艺术博物馆 so what？

大都会博物馆简称MET，刚好是相遇

公元前530年巴比伦Ennigaldi-Nanna被认为是最早的博物馆。此后一千多年，博物馆作为富人收集珍奇物的展示空间（rooms or cabinets of curiosities），曾经从属于贵族、皇帝、教会等特权群体，凝聚为权利与财富的纪念碑。18世纪，博物馆的公共化则是市民社会演化的结果。卢浮宫的开放源自法国大革命，大英博物馆追溯到1759年，普拉多博物馆创立于1785年，美第奇家族捐赠的乌菲兹美术馆在1765年开放。 艺术博物馆从博物馆中独立出来，是专门化的结果，而博物馆的公民化则意味着近代文明的曙光，同时伴随着跨文化交流功能。例如，1786年，歌德游意大利，寻访艺术收藏和遗址，带动了新古典主义在德国的兴起。走向开放的公共艺术空间，开启了数不胜数的灵感之旅。 19世纪后半期，美国私人艺术博物馆逐渐涌现，而当时欧洲博物馆大多是由国家开办并有政府资助的。在文明程度最高的、美国东部三城市（纽约、波士顿、费城），富裕的业余爱好者艺术激情不可遏制。钢铁大王Henry Clay Frick，银行家Pierpont Morgan，Rockefeller家族，以及继承了遗产的Peggy Guggenheim，这份名单很长，也很壮观。美国富翁们，踊跃将财富转化为文化趣味。据说当年的“私人画廊就像私人马厩一样普遍”。 与欧洲贵族化收藏（依赖于领主、王族、教会特殊身份）不同，美国的艺术资本完全是市场化的。私人博物馆成为新兴富裕阶层的资本载体。私人买家的收藏与捐赠，构建了美国强大的艺术收藏体系。 华盛顿的Freer and Sackler Galleries、Phillips Collection，纽约的Frick Collection，费城的Barnes Foundation， 不同的私人收藏建构了别具匠心的精神空间。装饰家、艺术家、建筑师、艺术商人……围绕富翁收藏家，形成了美国的新文化生态。收藏家作为“趣味创造者”（Taste- makers），不仅移植欧洲艺术，还推动了美国知识分子和公众的艺术热情。 而美国的大型公共博物馆，皆由私人或机构倡议，成立专业委员会，借助民间资本及政府资助逐渐扩大规模，从创建之始，就走上专业化、公众服务路线（由于公共服务属性和专业性，不少大藏家的成套收藏均分别捐献给不同的大型博物馆）。1929年具有标志性意义的事件是洛克菲勒家族出资的Moma成立。要知道在当年的欧洲，“没有任何一家博物馆做出过收藏现代艺术的努力”。欧洲人认为“新艺术需要需要时间才能沉淀，经受考验，最后加入博物馆所代表的顶尖作品之中……”（休斯）。 没有文化负担的美国人，用资本抹平了现代主义的棱角。 美国人收藏的热情不仅局限在艺术领域，华盛顿的smithsonian系列博物馆无所不包，史前化石、伦勃朗油画、印第安工具、考川的萨克斯……大型公共博物馆的收藏野心几乎涵盖了地球上可见物的全体。总体的文明、艺术呈现出巨大而壮观的幻影。

戈雅画前的小女孩

在“以美代宗教”的世俗年代，艺术博物馆具有显著的雅、俗文化调和性。只要有眼睛的人就可以“看见”图像，艺术品也由此具有民主化的象征意义。 任何公众都能够参观，并品头论足。即便毫无兴致，在收藏品房间里坐一会儿，享受安逸的环境也是不错的选择。参观艺术博物馆早已成为普及型艺术课程的一部分，到处都是心不在焉的学生团队。美国老年人则两三朋友相伴，社交、聊天、吃饭。美国人的调查，大部分人认同“艺术是生活的重要组成部分”，而只有很少数人愿意为艺术花钱。这就更意味着公共博物馆的重要性，成为生活的一部分，并且不用花钱。 与几十年前相比，全球范围的艺术博物馆的功能在转化。聚集文明，传播艺术，与公众互动。博物馆不再从属于精英文化，甚至已经不再严肃，超越了作为“生活奢侈品”的功能，成为人人能去，人人要去的地方。由于它的公共属性，博物馆是文明的必需品。 艺术博物馆成为全球“大旅游”中的热点。在佛罗伦萨学院美术馆，观众十有八九在议论大卫的生殖器太小。乌菲兹门口永远排满了人，分享波提切利的春天。在梵蒂冈的西斯廷，狭长的空间里挤满了人，人人仰着头，仿佛等着毒气从天棚上喷出来。 著名博物馆不堪重负，却不能拒绝公众的热情。 在媒体时代，数字内容如此丰富的情况下，博物馆首先是“实体化”的体验中心。 通过对空间的塑造，艺术博物馆提供实实在在的感知，营造文明和艺术的语境。艺术博物馆提供的内容远远不是知识。艺术品与艺术品之间的关系。文明的碰撞，不同时代的的精神气质。光线、色彩、声音、路径，甚至包括触感。博物馆本身是个独具个性的艺术品。 纽约大都会（met）的主题视觉one met many worlds 非常恰当地阐释了艺术博物馆成就多元文化碰撞的特有功能。 “在博物馆里，空间感体验是一种诗意。”托马斯·克伦斯引用法国哲学家 Andre Malraux的观点，“博物馆只是虚构了一个并不存在的希腊。” 对空间的重构，也是对时间的反思。作为知识生产的机构，通过策划展览，博物馆生产知识，出版资料，研究，对艺术品深入挖掘。 各种新的排列组合，意味着新的知识，迸发新的灵感。在感知体验方面，实体化的艺术博物馆的独特魅力不可替代。

