──动作，使你的故事朝着每一幕结尾的情节点发展。 很多新手或者没有经验的剧作家总是让主人公遇到什么事，总是让他们对他们的环境作出反动作，而不是根据他们的戏剧性需求去动作。人物的实质是动作；你的人物必须采取动作，而不是反动作。
第十二章 写电影剧本 写作的最难之处在于知道要写什么。 要弄清楚这是否是你最佳的工作时间。 写作是件日复一日的差事。你要逐个镜头、逐个场景、逐页、逐日地写你的电影剧本。给自己定下目标。一天写三页是合理的和切实可行的，这大约是一天近一千字。如果你的电影剧本有120页的篇幅，每天三页、一星期工作五天。那么，完成第一稿需要多少时日呢？四十个工作日。 当你专心写作时，虽然你在外部很接近你所爱的人们，但你的思想和注意力是在千里之外了。 当你需要些时间来写电影剧本时，不必感到“内疚”。 制定个写作日程表：上午10点30分至12点，或是晚上8点至10点，或者晚9时至深夜。有了日程表,遵守纪律的“问题”就容易掌握了。 制定好写作日程表之后，你就可以工作了，在一个美好的日子里坐下来着手动笔。 出现的第一件事是什么呢？ 阻力！不错，正是它。 写作是一个体验的过程，是一个学习的过程，它需要写作的技巧与协调的能力，就象学骑自行车、游泳、舞蹈或打网球一样。 当你真坐下来写的时候，又蹦出个另一个“新”的念头，如此反复不已。它是个阻力，一种思想上的开小差，一种逃避写作的方式。 我们全都是这样的。在编造出各种理由和借口不去写作这方面，我们是大师。这是创作过程中的“障碍”。 写作是日复一日的劳动，一天要两、三个小时，一星期三、四天，一天三页，一星期要写10页。一个镜头接一个镜头，一个场面接一个场面，一页接一页，一个段落接一个段落，一幕接一幕地写下去。 在写电影剧本初稿时，你要经历三个阶段。 第一阶段，是把字“写在纸上”的阶段。这时你把一切都写下来。 第二阶段。即对你所写的东西作一次冷静、严厉而客观的检查。这是电影剧本写作中的最机械、最没有灵气的阶段。 第三阶段。在这个阶段你要检查一遍你所写的东西，真正把故事写出来。你要进行加工，突出重点，进行润色，或重写一些，让它更精炼一些，使它活起来。 写电影剧本，你必须学会忍痛割爱。 坚持写，日复一日，一页复一页地写。写得越多，就越感到容易。当你几乎要完成时，也许在最后的10页—15页，你会发现你在“拖拉”。你也许会用四天时间才写一个场面，或一页稿纸，并且感到疲倦和无精打采。这是一种自然现象：你就是不想结束，不想完成它。 当它结束后，你会体验到种种情绪反应。首先，是满意和松了一口气。几天之后，你会感到消沉、压抑，不知该怎样打发时间了。你可能会贪睡，浑身没有劲儿。我把这称之为：“产后郁闷”时期。这就象生孩子一样，你花费相当长的时间致力于某件事，它成了你身体的一部分，它使你一早就醒过来，夜里睡不着，现在一切全都过去了。所以消沉和郁闷是自然的。但是，一件事情的结束总是另一件事情的开始。这不就是开端和结尾吗？ 上面就是写作电影剧本的全部体验。
第十三章 剧本的形式 千万别给读稿者以口实来不读你的剧本。这就是剧本形式的问题。什么样的是专业剧本，什么样的不是。 剧本的形式是简单的。实际上它简单到大多数人都试图把它弄得复杂些。诺贝尔奖金获得者、加利福尼亚州技术研究所的物理学家理查德·费恩曼曾谈到：“自然的法则是如此简单，以至于我们必须提到科学思想的复杂性的高度之上去认识他们。” 剧作者的工作是写剧本。导演的工作是把剧本拍成影片，把纸上的字变成影片上的形象。摄影师的作用是决定场面的照明和摄影机的位置，从而以电影化的方式抓住故事。 电影是合作的媒介。人们一起工作，共同创作一部影片。 镜头就是摄影机所看到的东西。场面是由镜头组成的。是单个镜头，还是一组镜头，无论多少，还是什么样的镜头，这都无关紧要。镜头有各种各样的。 别怕犯错误。掌握它要有个过程。你写得越多就越得心应手。 从一开始就要按电影剧本的形式写。这是对你的忠告。 找出你的镜头中的主体。 术语：1、【角度对准】一个人、地点或事物（镜头的主体）。2、【主要表现】也是对人、地点、或事物。3、【另一个角度】镜头的变化。