YOSHIKI SELECTION II
1、 C大调弦乐小夜曲第一乐章 作品第48号(柴可夫斯基)
演奏：柏林爱乐乐团
指挥：卡拉扬（Herbert von Karajan)
这首柴可夫斯基的弦乐小夜曲在“DAHLIA TOUR”中,从某种意义上来说可以被认为是能把YOSHIKI对生活的态度用音乐形式具体表现出来的作品。并且是作为YOSHIKI的drum solo中前奏部分的声效(SE)被使用着。
“因为很喜欢这首曲子,前一张的[YOSHIKI SELECTION]中也有收录。总觉得这是首能使自己情绪高昂,融合了紧张感与高扬感的曲子。”
正如YOSHIKI所感受到的, 柴可夫斯基在音乐中表现了 “人类在命运面前苍白无力,人类无法支配命运” 这样一种深刻的主题。基于这种想法, YOSHIKI在“向肉体的极限和医学常识挑战”的激烈drum solo的前奏部分加入了这首曲子,即使在鼓手生涯受到威胁的今天,YOSHIKI依然向残酷的命运挑战,选编了这张合辑,并在开始部分依然选择了这首曲子。
从中我们可以窥视出YOSHIKI娴熟运用其敏锐音乐嗅觉的才能。
2、 无言歌第十四首 作品第34号(拉赫曼尼洛夫)
演奏：柏林爱乐乐团
指挥：洛林•马泽尔(Lorin Maazel)
12岁进入莫斯科音乐学院,19岁就被世人认可的俄国伟大的作曲家,伟大的钢琴家拉赫曼尼洛夫。最先发现他的才能就是上面提到过的柴可夫斯基。但是,就在第二年,柴可夫斯基在自己声名最鼎盛的时期自我终结了生命。由此产生悲观情绪的拉赫曼尼洛夫写了《悲歌三重奏》作为祭奠献给柴可夫斯基。
本专辑开头的这两首紧挨着的曲子,本是无意识地被选在了一起,不知不觉中相互竟产生了如此意义上的关联。YOSHIKI这种无意识的行为充分展现出了他不可思议的感性。
后来, 拉赫曼尼洛夫在俄国大革命后亡命瑞典,辗转于欧美各国之间,晚年时虽难以抚平心中对故国的浓浓乡愁,最终仍是在落山矶终其一生。
3、 a小调第三号风琴曲(弗兰克)
演奏：彼得•哈佛（Peter Hurford）
“说起前回充满实验性的一面,是因为所谓的个人SELECTION基本上没什么先例可言,只是觉得有趣才尝试的。这次我想做对于自身来说更具深意的东西,因为我喜欢管风琴和风琴音乐,所以这里面完全是兴趣的世界。”
当欧洲音乐界正被作为综合艺术的歌剧所倾倒时, “崇高的风琴家,风琴作曲家,教育家”——弗兰克却与其背道而驰,在风琴音乐中探索能超越歌剧的其他音乐的可能性。
为了赋予故国——法国的青年作曲家们自己的创作精神, 弗兰克自成一派——“弗兰克派”,并因此声名大噪。对那些无论多年轻的作曲家,都不以师自居,而是以友相称。这种精神,或许可以说是YOSHIKI主办的 “Extasy record”在百年之前的雏形。
这部赞美诗是弗兰克临终前的最后一部作品，明显刻有他印记的反主流颠峰之作。 弗兰克的手法和精神正通过“弗兰克派”后继者们以风琴交响乐的形式永远地传承下去。
4、 升c小调第五交响曲第四乐章(马勒)
演奏：爱乐管弦乐团
指挥：西诺波里 (Giuseppe Sinopoli)
这首交响曲是诗人吕克特的遗作诗集再配以乐队的演奏。诗集的标题是《追悼亡子之歌》，也就是这首交响曲的副标题。再说马勒自己,1907年长女因病去世，1904年这首曲子完全写成的时候,马勒与妻子和两个女儿还过着幸福的生活。他的妻子爱尔玛曾这样追述道“马勒抱着我们的孩子,轻轻抚摸着她的面颊,大约30分钟后写出了这首祭歌……为那首诗谱曲就好象是用音乐预示了他的人生,真是向命运的一种挑战啊”。
这里又一次出现了“向命运挑战”这样的关键词,这首曲子也作为前奏出现在了YOSHIKI的另一张solo section的piano solo里。
“知道吗……在写曲子的时候会有一种预感。我也一定会在若干年后,用自己的曲子抚平心伤……我已经不记得多少次用曲子解救过自己了。所以现在写着曲子,是为了拯救未来的自己。曲子和自己之间,总是有一种不可思议的联系啊。”
