梵高-自画像
假如独立讨论一副画作，而将作者孤立，我认为这样无异于将自我意念强加于他人，还要他人拍手称赞。他一生所作的自画像浩若星辰，但由于个人经历坎坷，每个时期的自画像也就各有其中滋味。
在一张尝试古典风格的自画像中，他像一位冷静的思考者，凝视并打量着画外的我们，冷峻的眼神似乎透露出对生活的绝望。如果说梵高是印象派的代表人物，那么这副写实主义的自画像不仅仅表现出作者对原有技法的熟练，更有一种蓬勃欲试，开创新纪元的力量蕴含在里面。在大面积的灰色调他用明快的亮色勾勒出外形与轮廓，仿佛一篇宏大的乐章，有时却静谧而朴素，似乎久经磨难状。
在他的中期，受到时代的影响，矛盾冲突愈发显著，这时梵高的自画像往往呈现出怪诞的风格，与莫奈的画作不同的是，他更倾情于表现人物内心的矛盾，与同时期的修拉，塞尚相比较，用色也更为大胆，这个时期的自画像用色丰富，节奏明快，因为在前期苦练了基础功底，在中期的自画像上透视，形体，比例等等往往不为所约束，我认为与中国古代山水泼墨有性质上的趋同，化形为意。这期间的自画像多用轻盈的笔触点缀，似乎摆脱前期阴暗的色调，如同吮吸着春雨的樱桃树，迸发出盎然生机，虽然在此期间生活矛盾和社会转型双重压迫着他，这个世界必然是井然有序的运作，叛逆与个性却如此珍贵，甚至连社会也要惧怕，直至死亡的来临，他才得以正名，与莫奈等印象派比较，这个时期的自画像更显狂野，是一场色彩与笔触的狂欢，《向日葵》与《戴麦杆帽的自画像》就是在这个期间诞生，之后的《麦田》系列画作也与此有隐秘的关联，受到当时日本浮世绘的影响，在画面表现出飘渺的画风，这与后期的《星夜》等画作有着莫大的联系，现在许多人认为梵高的作品完全靠自我的天赋，但是《戴黑边帽的自画像》完全否定了这种说法，在这张自画像中浑厚底蕴的彰显亦能佐证，如果没有坚实的基础功底，那么之前的形变以及色彩的变化都只是空中楼阁，虚妄之作罢了。
在他后期的生活中，往往充满着自我否定，精神处在游离状态，脾气愈加暴躁易怒，此刻的自画像与生活的表现出一致、它如实地表现出疯人凝视的可怕和紧张的眼神。一个疯人，或者一个不能控制自己行为的人，无论如何也不能画出这么有分寸、技法娴熟的画来，有如神助般的他怒不可遏，急欲倾泄出对这个世界的质问。世界把自己的癫狂最先传染给人类的画师——就像曾经给他的笔端注入魔力。如同梵高的《包扎着耳朵的自画像》。在这幅画里，我们惊讶地注视着梵高扭曲的面孔、恐怖的眼神和颤抖的手势：他仿佛在代替整个人类受刑，成为痛苦的化身。想到这里，也就能理解梵高作品中挣扎的线条与狂舞的色块：倾泄的颜料里调和着他的血，而画布，不过是他包扎伤口的绷带。这是一位生活在伤口里的大师，他习惯用伤口对世界发言。这是一个疼痛的收割者，他的镰刀最终收获了自己的耳朵。这时期梵高的作品画风又发生了转变，阿尔时期欢快明朗的黄色消失了，代之以更加狂放的笔触和强烈而深沉的色彩，尤其在风景画中，用笔更具有了运动的旋律。此后，他在神智清醒时仍然以挚爱生活的激情不断作画，直至结束生命。所以梵高晚期作品的最大特征就是笔触激烈、粗重，强劲而扭曲的色彩线条构成色面，整个画面洋溢着色彩和笔触的律动感。