4、【更宽的角度】场面中焦点的变化。5、【新角度】另一种镜头变化，常用来“冲破纸面限制”而获得“电影化的面貌。6、【视点】一个人的视点，他看到的东西是怎样的。7、【反拍角度】视角的变化，通常与视点的镜头相反。8、【过肩镜头】通常用于视点和反拍角度镜头。一般把一个人物的肩头摆在画面的前景，他所看到的东西处在画面的后景上。画面是摄影机所看到的界限，有时称作“画框边”（frame line)。9、【运动镜头】重点在镜头的运动。10、【双人镜头】镜头的主体是两人。11、【近景】就是近：要少用，只为强调而用。12、【插入镜头】某物的近景：把不论是一份电报、报纸报道、标题、钟面、表盘或电话拨盘等镜头插入场面之中。
第十四章 改编 把一部小说、一本书、一出舞台剧或一篇文章改编成电影剧本跟创作独创的电影剧本是一样的。“进行改编”（to adapt）意味着从一种媒介改变成另一种媒介。改编（adaption）的定义是：“通过变化或调整使之更合宜或适应的一种能力”──也就是把某些事情加以变更从而在结构、功能和形式上造成变化，以便调整得更恰当。 换句话说，小说就是小说，舞台剧就是舞台剧，电影剧本就是电影剧本。把一本书改编成电影剧本，意味着把这一个（书）改变成为另一个（电影剧本），而不是把这一个叠加在另一个之上。它不是拍成电影的小说，或者拍成电影的舞台剧。它们是两种截然不同的形式。一个是苹果，另一个是桔子。 当你改编一部小说时，你没有必要把自己仅限于忠实于原素材的地步。 T·S·艾略特有句名言:“历史不过是编造的通道。” 如果你必须增添新的场面，做就是了。如果需要的话可以加进几个事件，使得故事更加个性化，只要它们能导致准确的历史结果就行。 在电影剧本中，事实支承着故事；你甚至可以说，它们创造了这个故事。 在电影剧本写作中，你是从一般到特殊，你先找出这个故事，然后收集事实。在新闻报道写作中，你是从特殊到一般；你先收集事实，然后再找出故事。
第十五章 论合作 电影是一门合作的媒介。 电影剧作家始终在和别人合作。 剧作家们出于不同的原因而进行合作。 在合作过程中有三个基本阶段：一、建立合作的基本规则，二、写电影剧本所必须的准备工作；三、实际写作本身。这三个全是重要的。如果你决定合作，你必须睁大眼睛去这样做。 合作意味着在一起工作！ 合作或任何关系的关键，就在于互通信息。你们必须相互讨论。不互通信息，就没有合作，那只能是误解和意见不一。这没有出路。 有时你不得不批评你的合作者写的东西。 “要判断别人，首先要判断自已。”你必须尊重和满怀希望地支持对方。 合作也是一次学习的经验。 合作意味着“一起工作。”
第十六章 剧本写完之后 把原稿保存起来，千万、千万不要把原稿交给任何人。 当他们读过剧本之后，倾听他们说些什么。不要为你所写的东西辩解，不要装着在洗耳恭听,而事后感到气愤或伤心，总觉得自己是对的。 向他们提出问题，追问他们。 和他们一起研究那个故事。找出他们喜欢什么，不喜欢什么，哪里打动了他们，哪里没有。 扉页就是扉页。 第十七章 作者札记 人人都是作家。 麦克唐纳公司（theMcDonald'sCo.）的海报《再接再厉》概况了它的格言： 世界上没有任何东西能代替持之以恒：才华不能代替──是常见的是失败的天才；天才也不能代替──没有成果的天才只能被当成笑料；教育也不能代替──这世界充满了受过教育的废物。只有持之以恒和决心，才能有无上的权威！ 当你完成了你的电影剧本时，你已经取得了一个伟大的成就。你把一个构思，发展成一条戏剧的或喜剧的故事线，然后坐下来用几个星期或几个月把它写下来。从开始到完成，是一个满足和得到回报的体验。你做了你决心要做的事情。这是值得骄傲的！才能是天赋的，你具备它或者不具备它，但是这并不妨碍写作的体验。写作自身会给你带来报偿。要享受它。努力干吧。
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引言 第1章 电影剧本是什么 第2章 主题 第3章 人物 第4章 构成人物 第5章 创造人物 第6章 结尾和开端 第7章 建置 第8章 段落 第9章 情节点 第10章 场景 第11章 构筑剧本 第12章 写电影剧本 第13章 剧本的形式 第14章 改编 第15章 论合作 第16章 剧本写完之后 第17章 作者札记 附录：中英文片名对照表