弗洛伊德与当代贫瘠

当今艺术博物馆的参观群体更加多样化。包括专业人士，学生、家庭、艺术家、爱好者等等。 当然，中产阶级和知识分子的最爱。博物馆是一种文化资本。根据布尔迪厄的论述，学者的文化资本高，经济资本低，倾向于花很少的钱，优雅地徜徉于艺术博物馆，享受文化符码阐释权的优越感。 对于家庭参观者而言，博物馆提供了恰当的合家欢场所，从道德和文化来讲，博物馆都是性价比最高的。 博物馆也是本地文化的集散地（Community Anchors）。无论康科德小镇上的艺术博物馆，还是芝加哥的艺术中心，立馆之本都是服务本地文化。 在开放的观念之下，艺术博物馆不再是尊贵的纪念堂，而是世俗性的日常活动场所。 作为当今消费文化的重要组成部分，艺术博物馆提供知识和艺术的同时，也提供餐饮、音乐表演，导览，儿童活动、购物。美国博物馆每年的访问量达到了8亿5千万人次，直接营业额已经达到210亿美元，艺术类非营利组织的年度经济活动总额达到1350亿美元（根据American Alliance of Museums数据） 大多数博物馆都提供了免费课程、讲座，公众踊跃参与学习绘画。配合展览，艺术博物馆推出各类小型音乐会（ 戈雅展与贝多芬晚期四重奏相得益彰） 在琳琅满目的消费功能趋势下，艺术博物馆成为消费性的杂糅。而古根海姆的前馆长托马斯·克伦斯认为：博物馆的未来应该是shopping mall。

作为社交场所的艺术博物馆

未来的艺术博物馆走向何方？ 边界和定义越来越消融。艺术博物馆将越来越走向开放。 首先，艺术博物馆将是知识传播的原发点。 以“谷歌艺术计划”为代表的数字化项目，将越来越多的艺术博物馆视觉资源整合化地转化为数字图像，高品质、高效率。 盖蒂中心、大都会等等艺术机构推出了各种层次的艺术出版物。越来越多的数字化资料都可以免费下载。 最近巡回举办的数字化梵高展，值得关注。将博物馆中的梵高的作品以数字形态放大数倍，投射在连环巨幅屏幕上。被放大的梵高，比“原作”更具有震撼性，观众沉浸于大屏幕的幻境之中。这一转化，创造了传媒化的视觉奇观。 其次，艺术博物馆的功能定位进一步细化。 大都会、卢浮宫、梵蒂冈……超级博物馆，提供了博览功能，他们的title不是美国，而是世界。 更多的艺术博物馆则致力于因地制宜，挖掘独特的艺术资源。布朗克斯美术馆发掘黑人艺术家，纽约植物园的弗里达展，营造植物与艺术品的互动。旧金山、洛杉矶等地对本地街头艺术的策展等等。 在经营风格上，伊莎贝拉美术馆是封闭的。而古根海姆是连锁经营的，保持开放，并资源共享的。有的艺术博物馆保持纯粹性和稳定性，而古根海姆甚至在拉斯维加斯举办摩托展。 再次，随着边界的消融，艺术博物馆引发的争议将越来越多。 moma的比约克展，几乎集中了对艺术博物馆、公共美术馆的全部争议。 “他们迎合商业，谄媚大众”，《纽约时报》的评论员罗伯特·史密斯甚至认为“MoMA这是在蔑视核心观众”。Artnet News的作家本·戴维斯评论道：“MoMA似乎已经下定决心要变成时髦生活方式的品牌。” 大都会的“镜花水月”展览面对着同样的争议。而所有争议的核心，即：何为艺术博物馆？边界何在？ 最后，艺术博物馆以体制化形态融化了先锋艺术的反抗意图。 毕加索曾说：博物馆不过是一大堆谎言而已。罗钦科说：不要为宫廷、庙宇和博物馆工作。（《新的冲击》）博物馆以规整的布置，规范化的商业运作，扫平了艺术世界肮脏的犄角旮旯。可是，往往创造的活力并不来自于庙堂，而来自污泥的营养。 从体现少数人对知识的野心、精英主义收藏癖，到公众教育、分享、消费文化——艺术博物馆曾经是纪念碑的变种，具有“纪念碑性”，而现在它变成活的，开放的，反纪念碑的空间。 博物馆精心营造了“认同的空间”，正在传媒化和消费社会中受到挑战。古根海姆的理念：平台（Platfroms）、收藏（Collection）和项目（Programs ）具有代表性。 当今的艺术博物馆，凝聚本地文化，同时对全球游客形成号召力。艺术博物馆用艺术浇灌生存焦虑的饥渴，是上帝死了之后新教堂，也许更是酒足饭饱、无聊生活的填充空间。 艺术博物馆的未来？艺术博物馆将进一步与传播、媒介紧密结合，更深入地渗入日常生活。在技术化、全球化、多元化的协力下，越来越多样，越来越有趣。

大都会系列met系列创意之一

－－－－－－－－ 作者：王可越 请勿转载。 相关文章： 博物馆中的人 费城艺术博物馆，重构语境的艺术陈列 伊莎贝拉收藏的艺术，文明与人生的萃取物 作为神经症的摄影