5、 G大调第一无伴奏大提琴组曲序曲 作品第1007号(J•S巴赫)
演奏：富尼埃（Pierre Fournier）
“那个时代的曲子至今仍然被聆听着,实在是件很棒的事啊。连我自己也受了相当大的影响。即便是X,在主旋律和编曲的脉络上也常常使用巴赫的手法。另外,我喜欢弦乐,特别是小提琴和大提琴,所以这是一首一定要收入进本专辑的曲子。”
深得YOSHIKI宠爱的弦乐器具有“紧张感”的特性,如果说前作中被选入的西贝柳斯的“小提琴协奏曲”是此中代表的话,那么这首曲子可以说被渗透了弦乐的另一个特质——深度性。同时,说起在日本江户时代初期就能写出、即使拿到现在来看也毫无古旧之感的旋律，这一事实真是令人惊叹。确实可以被称为是“永远的存在”的作品啊！
6、 抒情组曲第四乐章(贝尔格)
演奏：柏林爱乐乐团
指挥：卡拉扬（Herbert von Karajan)
“这是在drum solo结束时根据当时的状况,我倒下的那一刻响起的曲子。是首具有相当现代感的作品啊。”正如YOSHIKI所说的,贝尔格扮演连接着后浪漫派和现代音乐桥梁的角色，在音乐中导入数学概念和12音技法的奥地利作曲家。“抒情组曲”是被公认的最早运用12音技法的作品。具有规则性的12音技法和自由的作曲法(如本曲的第一乐章)共同出现在这首曲子中,但依然成功地保留了作品的样式和统一感。贝尔格和前面提及的马勒的妻子爱尔玛的义妹汉娜福克斯坠入了热恋,并用她名字的缩写HF和自己名字的缩写AB组合成HFAB的和弦，在第6乐章的重要部分的段落中反复使用。从中也可以窥视中原本是文学青年的贝尔格浪漫主义的那部分。
7、 c小调第二钢琴协奏曲第二乐章 作品第18号(拉赫曼尼洛夫)
钢琴独奏：斯维亚托斯拉夫•里赫特（Sviatoslav Richter）
伴奏：华沙爱乐乐团
指挥：魏斯洛基（Stanislaw Wislocki）
这是拉赫曼尼洛夫登场的第2首曲目。 拉赫曼尼洛夫在28岁的时候才写成的这部作品获得了空前的成功,因而被评论为“使其他作品的存在感荡然无存”的代表作。 “这首曲子的部分被用于piano solo中。听了这个selection后,听众可能就会理解我之前铺垫的一些暗示了。受古典乐的影响真是太深了。但是拉赫曼尼洛夫作的曲子很难,听了之后就能意识到正在演奏的钢琴师的手有多大了。”
生活在20世纪的拉赫曼尼洛夫留下了大量自己演奏的录制唱片。他的演奏风格和华丽的肖邦不同,从他直接的演奏中可以听出其注重精神层面,发自灵魂深处的,含蓄的抒情性。能做到这一点的古典音乐作曲家为数不多,而他就是其中一人。
8、 D大调第三管弦乐组曲咏叹调(J•S巴赫)
演奏：柏林爱乐乐团
指挥：卡拉扬（Herbert von Karajan)
前一张的最后也有收录这首曲子, 换句话说,是“G弦上的咏叹”的另一个演奏版本。
比如,就像YOSHIKI自己写的,在X的二枚装album中收录有两个不同的版本一样,这种做法可以看出YOSHIKI作品中独特的浪漫气质。
“因为是充满各种回忆的曲子,还是坚持再一次将其收录。也因为是不同的演奏版本,所以和前一次收录的比较来听的话会很有趣。听了这首曲子,真的会回想起过去一场一场的LIVE呢……”
当这个旋律响起时发生的一幕幕场景,至今仍烙印般地珍藏在很多人的心中,另外这次的演奏是卡拉扬指挥的柏林爱乐乐团的作品。
9、 Amethyst(YOSHIKI)
演奏：伦敦爱乐乐团
指挥：马丁（George Martin）
对于作为专辑压轴的这首曲子,已经没有必要多说什么了吧。
“疲于各种纷繁是非的时候,迷失自我到好象快要不行了的时候,为了给自己的心灵疗伤而创作的曲子。伴随着让人感受到大地般的广博和无限的温柔,以及被永恒包围着的肃穆之感的旋律中,X的音乐会开始了……”