作者简介
悉德·菲尔德(Syd Field)，美国著名编剧，制片人，最畅销的电影编剧著作作家。著有《电影剧本写作基础——从构思到完成剧本的具体指南》。 《电影剧本写作基础》自1982年首版以来已被译成16种语言，在世界250多所大学用作教材，《电影剧作者疑难问题解决指南》是续篇，进一步揭示了剧作的奥秘和技巧。他曾在全球许多国家任教，现在是好莱坞电影公司的剧本审稿人以及编剧顾问。 悉德.菲尔德的书完全不同于中国传统的“电影文学”教育，他－－或者说“他们”好莱坞－－把电影编剧工作技巧化和技术化了，使得所谓高不可攀的“电影文学艺术”，变得易于学习、分析和领会，所以这本书和它的姊妹篇自翻译出版以后受到国内电影工作者和编剧爱好者的高度评价。
内容简介
第一章 电影剧本是什么？ 电影是一种视觉媒介，它把一个基本的故事线戏剧化了。 一部电影剧本就是一个由画面讲述出来的故事。它象名词(noun)──指的是一个人或几个人，在一个地方或几个地方，去干他或她的事情。所有的电影剧本都贯彻执行这一基本前提。一部故事片是一个视觉媒介，它是把一条基本的故事线加以戏剧化。如同所有的故事一样，它有一个明确的开端、中段和结尾。 第一幕，或称开端 一个标准电影剧本的篇幅大约有120页，或长两个小时。不论你的剧本全用对话、全用描写，或两者兼有之，均可按一分钟一页来计算。 如果你去看电影，你时常会自觉或不自觉地做出判断──你是否喜爱这部影片。今后看电影时，请注意一下，你需要多长时间做出你是否喜爱这部影片的决定。一般大约十分钟左右。也就相当于你写的电影剧本的头十页。你应该及时地抓住你的读者。 第二幕，或称对抗 第二幕是你故事的主体部分。一般是在剧本的第30页至90页。它之所以称为电影剧本的对抗部分，是因为一切戏剧的基础都是冲突(conflict)。一旦你给自己的人物规定出需求(need)，亦即在剧本中他想要达到什么目的，他的目标是什么，你就可以为这一需求设置障碍(obstacles)，这样就产生了冲突。 第三幕，或称结局 第三幕通常发生在第90页至第120页之间，是故事的结局。故事是如何结束的？主人公怎么样了？他是活着还是死了？他是成功还是失败了？等等。你的故事需要有一个有力的结尾，以便使人理解并求得完整。 戏剧性结构可以被规定为：一系列互为关联的事情、情节或事件按线性安排最后导致一个戏剧性的结局。
第二章 主题 记住一个电影剧本就象名词──指的是某一个人在某一个地方去干他（她）的事情。这个人就是主人公，而干他（她）的事情就是动作（action）。当我们谈论电影剧本的主题时，我们实际谈的是剧本中的动作和人物。 动作就是发生了什么事情，而人物，就是遇到这件事情的人。每个电影剧本都把动作和人物加以戏剧化了。 每个电影剧本都有个主题。 剧作家在决定如何把故事戏剧化时，常常要进行选择和履行责任。 你的主题会找到你的，只要你设法去发现它。 从寻找一个动作和一个人物开始做起！ 下一步是扩展你的主题。赋予剧本中的动作以血肉，把焦点集中在剧中人物身上，这样就扩展了故事线和突出了细节。 这条规则值得再重复一遍：你知道的越多，你所能传达的也越多。 调查研究工作是电影剧本写作的具体要素。 动笔时，先问一下自己要写的是什么故事。 当你一旦决定想要写哪一种动作之后，就可以进而考虑剧中人物了。首先，要明确你的人物的需求（need）。一切戏剧都是冲突。如果你已经清楚自己人物的需求，那就可以设置达到这一需求而要克服的种种障碍。他如何克服这些障碍就成了你的故事本身。冲突、斗争、克服障碍这就是一切戏剧的基本成分。喜剧，亦是如此。剧作家的责任就是创造足够的冲突去使你的观众或读者发生兴趣。故事始终要不断向前发展，直至它的解决。上述就是你对主题应该了解的一切。如果你已经清楚了自己电影剧本中的动作和人物，你就可以为你的人物规定需要，然后为实现这一需求设置种种障碍。 没有冲突就没有戏剧。没有需求，就没有人物。没有人物也就没有动作。 一个人的行为而不是他的言谈，表明了他是一个什么样的人。当你着手探索主题时，你会发现你剧本中的一切事情都是互为关联的。没有一件事是偶然纳入的，或仅因为它机智可爱而被纳入的。莎土比亚有句名言：“即便一只麻雀的死，亦有特殊的天意。”而宇宙的自然法则是：每一个作用力都有一个力量相等方向相反的反作用力。这一法则也适用于你的故事。这就是你电影剧本的主题。 要了解你的主题！
