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看展记

No.2 - 2016年喜欢的Artworks 芝加哥Art Institute篇

inhersilence 2016-12-28 14:24:42

写在前面：Art Institute规模仅次于大都会, 虽说看现代艺术真的还是得在纽约, 但这里的展品质量真的很高。没逛完, 应该会为了逛完这里和明年6月在MCA的Takashi Murakami的个人展再去一次芝加哥。这五个作品我都非常喜欢，美，并且有意思。

1. 抵制时尚广告里完美的身体

Self-Portrait (feet), 1989. John Coplans

keywords: imperfection, anonymity, intimacy

找遍了google竟然没找到这一张的图片只好用自己随手照的

John Coplans曾经是一名军人，参加过第二次世界大战。之后，他投身于艺术。他在1960年搬到了旧金山，并且创办了著名的刊物Artforum(现在仍在出版，是现代艺术界非常有影响力的刊物)。1984年，Coplans开始以自己日渐老去的身体为主题进行创作，于是便有了Self-portrait这一系列。时尚广告中充满了完美的身体，Coplans觉得那不是真实的样子，他的这一系列旨在记录现实的、不完美的身体，抵抗广告里过分完美化带给人们对自己身体的自卑感。在这一副Self-Portrait (feet), 1989中，Coplans用镜头给脚踝部分特写，带给观看者一种tension, 我觉得那是一种既熟悉又陌生，但觉得真实地舒服。

John Coplans, Self-Portrait: Hand Horizontal, 1988

在SFMoMA里有这一副作品，我很喜欢使用collage来拼接出来的效果。

在Coplans的Self-Portrait系列中，他从来不拍摄面部，这是因为他不想仅仅记录下某一个人的模样——这些不完美的身体可以是每一个人的self portrait。Coplans开始创作的时候，他有了非常有趣的想法:

I don’t know how it happens, but when I pose for one of these photographs, I become immersed in the past...I am somewhere else, another person, or a woman in another life. At times, I’m in my youth.

对于Coplans来说，创作这一系列让他可以回到过去，让他尽情的幻想。这种anonymity却让人们更加亲密的联系在了一起——每个人都不同，却也是相同的。

2. 生育才不仅是女性的责任

Have Me Feed Me Hug Me Love Me Need Me, 1988, Barbara Kruger.

Keywords: feminism, social being.

image credit: http://www.thebroad.org/

五幅作品使用立体光栅印刷技术(lenticular printing), 使得参观者随着移动看到不同的内容。

Have me - psychotic Feed me - neurotic hug me - schizophrenic love me - hysterical need me - paranoid

Barbara Kruger是一名平面设计师，之后她转向创作反映、批判社会问题的艺术作品，比如消费主义，对女性刻板印象以及生育权利等。每一张光栅照片都是由一个新生儿和一个对应的心理疾病术语组成的。Kruger是为了反映社会加注于女性的生育压力。对于生育和抚养孩子，女性似乎自然而然地承担了更大的压力和责任，同时，产后心理疾病也对影响了非常多的女性。这幅作品把新生儿可爱的面孔，他们渴望得到的关注和爱，和五种常见的心理失调组合在一起。仔细想想，确实存在这样的逻辑联系。

最近看到了越来越多女性艺术家的展，不管是在Guggenheim的Agnes Martin个人展, Brooklyn Museum的特展 A Year of Yes, 还有Wadsworth Atheneum museum的Mierle Laderman Ukeles展，都让由白人男性统治的现当代艺术界有了更多样的解读世界的视角。

3. Show the things we cannot see

The Bogeyman, 1973, Duane Stephen Michals.

keywords: staged photograph, metaphysical

The Bogeyman, 1973

Bogeyman是大人们虚构出来的一个形象，有些说法是它是魔鬼的昵称（我还真的不知道要怎么翻译），常常用来吓唬小孩子 “If you misbehave, the bogeyman will get you.” Michals是staged fine art photograph的先驱。什么是fine art photograph（艺术摄影）呢, hmmm 先来解释它不是什么——我们比较熟悉的新闻摄影（photojournalism）是属于representational photography, 它主要的目的是纪实；商业摄影（commercial photography）多用于广告，目的是反映产品的特质。而艺术摄影更多是用于反映摄影师（这里也是艺术家）的主观情绪, 同时也会更加抽象。如果没有足够的context的话常常不太容易被理解。具体来说，staged fine art photograph是摄影师刻意的创造（而不是选择）某个场景，然后安排拍摄的。我觉得这样的拍摄更接近create而不仅仅是capture（这里我又想到了关于摄影到底算不算是艺术创造的讨论，之后专门写一篇，围绕Susan Sontag "On Photograph"再展开我的观点吧）显然The Bogeyman, 1973就是这样的创作。我就不解读作品本身啦，大家看图，是不是觉得有点恐怖但是更多的是可爱啊。

Michals喜欢讨论关于死亡、形而上的、还有那些我们看不见，但不一定不存在的事物。原来摄影可以远远超越记录本身，而创造出一个新的维度。我曾经以为这是绘画所能轻易实现的。Michals的很多作品都很有趣，感兴趣的话可以去搜一下。

Duane Michals, “Dr. Heisenberg’s Magic Mirror of Uncertainty” (1998).