“这是最后也是最初的曲子” 在这种完全被YOSHIKI赋予的双重意义下,album落幕了。在他某一天再次说起那个“暗示”的意思之前,Amethyst优美的旋律将一直回响在你的心中,弹奏着……直到永远……
——羽積秀明 FOOLS’ MATE
后记：
人的吐息韵律加上弦的振动,使空气颤动的时候,产生了“音”。随着时光流逝,比起任何语言,它都能更加准确地传达人的感情、愿望、思维、喜悦、悲伤、愤怒、忏悔……以“音”传达的情感逐渐累积,最终成为了不仅使空气,连人心都被震撼的音乐。其中有些“音乐”超越了国籍、语言、宗教,一直震撼着人们的心灵。换句话说：震撼了数百年的时间长河,成为人们心中永远的存在。
“所以,所谓的古典音乐,决不是生涩难懂的东西,只是单纯地充满了力量的曲子罢了。”
1991年12月12日,一位常这样说的artist发行了一枚名为“古典乐精选集”的专辑。被音乐不可思议的魅力迷得神魂颠倒的少年,全心全意地编辑了本专辑“YOSHIKI SELECTION ~YOSHIKI所爱的古典音乐”,在国内古典乐销售量中不仅创下了惊人的销售成绩,artist本人还与伦敦爱乐乐团和George Martin会面,自身也成为了超越领域和国境间差异的重要媒介。
从那之后的5年……这位从心底里爱热爱着音乐的artist又为热爱着音乐的每一个人奉上。今天再次重新编排的专辑。实际上这个企画很早就在进行了，只是在那之间遭遇了各种状况和命运的变故,使专辑的发行无法实现。他这样说到：
“一直一直在烦恼着……一直,真的有4、5年的时间了。和制作X的专辑花了几乎同样的时间(笑),一个劲地听大量的古典CD……选择,推翻,选择……已经制作了几十个patten,然后有一天突然的,曲子的顺序一下子排列好了。”
融入了那5年间所发生的各种各样的事,遭遇的各种各样的命运、状况,以及自身随时间流逝而经历的成长的这张精选辑中,赌上人生,用音乐的形式表现对命运的挑衅。从遥远的地平线传来了YOSHIKI那发自内心的,比任何言论都要深邃的“永恒的声音”……
演奏：柏林爱乐乐团
指挥：卡拉扬（Herbert von Karajan)
这首柴可夫斯基的弦乐小夜曲在“DAHLIA TOUR”中,从某种意义上来说可以被认为是能把YOSHIKI对生活的态度用音乐形式具体表现出来的作品。并且是作为YOSHIKI的drum solo中前奏部分的声效(SE)被使用着。
“因为很喜欢这首曲子,前一张的[YOSHIKI SELECTION]中也有收录。总觉得这是首能使自己情绪高昂,融合了紧张感与高扬感的曲子。”
正如YOSHIKI所感受到的, 柴可夫斯基在音乐中表现了 “人类在命运面前苍白无力,人类无法支配命运” 这样一种深刻的主题。基于这种想法, YOSHIKI在“向肉体的极限和医学常识挑战”的激烈drum solo的前奏部分加入了这首曲子,即使在鼓手生涯受到威胁的今天,YOSHIKI依然向残酷的命运挑战,选编了这张合辑,并在开始部分依然选择了这首曲子。
从中我们可以窥视出YOSHIKI娴熟运用其敏锐音乐嗅觉的才能。
2、 无言歌第十四首 作品第34号(拉赫曼尼洛夫)
演奏：柏林爱乐乐团
指挥：洛林•马泽尔(Lorin Maazel)
12岁进入莫斯科音乐学院,19岁就被世人认可的俄国伟大的作曲家,伟大的钢琴家拉赫曼尼洛夫。最先发现他的才能就是上面提到过的柴可夫斯基。但是,就在第二年,柴可夫斯基在自己声名最鼎盛的时期自我终结了生命。由此产生悲观情绪的拉赫曼尼洛夫写了《悲歌三重奏》作为祭奠献给柴可夫斯基。
本专辑开头的这两首紧挨着的曲子,本是无意识地被选在了一起,不知不觉中相互竟产生了如此意义上的关联。YOSHIKI这种无意识的行为充分展现出了他不可思议的感性。
后来, 拉赫曼尼洛夫在俄国大革命后亡命瑞典,辗转于欧美各国之间,晚年时虽难以抚平心中对故国的浓浓乡愁,最终仍是在落山矶终其一生。
3、 a小调第三号风琴曲(弗兰克)