第三章 人物 人物是你电影剧本的根本基础，它是你故事的心脏、灵魂和神经系统。在动笔之前，你必须了解你的人物。 首先，确定你的主要人物。然后，把他（她）生活的内容分成两个基本范畴：内在的生活与外在的生活。 要从内在的生活开始。 写作要具备不断向自己提出问题并且找到答案的能力。这就是为什么我把发展人物称之为创造性的研究工作。 人物的外在的部分发生在电影剧本的开始到最后的淡出之间。首先，要逐个分析他们生活的各种因素或各个组成部分。你应该通过人物与其他人或事件的关系来创造你的人物。所有的戏剧性人物都在三个方面相互作用： 1）在争取他们的戏剧性需求过程中所经历的冲突。 2）他们与其他人物之间的相互作用，是敌对的、友好的，抑或是冷漠的。请记住：戏剧就是冲突。法国著名的电影导演让·雷诺阿(Jean Renoir)曾跟我说过:描写一个混蛋比描写一个好小伙子更有戏剧性效果。 3）他们内在的相互作用。 把你的人物的生活分为三个基本组成部分——职业的（Professional）生活部分，个人的（Personal）生活部分，私生活（Private）的部分。 人物的实质是动作。你的人物实际上是他所做的事。电影是一种视觉媒介，剧作家的责任就是选择一个视觉形象或画面，用电影化的方式使他的人物戏剧化。 对话是人物的一种机能。在你第一稿的前六十页之中会到处出现别扭的对白，这没关系。别担心这些，写到后六十页它就会流畅并起作用了。你写得越多，它就变得越容易。这时，你可以再回来把你电影剧本中前半部分的对话修改顺畅。 对话是和你人物的需求、他的希望与梦想相互联系的。对话必须把你故事的信息或事实传达给观众。它必须推动故事向前发展。它必须提示人物。对话必须展现人物之间和人物内部的矛盾冲突，以及展现人物的感情状况和性格的独特之处。对话来自于人物。
第四章 构成人物 你如何给你的人物“注入生命”？如何去构成你的人物呢？ 关键的词是“过程”。需要一种途径去实现它。 首先，要创作人物的来龙去脉（context）。然后把内容注入其中。确定人物的需求。 人物就是观点——即我们看待世界的方式。这是一种来龙去脉。 我们都具有某种观点——要保证你的人物具有个人的和独特的观点。你创造了来龙去脉，内容就随之而来了。 人物还是一种态度。这也是一种来龙去脉，是展现人物观点的一种感情和行动的方式。 你越能清楚地确定人物的需求，就越容易给这些需求制造障碍。这样就产生了冲突。这有助于你创作一条紧张而富于戏剧性的故事线索。这在喜剧中也是一条卓有成效的规律。 确定人物的需求，然后针对这一需求制造障碍。你对你的人物知道得越多，在故事结构中创作的尺度就越宽。 人物还是个性。每个人物从视觉上都显示出一种个性。 人物还是行为。人物的实质就是动作——什么样的人干什么事。行为是动作。行为向你揭示很多东西。 人物还是我所谓的启示。在故事进程中我们了解到人物的一些事情。 动作即是人物！一个人的所为，而不是他的言谈，表明他是一个什么样的人。 作家常常在一个作品接近完成时，坚持写下去而没有写完。 只是别指望你的人物从第一页就开始跟你讲话。这样是行不通的。如果你作了创造性的研究工作，并熟知你的人物，那么你就会体验到某些阻力，然后才能有所突破，和你的人物发生接触。你的全部工作、研究、准备工作和思考时间的最后结果将是那些真实、生动、可信的人物——真实环境中的真实人物。这是我们共同的目的。