造物主的公正让梵高在绘画上天赋异禀，却冷落了他在生活上的无助，不得以要借助当时失败的医术控制自己的精神状况，百年之后的约翰·纳什不得已也经过此机构，在他尚存于世时人们承认了他的聪慧，之后的精神状况在集体崇拜下渐渐好转，假若当时医疗更为完善，假若人们善良包容一点，这位天才也不至于在英年之际长辞于世，在他最后一副自画像上，笔触激烈、粗重，强劲而扭曲的色彩线条构成色面，整个画面洋溢着色彩和笔触的律动感，在背景中，蓝色的笔触像飓风席卷过后的天空，整个画面，似乎被一股汹涌、动荡的激流所吞噬，凌俊的面孔冠有王者的风度，试图剥离每位观画者虚假面具，助使我们得以反破归真，愚昧的人无法剥夺他用画笔表达的权利，给他冠以魔鬼、乃至一个梦魇。我不知道这样的阐述是否应当，过分的解读只会让画作失去它本应有的神秘，在他的风景画中只有对大自然最客观、最真诚、最简练的记录，然而在自画像中，他穷心竭力得宣泄着理智的苦难，在感性与理智之间挣扎徘徊。
最后回归主题，在文森特·梵高的各时期自画像中，我始终认为都表达着一个信念，那就是对于美的追求，这些自画像是在追求美的过程面对不理解，挖苦、以及迫害等等所做出的回答。每一幅画作都以作者的幸福作为代价换取而面世，从他的个人经历讲，画风的变化只是表达了他对美的理解层次不同，假如后来者只是妄图模仿他那大胆的用色，奇异的笔触等画作的表面，那么无疑是对梵高最大的亵渎，因为他们的出发点就是歧途，不用到末路便可见其失败的结局。我对现代艺术更是排斥，先不说美丑与否，假若想要别人去解读你那怪诞的绘画，必然也与你思想一般，试问世间有几人能达到真正的心有灵犀、感同身受呢？西方美术的发展必将走向穷途末路，梵高作为这划时代的交点人物，倘若泉下有知，不知是何感想，回望他最后一副《自画像》那凝重的神色，真不知他为谁而消瘦。
在一张尝试古典风格的自画像中，他像一位冷静的思考者，凝视并打量着画外的我们，冷峻的眼神似乎透露出对生活的绝望。如果说梵高是印象派的代表人物，那么这副写实主义的自画像不仅仅表现出作者对原有技法的熟练，更有一种蓬勃欲试，开创新纪元的力量蕴含在里面。在大面积的灰色调他用明快的亮色勾勒出外形与轮廓，仿佛一篇宏大的乐章，有时却静谧而朴素，似乎久经磨难状。
在他的中期，受到时代的影响，矛盾冲突愈发显著，这时梵高的自画像往往呈现出怪诞的风格，与莫奈的画作不同的是，他更倾情于表现人物内心的矛盾，与同时期的修拉，塞尚相比较，用色也更为大胆，这个时期的自画像用色丰富，节奏明快，因为在前期苦练了基础功底，在中期的自画像上透视，形体，比例等等往往不为所约束，我认为与中国古代山水泼墨有性质上的趋同，化形为意。这期间的自画像多用轻盈的笔触点缀，似乎摆脱前期阴暗的色调，如同吮吸着春雨的樱桃树，迸发出盎然生机，虽然在此期间生活矛盾和社会转型双重压迫着他，这个世界必然是井然有序的运作，叛逆与个性却如此珍贵，甚至连社会也要惧怕，直至死亡的来临，他才得以正名，与莫奈等印象派比较，这个时期的自画像更显狂野，是一场色彩与笔触的狂欢，《向日葵》与《戴麦杆帽的自画像》就是在这个期间诞生，之后的《麦田》系列画作也与此有隐秘的关联，受到当时日本浮世绘的影响，在画面表现出飘渺的画风，这与后期的《星夜》等画作有着莫大的联系，现在许多人认为梵高的作品完全靠自我的天赋，但是《戴黑边帽的自画像》完全否定了这种说法，在这张自画像中浑厚底蕴的彰显亦能佐证，如果没有坚实的基础功底，那么之前的形变以及色彩的变化都只是空中楼阁，虚妄之作罢了。