演奏：彼得•哈佛（Peter Hurford）
“说起前回充满实验性的一面,是因为所谓的个人SELECTION基本上没什么先例可言,只是觉得有趣才尝试的。这次我想做对于自身来说更具深意的东西,因为我喜欢管风琴和风琴音乐,所以这里面完全是兴趣的世界。”
当欧洲音乐界正被作为综合艺术的歌剧所倾倒时, “崇高的风琴家,风琴作曲家,教育家”——弗兰克却与其背道而驰,在风琴音乐中探索能超越歌剧的其他音乐的可能性。
为了赋予故国——法国的青年作曲家们自己的创作精神, 弗兰克自成一派——“弗兰克派”,并因此声名大噪。对那些无论多年轻的作曲家,都不以师自居,而是以友相称。这种精神,或许可以说是YOSHIKI主办的 “Extasy record”在百年之前的雏形。
这部赞美诗是弗兰克临终前的最后一部作品，明显刻有他印记的反主流颠峰之作。 弗兰克的手法和精神正通过“弗兰克派”后继者们以风琴交响乐的形式永远地传承下去。
4、 升c小调第五交响曲第四乐章(马勒)
演奏：爱乐管弦乐团
指挥：西诺波里 (Giuseppe Sinopoli)
这首交响曲是诗人吕克特的遗作诗集再配以乐队的演奏。诗集的标题是《追悼亡子之歌》，也就是这首交响曲的副标题。再说马勒自己,1907年长女因病去世，1904年这首曲子完全写成的时候,马勒与妻子和两个女儿还过着幸福的生活。他的妻子爱尔玛曾这样追述道“马勒抱着我们的孩子,轻轻抚摸着她的面颊,大约30分钟后写出了这首祭歌……为那首诗谱曲就好象是用音乐预示了他的人生,真是向命运的一种挑战啊”。
这里又一次出现了“向命运挑战”这样的关键词,这首曲子也作为前奏出现在了YOSHIKI的另一张solo section的piano solo里。
“知道吗……在写曲子的时候会有一种预感。我也一定会在若干年后,用自己的曲子抚平心伤……我已经不记得多少次用曲子解救过自己了。所以现在写着曲子,是为了拯救未来的自己。曲子和自己之间,总是有一种不可思议的联系啊。”
5、 G大调第一无伴奏大提琴组曲序曲 作品第1007号(J•S巴赫)
演奏：富尼埃（Pierre Fournier）
“那个时代的曲子至今仍然被聆听着,实在是件很棒的事啊。连我自己也受了相当大的影响。即便是X,在主旋律和编曲的脉络上也常常使用巴赫的手法。另外,我喜欢弦乐,特别是小提琴和大提琴,所以这是一首一定要收入进本专辑的曲子。”
深得YOSHIKI宠爱的弦乐器具有“紧张感”的特性,如果说前作中被选入的西贝柳斯的“小提琴协奏曲”是此中代表的话,那么这首曲子可以说被渗透了弦乐的另一个特质——深度性。同时,说起在日本江户时代初期就能写出、即使拿到现在来看也毫无古旧之感的旋律，这一事实真是令人惊叹。确实可以被称为是“永远的存在”的作品啊！
6、 抒情组曲第四乐章(贝尔格)
演奏：柏林爱乐乐团
指挥：卡拉扬（Herbert von Karajan)
“这是在drum solo结束时根据当时的状况,我倒下的那一刻响起的曲子。是首具有相当现代感的作品啊。”正如YOSHIKI所说的,贝尔格扮演连接着后浪漫派和现代音乐桥梁的角色，在音乐中导入数学概念和12音技法的奥地利作曲家。“抒情组曲”是被公认的最早运用12音技法的作品。具有规则性的12音技法和自由的作曲法(如本曲的第一乐章)共同出现在这首曲子中,但依然成功地保留了作品的样式和统一感。贝尔格和前面提及的马勒的妻子爱尔玛的义妹汉娜福克斯坠入了热恋,并用她名字的缩写HF和自己名字的缩写AB组合成HFAB的和弦，在第6乐章的重要部分的段落中反复使用。从中也可以窥视中原本是文学青年的贝尔格浪漫主义的那部分。
7、 c小调第二钢琴协奏曲第二乐章 作品第18号(拉赫曼尼洛夫)
钢琴独奏：斯维亚托斯拉夫•里赫特（Sviatoslav Richter）
伴奏：华沙爱乐乐团
指挥：魏斯洛基（Stanislaw Wislocki）