第五章 创造人物 写剧本有两种办法。一种是先有了想法，然后按照这种想法去创造人物。写剧本的另一种办法是创作一个人物；从人物身上会产生出需求、动作和故事。 要记住，剧本的主题是动作和人物。我们已经有了人物了，现在该去找动作了。这是一个漫无目的的创作过程。我们提出一些想法，做出修改，重新安排，也犯错误。我刚说了一件事，接着又反驳了自己。不要着急。我们在寻找一个特定的结果——一个故事。我们必须使自己“找到”它。 要记住，这是一个创作过程，混乱和自相矛盾是在所难免的。 情节点。要记住，它必须是一个能“钩”住动作转向另一方向的事变或事件。
第六章 结尾与开端 方向！──对，正是它！你的故事是从A向前发展到Z；从建置发展到结局。请记住，电影剧本结构的定义是：一系列互为关联的事情、情节和事件按线性安排，最后导致戏剧性的结局。这就意味着你的故事是从开端向前发展到结尾。你应该用10页（10分钟）向你的观众或读者介绍三件事：⒈谁是你的主要人物？⒉戏剧性的前提是什么──亦即故事讲的是什么？⒊戏剧性情境是什么──意即围绕你故事的戏剧性情况是什么？ 很多人不相信，动笔写剧本前需要一个结尾！我听到多少次论证、争论等等。 当你开始动笔时，你必须知道的第一件事就是结尾。 你的故事总要向前发展──它沿着一条途径、一个方向、一条发展线，从开端到结尾。方向就是一条发展线，一路上遇到一些事情的途径。知道你的结尾。你不必知道具体的细节，但是你必须知道结尾发生了什么事。 你的故事就象是一次旅行，结尾就是目的地。二者是联成一体的。凯特·斯蒂汶斯在他的歌《就座》中概括了这一点：“生活就象多重门的迷宫。扇扇门都得往里推才打得开。伙计，你就只管推门而进，不论你怎样走，你都可能绕回到开始的地方。” 中国有句成语：“千里之行，始于足下。” 结尾与开端是相互联结的，这一原则可适用于电影剧本。 所以一个结尾始终是一个开端，而另一个开端也就是另一个结尾。如同生活一样，电影剧本中的每一件事都是相互关联的。 结尾和开端犹如一枚银币的两面。一定要仔细地选择，从而戏剧化地构成你的结尾。 当你知道了你的结尾．你可以有效地选择你的开端。 如果你已经决定了结尾，你可以选择一个事情或事件能引导到影片结尾。 一种类型的开端，可以是视觉感染力很强、很令人兴奋的进程，它能一下子抓住观众；另一种类型的开端，可以以一种速度极快的解说式的镜头去建置剧中的人物。你的故事决定了你去选择哪种类型的开端。 在什么地方出现片头字幕，这是个由电影片决定，不是由你剧作者决定的事。决定在什么地方出现字幕是一部电影制片时最后的事情，是由电影剪缉和导演来决定的。 你的电影剧本一开始的前十页是最为重要的。在这十页之内，一个读者将要知道你的故事是否引人入胜，它是不是开始布局了。这正是读者的工作。 对卖给好莱坞的电影剧本设有一个专门阅读剧本的人（reader）。在好莱坞那里，没有人读剧本，制片人不读，只有专门阅读剧本的人读。 对编剧人员来说，看电影是最重要的事情。去看各种各样的电影：好的影片、坏的影片、外国影片、老影片和新影片等等。你从看的每一部影片中都能获得经验，如果认真地看，它就会帮助你逐渐地对电影剧本有越来越深入的了解。看一部影片应该象参加一次工作会议，要去谈，去讨论它，并且看看它是否和哪个示例相吻合。 对一部结构很好的影片说来，结尾和开端是最重要的。所以，写电影剧本的开端的最好方法是什么？那就是：要清楚知道你的结尾！
第七章 建置 电影剧本中的一切都是互相夫联的，所以从一开始就要介绍你故事的组成部分，这一点是首要的。你有十页的篇幅去抓住或钩住你的读者，这样一来，你就必须立刻建置你的故事。 你必须以视觉的方式把故事中的信息建置起来。读者必须知道：谁是主人公，故事的戏剧前提是什么——也就是故事要讲的是什么，以及戏剧性的情境——围绕动作的境况。