在他后期的生活中，往往充满着自我否定，精神处在游离状态，脾气愈加暴躁易怒，此刻的自画像与生活的表现出一致、它如实地表现出疯人凝视的可怕和紧张的眼神。一个疯人，或者一个不能控制自己行为的人，无论如何也不能画出这么有分寸、技法娴熟的画来，有如神助般的他怒不可遏，急欲倾泄出对这个世界的质问。世界把自己的癫狂最先传染给人类的画师——就像曾经给他的笔端注入魔力。如同梵高的《包扎着耳朵的自画像》。在这幅画里，我们惊讶地注视着梵高扭曲的面孔、恐怖的眼神和颤抖的手势：他仿佛在代替整个人类受刑，成为痛苦的化身。想到这里，也就能理解梵高作品中挣扎的线条与狂舞的色块：倾泄的颜料里调和着他的血，而画布，不过是他包扎伤口的绷带。这是一位生活在伤口里的大师，他习惯用伤口对世界发言。这是一个疼痛的收割者，他的镰刀最终收获了自己的耳朵。这时期梵高的作品画风又发生了转变，阿尔时期欢快明朗的黄色消失了，代之以更加狂放的笔触和强烈而深沉的色彩，尤其在风景画中，用笔更具有了运动的旋律。此后，他在神智清醒时仍然以挚爱生活的激情不断作画，直至结束生命。所以梵高晚期作品的最大特征就是笔触激烈、粗重，强劲而扭曲的色彩线条构成色面，整个画面洋溢着色彩和笔触的律动感。
造物主的公正让梵高在绘画上天赋异禀，却冷落了他在生活上的无助，不得以要借助当时失败的医术控制自己的精神状况，百年之后的约翰·纳什不得已也经过此机构，在他尚存于世时人们承认了他的聪慧，之后的精神状况在集体崇拜下渐渐好转，假若当时医疗更为完善，假若人们善良包容一点，这位天才也不至于在英年之际长辞于世，在他最后一副自画像上，笔触激烈、粗重，强劲而扭曲的色彩线条构成色面，整个画面洋溢着色彩和笔触的律动感，在背景中，蓝色的笔触像飓风席卷过后的天空，整个画面，似乎被一股汹涌、动荡的激流所吞噬，凌俊的面孔冠有王者的风度，试图剥离每位观画者虚假面具，助使我们得以反破归真，愚昧的人无法剥夺他用画笔表达的权利，给他冠以魔鬼、乃至一个梦魇。我不知道这样的阐述是否应当，过分的解读只会让画作失去它本应有的神秘，在他的风景画中只有对大自然最客观、最真诚、最简练的记录，然而在自画像中，他穷心竭力得宣泄着理智的苦难，在感性与理智之间挣扎徘徊。
最后回归主题，在文森特·梵高的各时期自画像中，我始终认为都表达着一个信念，那就是对于美的追求，这些自画像是在追求美的过程面对不理解，挖苦、以及迫害等等所做出的回答。每一幅画作都以作者的幸福作为代价换取而面世，从他的个人经历讲，画风的变化只是表达了他对美的理解层次不同，假如后来者只是妄图模仿他那大胆的用色，奇异的笔触等画作的表面，那么无疑是对梵高最大的亵渎，因为他们的出发点就是歧途，不用到末路便可见其失败的结局。我对现代艺术更是排斥，先不说美丑与否，假若想要别人去解读你那怪诞的绘画，必然也与你思想一般，试问世间有几人能达到真正的心有灵犀、感同身受呢？西方美术的发展必将走向穷途末路，梵高作为这划时代的交点人物，倘若泉下有知，不知是何感想，回望他最后一副《自画像》那凝重的神色，真不知他为谁而消瘦。