这是拉赫曼尼洛夫登场的第2首曲目。 拉赫曼尼洛夫在28岁的时候才写成的这部作品获得了空前的成功,因而被评论为“使其他作品的存在感荡然无存”的代表作。 “这首曲子的部分被用于piano solo中。听了这个selection后,听众可能就会理解我之前铺垫的一些暗示了。受古典乐的影响真是太深了。但是拉赫曼尼洛夫作的曲子很难,听了之后就能意识到正在演奏的钢琴师的手有多大了。”
生活在20世纪的拉赫曼尼洛夫留下了大量自己演奏的录制唱片。他的演奏风格和华丽的肖邦不同,从他直接的演奏中可以听出其注重精神层面,发自灵魂深处的,含蓄的抒情性。能做到这一点的古典音乐作曲家为数不多,而他就是其中一人。
8、 D大调第三管弦乐组曲咏叹调(J•S巴赫)
演奏：柏林爱乐乐团
指挥：卡拉扬（Herbert von Karajan)
前一张的最后也有收录这首曲子, 换句话说,是“G弦上的咏叹”的另一个演奏版本。
比如,就像YOSHIKI自己写的,在X的二枚装album中收录有两个不同的版本一样,这种做法可以看出YOSHIKI作品中独特的浪漫气质。
“因为是充满各种回忆的曲子,还是坚持再一次将其收录。也因为是不同的演奏版本,所以和前一次收录的比较来听的话会很有趣。听了这首曲子,真的会回想起过去一场一场的LIVE呢……”
当这个旋律响起时发生的一幕幕场景,至今仍烙印般地珍藏在很多人的心中,另外这次的演奏是卡拉扬指挥的柏林爱乐乐团的作品。
9、 Amethyst(YOSHIKI)
演奏：伦敦爱乐乐团
指挥：马丁（George Martin）
对于作为专辑压轴的这首曲子,已经没有必要多说什么了吧。
“疲于各种纷繁是非的时候,迷失自我到好象快要不行了的时候,为了给自己的心灵疗伤而创作的曲子。伴随着让人感受到大地般的广博和无限的温柔,以及被永恒包围着的肃穆之感的旋律中,X的音乐会开始了……”
“这是最后也是最初的曲子” 在这种完全被YOSHIKI赋予的双重意义下,album落幕了。在他某一天再次说起那个“暗示”的意思之前,Amethyst优美的旋律将一直回响在你的心中,弹奏着……直到永远……
——羽積秀明 FOOLS’ MATE
后记：
人的吐息韵律加上弦的振动,使空气颤动的时候,产生了“音”。随着时光流逝,比起任何语言,它都能更加准确地传达人的感情、愿望、思维、喜悦、悲伤、愤怒、忏悔……以“音”传达的情感逐渐累积,最终成为了不仅使空气,连人心都被震撼的音乐。其中有些“音乐”超越了国籍、语言、宗教,一直震撼着人们的心灵。换句话说：震撼了数百年的时间长河,成为人们心中永远的存在。
“所以,所谓的古典音乐,决不是生涩难懂的东西,只是单纯地充满了力量的曲子罢了。”
1991年12月12日,一位常这样说的artist发行了一枚名为“古典乐精选集”的专辑。被音乐不可思议的魅力迷得神魂颠倒的少年,全心全意地编辑了本专辑“YOSHIKI SELECTION ~YOSHIKI所爱的古典音乐”,在国内古典乐销售量中不仅创下了惊人的销售成绩,artist本人还与伦敦爱乐乐团和George Martin会面,自身也成为了超越领域和国境间差异的重要媒介。
从那之后的5年……这位从心底里爱热爱着音乐的artist又为热爱着音乐的每一个人奉上。今天再次重新编排的专辑。实际上这个企画很早就在进行了，只是在那之间遭遇了各种状况和命运的变故,使专辑的发行无法实现。他这样说到：
“一直一直在烦恼着……一直,真的有4、5年的时间了。和制作X的专辑花了几乎同样的时间(笑),一个劲地听大量的古典CD……选择,推翻,选择……已经制作了几十个patten,然后有一天突然的,曲子的顺序一下子排列好了。”
融入了那5年间所发生的各种各样的事,遭遇的各种各样的命运、状况,以及自身随时间流逝而经历的成长的这张精选辑中,赌上人生,用音乐的形式表现对命运的挑衅。从遥远的地平线传来了YOSHIKI那发自内心的,比任何言论都要深邃的“永恒的声音”……