第八章 段落 “协同动力学”（synergy）是对系统的研究，它研究系统作为整体而独立于它的各个工作部分时发生作用的情况。 电影剧本是由一系列的元素组成的，可以把它比作一个“系统”，即很多互相关联的独立部分有秩序地加以安排成一个统一体或整体。 电影剧本象一个系统，它由若干特定的部分组成，这些部分是由动作、人物和戏剧前提联系和统一起来的。我们是通过它能不能“发挥作用”或作用发挥到什么程度来对它加以衡量或评价的。 一个电影剧本做为一个“系统”，是由结尾、开端、情节点、镜头与特技效果、场面以及段落构成的。这些故事的诸元素由动作和人物的戏剧性推动力统一在一起，按照特殊的方式加以安排，然后从视觉上展示出来，从而创造一个整体，就是众所周知的“电影剧本”──用画面叙述的故事。 从我的角度来说，段落（scquence）①是电影剧本最重要的组成部分。它是电影剧本的骨架或脊梁骨；它把所有的东西串在一起。 段落就是：用单一的思想把一系列场面联结在一起。它是统一在单一思想下的一个单元或一个戏剧性动作的单位。 段落是电影剧本的骨架，因为它把一切都安排妥贴。你可以直接地把一些场面“串”起来或“挂”起来，从而创造成一大段戏剧性动作。 一个段落也正是这样：通过单一的思想把一系列场面联系在一起。 每一段落都有明确的开端、中段和结尾。 用单一的思想把一系列场面连结或联系在一起，并有明确的开端、中段和结尾，它就是电影剧本的一个缩影，就好比一个单细胞亦包含着一个宇宙的基本特点一样。 它是理解如何写电影剧本的重要的概念。它是电影剧本的组织框架，是形式，是基础，是蓝图。 开端，中段，结尾。
第九章 情节点 写作最困难的事是知道要写什么。当你写一个电影剧本时，你必须要知道你要写什么；你必须有一个方向──一条导致解决、结尾的发展线。如果你不这样做，那就麻烦了。那你很容易就会迷失在自己的创作的迷宫之中。 情节点，它是一个事件，它“钩住”动作，并且把它转向另一方向。 它把故事推向前进。 它们是你故事线上的锚。在你开始动笔之前，你需要知道四件事：结尾、开端、第一幕结尾的情节点，以及第二幕结尾的情节点。 掌握情节点的知识，是写电影剧本的最基本要求。要注意情节点，你们在看电影时要找出它们来，读电影剧本时要讨论它们。 每部电影都有情节点。 当你看一部影片时，确定它的情节点。 了解和掌握关于情节点，是电影剧本写作的基本要求。每一幕结尾的情节点是戏剧动作的环节；它们把一切都串在一起。它们是每一幕的路标、目的地、目标或指定点——是戏剧性动作的链条中的链环。
第十章 场景 场面是你剧本中最最重要的因素。在场面里发生某件事情──发生某些特殊的事。它是一个动作的特殊单位──是你讲故事的地方。 良好的场面产生良好的电影。当你想到一部好电影时，你记得的是场面,而不是整部影片。 你在纸上表现场面的方式最终影响着整个剧本。剧本是一个阅读的经验。 场面的目的是推动故事前进。 场面根据你的需要可长可短。 每个场面都具有两样东西──地点和时间。 场面的变换在剧本的发展中是极其重要的。一切都发生在场面中──是你用活动影像来讲故事的地方。 每个场面至少向读者或观众揭示必要的故事信息的一个因素。它很少提供更多的因素。观众接受的信息是场而的核心或目的。 一般来说，有两类场面：一类是，这里发生了某些视觉性的事情，另一类是人们之间的对话场面。大多数场面是两者的结合。 你要找出场面内的成分和元素。 当你写一个场面时，设法寻找一种与场面“反衬”的戏剧化方法。 你能驾驭你的故事，而不是让故事驾驭你。作为一名作家，你必须在场面的结构和表现中进行选择和承担责任。 寻找冲突，制造困难，尽可能多的困难。这能增加紧张性。 喜剧就是要创造一个情境，然后让人物对这个情境或相互之间做出动作和反动作。在喜剧中，你不能让你的人物故意去逗笑。他们必须相信自己所做的事，否则就会变得牵强和造作，因此也就不可笑了。 找到场面内的成分从而使场面运转起来。 一个场面很少是全部表现出来的。更经常的是表现整体中的片断。 在场面中某一特殊动作行将结束之际才进入。
第十一章 构筑剧本 每一幕都是戏剧性动作的一个单元、或组块。 在每一幕中，你都是从一幕的开端开始向这一幕结尾的情节点发展。这意味着，每一幕都有一个方向，一条从开端到情节点的发展线。而第一幕与第二幕的结尾的那两个情节点是你的目的地；它们就是你在构筑和结构你的电影剧本时，将要去的地方。 你的故事决定你需要用多少卡片。 用卡片是极好的方法。你可以用各种方式去安排场面，和重新安排，增加几张，去掉几张。它是简单、方便而有效的方法，它可以使你以最大的灵活性去建设电影剧本。 牛顿的运动第三定律吧：“对于每一个作用力，都有一个力量相等和方向相反的反作用力。”这条原则在构筑电影剧本中也起作用。 动作──反动作，这是宇宙的法则。在电影剧本之中，如果你的人物作出动作，而别人或其它物件作出的反动作是能引起你的人物再作出一个反动作。这样他一般就创作一个新的动作，而这又引起另一个反动作。 人物作出动作，有人做出反动作，动作──反动作，反动作──动作，使你的故事朝着每一幕结尾的情节点发展。 很多新手或者没有经验的剧作家总是让主人公遇到什么事，总是让他们对他们的环境作出反动作，而不是根据他们的戏剧性需求去动作。人物的实质是动作；你的人物必须采取动作，而不是反动作。