4. "今天完成不了就毁掉它"

Oct. 31, 1978, from the series Today. 1978 On Kawara

keywords: Today, Time

照歪了

一个一生都在描绘时间的艺术家。

这不是我第一次看到这个系列。在Dia Beacon有超级多的Today系列，不过这一副确实是最大的。（这个系列里一共有10张这个size的）

Today Collection

Kawara喜欢以每一天，而不是每一年，作为单位来记录自己度过的时间。他的一生有29,771天。这个collection叫Today (1966-2013)。在四十多年里，他在112个城市创作了大约3000张作品，每一张都是当天的日期，全部都是经过精准测算字号后进行手绘的，在早期Kawara会选取一些鲜艳的颜色，如红色(1967年），但后来他开始使用越来越深的背景色。他给自己制定了一个严格的规定: 如果当天完成不了，那就毁掉。而且，日期的书写方式都是根据他创作那副作品时所在的地方的习惯来决定的, 比如在Reykjavik: “26. ÁG. 1995,” 在Monte Carlo: “13 JUIN 2006,” .对于那些没有展出的作品，Kawara会把它们放在一个纸盒子里，同时会放上当天的剪报（大多都是New York Times）

每一个日期，对于观看者来说，都有独特的故事和感受。同样的24小时，每个人都经历了不同的故事。我喜欢这一系列作品是因为我觉得它并不单调，反而它留给观看者足够的想象空间。同时，这位来自日本的艺术家（后长居纽约），在创作中体现了日本文化里强烈的自律（今天必须完成，不然就毁掉）。此外，我在想，Kawara四十多年里几乎每日（看似）重复着同样的一件事，他会不会对时间有着新奇的解读。Kawara最著名的作品是 One Million Years.

With the work One Million Years, Kawara opposes human awareness of the day, which conditions most of his other work, to an almost unimaginable measure of past and future time. One Million Years comprises twenty-four works, each made up of ten binders. Inside each binder are two hundred pages of text, each of which lists five hundred numbers. These numbers are in fact years, one hundred thousand per volume, one million per set. The works are divided into two groups, One Million Years: Past and One Million Years: Future, each respectively subtitled: “For all those who have lived and died” and “For the last one.” The Past works were created in 1970 and 1971, and their lists end with the year prior to which they were assembled; the Future works, produced between 1980 and 1998, begin with the year after they were made.

One Million Years

The distinction between the past, present, and future is only a stubbornly persistent illusion. - Einstein

我找不到更合适的形容了。

5. 为了让人认不出来的图标

Museotypes, 1983. (60 gold-rimmed, bone china plates) John Knight

keywords: minimalism, Abstract Expressionism

我看展从来都是先看artwork然后再听讲解或者读介绍，因为这样我可以猜艺术家到底想要做什么，表达什么。当然，太多时候我的猜测都是不沾边的... 但我还是挺开心的（因为我也喜欢自己的版本），艺术本身就是非常主观非常自我的。而且我特别喜欢看到注解那一刻发现奇奇怪怪又有趣的解释。

看着盘子上的那些小图标，我是怎么都没想到每一个都代表了一个世界闻名的艺术博物馆。有趣的是，Knight没有根据这些博物馆的正面外观轮廓来创作对应的图标，他根据floor plan（就是楼层展区俯视图）来创作的。所以我当时找了半天的Guggenheim，想着这么有特点的建筑怎么看上去一点都不像啊。结果人家不是外观图。

没照全... :(

我还专门为了工作人员上面的是第一行还是第三行，从左边看还是从右边看。大叔看着我愣了一下，然后告诉我第一行是最上面的，从左往右看。（是不是大家都默认要这么看啊，我overthink了吗）

John Knight, “Plate #28,” from “Museotypes” series, 1983.

第28个盘子上面的图标是The Metropolitan Museum of Art

楼层展区布局图对比来看是不是很像啊

但这一组作品才不仅仅是记录下这60个影响力非凡的艺术博物馆。Knight的创作有更加深层的目的。在过去的几十年里，商标，作为一种工业、商业社会的一种常见象征，多是利用营销策略来创造出的非常直观、便于商品交易的设计。Knight之所以在这里没有选用每个博物馆具有象征性的外观图标，而是基于比较晦涩难懂的楼层展区分布图，就是为了讽刺商业社会中的设计，同时告诉大家他心中的当代艺术的概念。

所以啊，这根本就是一组为了让你认不出来的图标啊。

Outro: 记得写上第一篇的时候，一个朋友在微信里说她想到了叔本华的一句话

It is a suffering for an individual to live in a world full of conflicting of different wills, only aesthetics and art can free him from the suffering provisionally.

这句话这几天一直都在脑袋里回放，在这个政治格局越发两极化，人们越发狭隘，只听到看到自己想听到看到的东西的时代，到处都是发声、都是争吵，却没有人愿意倾听、放下原有的那些偏见去安心欣赏了。每个人都在急于表达自己的观点，表演，就没有了听者和观众。（我在第一篇throwback的开头引用了在MCA墙上看到的Basim Magdy的那句话: they are clowns too, which leaves everybody without an audience.）我常常在这样的生活里觉得无所适从。我kindle的名字叫做shelter 文学和艺术之于我就是一个避难所——即使是临时的。但当回到现实世界的时候，至少我可以让自己做到keep my month shut and mind open.

感谢阅读。下一篇写写Jewish Museum的特展 Take me, I am yours. (是真的可以带走每一件展品啊！)