2012年抽象油画系列《琴曲》

从城市 , 到城市边缘 , 一颗浮躁的心
墨色 , 暮色 , 离不开的黯然
而黑色 ,可以用它来描述一些光明
对于抽象 , 是我最直接的旋律
开始时带着宣泄 , 后来变成泼洒 , 即兴的习惯已经无法改变
画面记录的只是那一段段莫名的孤寂
时间在流逝 , 而生活还在继续 ...
沈丕基 写于2013
耳视目听者
“听于无声，视于无形”古代道家的一种修养境界，认为视听由精神所主宰，可不受器官的限制。《列子·仲尼》：“ 老聃 之弟子有 亢仓子 者，得 聃 之道，能以耳视而目听。” 张湛 注：“夫形质者，心智之室宇。耳目者，视听之户牖。神苟彻焉，则视听不因户牖，照察不阂墙壁耳。”
听觉与视觉，都是人类两大重要的艺术感官。“声、音、乐”引发了情绪，这种通过声音引发的思考，特别具有抽象性，所谓声音艺术有一定的“画面感”。我们常常在视觉艺术中引用听觉艺术之词汇“音乐性”、“节奏感”，来阐释造型艺术中的韵律感。中国传统音乐中的一个根本性要素就是“韵”，由韵组成的律就形成“韵律”，它可以联系到艺术的其他门类。对音乐抽象性可以引申三段论（syllogistic)到诗歌和视觉艺术中的抽象性问题之阐述，因为这几方面是有其共通性的。音乐的要素连接到了诗歌之中，因为诗歌虽属文学范畴，但诗歌的结构离不开韵律，视觉艺术的结构也离不开音乐性与诗歌性，体现艺术家的精神范畴。
抽象，作为人类认识事物的重要方式，是人天然便具有的一种思维能力。抽象艺术被西方艺术史明确定位下来，并在某一特定历史时期得到集中的大发展，乃是社会形态进入到一定阶段的必然结果。中国的抽象艺术实际上还处在向西方学习的过程。在今天中国社会的整体大背景之下，抽象作为专门的领域被关注、探索和实践，是有价值的。从中国社会发展的历史来看，之前的批判性、干预社会的现实主义艺术已经发展得很强烈，抽象艺术的存在丰富了文化形式、艺术语言和人文价值，是文化发展的需求，也是现代性张扬的需求。每个人看到的“象”都是不同的，中国传统讲究的是一个意境的问题，意境也可以说是一种模糊的概念，就像禅语中的“不可说、不可说”，而在这一点与西方的严格艺术进展理论并没有冲突，人类在精神的追求实际上是同步进展的，只有不知道以后是什么，才有新的可能性！ 最终都是在传达一个生活的感触与精神的一个阶段性追求与体现。
关于宇宙之弦，它揭示了一个十一维的宇宙。那里，空间的纤维撕裂了又自己缝合起来，一切物质——从最小的夸克到最巨大的超新星——都在微观的小能量环的振动中产生。而古琴，恰恰就是中国传统宇宙观、社会观、价值观的浓缩。它的制作是伏羲依照宇宙之数所制，琴长3尺6寸5分，代表一年有365天；琴面是弧形，象征「天圆」；琴底为平，象征「地方」；古琴有13个标志泛音位置的徽，代表着一年12个月及闰月。古琴七根弦，象征着天、地、君、亲、师、文、武。通过多年的斫琴与演奏，沈丕基试图用艺术的角度来联系与表现这些弦与线之间的关系，出于新科，新材料的兴趣，科学前沿理论的关注和对西方哲学以及东方禅宗思想的广泛涉猎，乃至对时间、空间的无尽遐想，艺术家统称之为是个人好奇心作祟，这也是他的艺术创作始终保持活力的原因所在。“琴曲系列”抽象画作品，正好与沈丕基自身这段时间对古琴的研究息息相关，这批抽象油彩系列也不是短时间内的偶得，而是个人通过十年以来刻苦练习演奏后的一些琴曲，对琴曲意境深刻感悟而创。如：《山居吟》、《樵歌》、《渔歌》等琴曲同名作品。在真实的演奏者与山居生活中的感受，凝聚成全新的抽象画面感。在材料上使用了中国特有的大漆、天然漆等，选择了纯粹的泼墨方式在油画布上的当代性实验，在自然与放松的状态下一气呵成。
 沈丕基以一张古琴为元素，用各种艺术形式呈现，与国外自由爵士艺术、行为艺术、诗歌艺术的即兴合作频频可见，创作跟着时代的脚步，在追寻一种道家与魏晋精神面貌上，即没有迷失传统的观念，也不墨守成规在传统美学上，2014年香港的“沈丕基的线”个人当代艺术展中，艺术家使用了不锈钢古琴、激光、新鲜骨头、装置、影像、行为艺术等，更加多元地表现了这个主题的思考。长期坚持以音乐中的即兴精神将声音、视觉与行动的交互为介质切入对当代艺术的表现，创作动机与个人生活联系紧密，作品面貌多呈现为对深圳城市的快速发展变化的关注与感受，每向前一步都可能变成一种业界新的突破。