第十二章 写电影剧本 写作的最难之处在于知道要写什么。 要弄清楚这是否是你最佳的工作时间。 写作是件日复一日的差事。你要逐个镜头、逐个场景、逐页、逐日地写你的电影剧本。给自己定下目标。一天写三页是合理的和切实可行的，这大约是一天近一千字。如果你的电影剧本有120页的篇幅，每天三页、一星期工作五天。那么，完成第一稿需要多少时日呢？四十个工作日。 当你专心写作时，虽然你在外部很接近你所爱的人们，但你的思想和注意力是在千里之外了。 当你需要些时间来写电影剧本时，不必感到“内疚”。 制定个写作日程表：上午10点30分至12点，或是晚上8点至10点，或者晚9时至深夜。有了日程表,遵守纪律的“问题”就容易掌握了。 制定好写作日程表之后，你就可以工作了，在一个美好的日子里坐下来着手动笔。 出现的第一件事是什么呢？ 阻力！不错，正是它。 写作是一个体验的过程，是一个学习的过程，它需要写作的技巧与协调的能力，就象学骑自行车、游泳、舞蹈或打网球一样。 当你真坐下来写的时候，又蹦出个另一个“新”的念头，如此反复不已。它是个阻力，一种思想上的开小差，一种逃避写作的方式。 我们全都是这样的。在编造出各种理由和借口不去写作这方面，我们是大师。这是创作过程中的“障碍”。 写作是日复一日的劳动，一天要两、三个小时，一星期三、四天，一天三页，一星期要写10页。一个镜头接一个镜头，一个场面接一个场面，一页接一页，一个段落接一个段落，一幕接一幕地写下去。 在写电影剧本初稿时，你要经历三个阶段。 第一阶段，是把字“写在纸上”的阶段。这时你把一切都写下来。 第二阶段。即对你所写的东西作一次冷静、严厉而客观的检查。这是电影剧本写作中的最机械、最没有灵气的阶段。 第三阶段。在这个阶段你要检查一遍你所写的东西，真正把故事写出来。你要进行加工，突出重点，进行润色，或重写一些，让它更精炼一些，使它活起来。 写电影剧本，你必须学会忍痛割爱。 坚持写，日复一日，一页复一页地写。写得越多，就越感到容易。当你几乎要完成时，也许在最后的10页—15页，你会发现你在“拖拉”。你也许会用四天时间才写一个场面，或一页稿纸，并且感到疲倦和无精打采。这是一种自然现象：你就是不想结束，不想完成它。 当它结束后，你会体验到种种情绪反应。首先，是满意和松了一口气。几天之后，你会感到消沉、压抑，不知该怎样打发时间了。你可能会贪睡，浑身没有劲儿。我把这称之为：“产后郁闷”时期。这就象生孩子一样，你花费相当长的时间致力于某件事，它成了你身体的一部分，它使你一早就醒过来，夜里睡不着，现在一切全都过去了。所以消沉和郁闷是自然的。但是，一件事情的结束总是另一件事情的开始。这不就是开端和结尾吗？ 上面就是写作电影剧本的全部体验。
第十三章 剧本的形式 千万别给读稿者以口实来不读你的剧本。这就是剧本形式的问题。什么样的是专业剧本，什么样的不是。 剧本的形式是简单的。实际上它简单到大多数人都试图把它弄得复杂些。诺贝尔奖金获得者、加利福尼亚州技术研究所的物理学家理查德·费恩曼曾谈到：“自然的法则是如此简单，以至于我们必须提到科学思想的复杂性的高度之上去认识他们。” 剧作者的工作是写剧本。导演的工作是把剧本拍成影片，把纸上的字变成影片上的形象。摄影师的作用是决定场面的照明和摄影机的位置，从而以电影化的方式抓住故事。 电影是合作的媒介。人们一起工作，共同创作一部影片。 镜头就是摄影机所看到的东西。场面是由镜头组成的。是单个镜头，还是一组镜头，无论多少，还是什么样的镜头，这都无关紧要。镜头有各种各样的。 别怕犯错误。掌握它要有个过程。你写得越多就越得心应手。 从一开始就要按电影剧本的形式写。这是对你的忠告。 找出你的镜头中的主体。 术语：1、【角度对准】一个人、地点或事物（镜头的主体）。2、【主要表现】也是对人、地点、或事物。3、【另一个角度】镜头的变化。4、【更宽的角度】场面中焦点的变化。5、【新角度】另一种镜头变化，常用来“冲破纸面限制”而获得“电影化的面貌。6、【视点】一个人的视点，他看到的东西是怎样的。7、【反拍角度】视角的变化，通常与视点的镜头相反。8、【过肩镜头】通常用于视点和反拍角度镜头。一般把一个人物的肩头摆在画面的前景，他所看到的东西处在画面的后景上。画面是摄影机所看到的界限，有时称作“画框边”（frame line)。9、【运动镜头】重点在镜头的运动。10、【双人镜头】镜头的主体是两人。11、【近景】就是近：要少用，只为强调而用。12、【插入镜头】某物的近景：把不论是一份电报、报纸报道、标题、钟面、表盘或电话拨盘等镜头插入场面之中。
第十四章 改编 把一部小说、一本书、一出舞台剧或一篇文章改编成电影剧本跟创作独创的电影剧本是一样的。“进行改编”（to adapt）意味着从一种媒介改变成另一种媒介。改编（adaption）的定义是：“通过变化或调整使之更合宜或适应的一种能力”──也就是把某些事情加以变更从而在结构、功能和形式上造成变化，以便调整得更恰当。 换句话说，小说就是小说，舞台剧就是舞台剧，电影剧本就是电影剧本。把一本书改编成电影剧本，意味着把这一个（书）改变成为另一个（电影剧本），而不是把这一个叠加在另一个之上。它不是拍成电影的小说，或者拍成电影的舞台剧。它们是两种截然不同的形式。一个是苹果，另一个是桔子。 当你改编一部小说时，你没有必要把自己仅限于忠实于原素材的地步。 T·S·艾略特有句名言:“历史不过是编造的通道。” 如果你必须增添新的场面，做就是了。如果需要的话可以加进几个事件，使得故事更加个性化，只要它们能导致准确的历史结果就行。 在电影剧本中，事实支承着故事；你甚至可以说，它们创造了这个故事。 在电影剧本写作中，你是从一般到特殊，你先找出这个故事，然后收集事实。在新闻报道写作中，你是从特殊到一般；你先收集事实，然后再找出故事。
第十五章 论合作 电影是一门合作的媒介。 电影剧作家始终在和别人合作。 剧作家们出于不同的原因而进行合作。 在合作过程中有三个基本阶段：一、建立合作的基本规则，二、写电影剧本所必须的准备工作；三、实际写作本身。这三个全是重要的。如果你决定合作，你必须睁大眼睛去这样做。 合作意味着在一起工作！ 合作或任何关系的关键，就在于互通信息。你们必须相互讨论。不互通信息，就没有合作，那只能是误解和意见不一。这没有出路。 有时你不得不批评你的合作者写的东西。 “要判断别人，首先要判断自已。”你必须尊重和满怀希望地支持对方。 合作也是一次学习的经验。 合作意味着“一起工作。”
第十六章 剧本写完之后 把原稿保存起来，千万、千万不要把原稿交给任何人。 当他们读过剧本之后，倾听他们说些什么。不要为你所写的东西辩解，不要装着在洗耳恭听,而事后感到气愤或伤心，总觉得自己是对的。 向他们提出问题，追问他们。 和他们一起研究那个故事。找出他们喜欢什么，不喜欢什么，哪里打动了他们，哪里没有。 扉页就是扉页。 第十七章 作者札记 人人都是作家。 麦克唐纳公司（theMcDonald'sCo.）的海报《再接再厉》概况了它的格言： 世界上没有任何东西能代替持之以恒：才华不能代替──是常见的是失败的天才；天才也不能代替──没有成果的天才只能被当成笑料；教育也不能代替──这世界充满了受过教育的废物。只有持之以恒和决心，才能有无上的权威！ 当你完成了你的电影剧本时，你已经取得了一个伟大的成就。你把一个构思，发展成一条戏剧的或喜剧的故事线，然后坐下来用几个星期或几个月把它写下来。从开始到完成，是一个满足和得到回报的体验。你做了你决心要做的事情。这是值得骄傲的！才能是天赋的，你具备它或者不具备它，但是这并不妨碍写作的体验。写作自身会给你带来报偿。要享受它。努力干吧。
