曲目赏析 |诗之精魂.肖邦
Classical Music
汇集最动听的音乐册
曲目一：《夜曲No.1 Op.9-1》
演奏：桑松·帕斯卡尔·弗朗索瓦
Samson Pascal Francois
珍珠般的声音
我们先来听一首肖邦的《夜曲》，肖邦一共创作21首《夜曲》。“夜曲” (Norturne)的语源是拉丁语NOX所演变，有“夜神”的含义。《夜曲》这种体裁是爱尔兰的钢琴家和作曲家约翰.菲尔德创立的，菲尔德也写过21首夜曲，所以肖邦创作21首夜曲也是向这位前辈致敬。
这个作品大家很熟悉，是《夜曲》系列的第一首，各位听了以后有什么感觉呢? 《夜曲》的演奏，很多人把它弹得很轻，因为弹得轻才能表达宁静与神秘，肖邦的作品有一种神秘的诗意。然而只有这样的旷世奇才——桑松·帕斯卡尔·弗朗索瓦弹出如此的对比与幅度。当代欧洲著名的女钢琴家叫皮雷斯（Maria-Joao Pires）曾说：“有两个《夜曲》是不可磨灭的——鲁宾斯坦30年代的版本与弗朗索瓦的版本。”弗朗索瓦是法国学派的典范——“非断奏，非圆滑奏，温暖清晰如珍珠般的声音”。说到这儿，我今后还有很多系列跟大家分享，比如有一个系列就是所谓的学派。我们会讲到德奥学派，俄罗斯学派，法国学派，还有以匈牙利为代表的东欧学派。讲到学派就比较专业了，是比较深刻的挖掘。探讨肖邦就必须讲到两个学派，一个就是肖邦的祖国波兰，另一个就是法国学派。因为肖邦1831年定居巴黎，当时巴黎是整个欧洲的艺术中心，欧洲著名的演奏家，画家，雕塑家，文学家，诗人大都聚集在这里，肖邦的父亲是法国人，母亲是波兰人，所以肖邦受法国艺术的影响也是必然的。那么法国学派的特点是什么呢 ——“非断奏，非圆滑奏，温暖清晰如珍珠般的声音”，这是法国学派非常准确的一个定义。
今夜皓月当空，我忽然想起列夫.托尔斯泰一句:“新月发出沉静的光芒，悬在空中普照大地。”……看到月亮，我很感动。在清辉下的何去，听肖邦的《夜曲》，真是明月千里寄相思啊！
法国的美学是很独特的，法国的绘画，文学法国的美食，美酒，法国的服装，包括法国的电影(它的色彩，它的角度)表面看很淡雅很特殊，但是有非常深的含义。法国的声音美学自成一体，几乎没有受其他流派的影响，当李斯特如日中天之时，他像一阵狂流席卷所到之处，1852年李斯特造访俄罗斯引起万人空巷的轰动，虽然俄罗斯的有一个作曲家叫米哈伊尔·伊万诺维奇·格林卡曾经写文章抨击李斯特，但是李斯特对俄罗斯的影响是不可阻挡的，他深深地影响了俄罗斯音乐家与演奏家。但是法国的美学始终以它独特的方式孕育和发展。那么这种声音美学的来源是什么呢？大家记住，是大键琴。法国有一个著名的钢琴品牌，叫“普莱耶尔(player)”，这个牌子曾经生产当时欧洲一流的大键琴，巴黎有一个音乐厅叫“普莱耶尔音乐厅”，这个代表法国美学的钢琴师法国人的骄傲。
曲目二：《离别》
演奏：威廉·巴克豪斯
醉不成欢惨将别
别时茫茫江浸月
这首作品有一个名字叫《离别》。肖邦一共写了27首练习曲，常见的有24首，作品十的这12首是献给李斯特的，其中最后一首就是著名的《革命练习曲》（“花丛中的大炮”舒曼语），大家可以去听一下，那种激情那种悲愤。《离别》是作品十的第3首。肖邦曾经说过 “我今后很难再写出这样的旋律。”肖邦在离开波兰之前，曾将一掊故乡的泥土放进瓶子里，带在身边。
2005年的时候我和曾艾去了肖邦的博物馆，看到了他的面模，这是乔治桑（肖邦情人）的女婿——雕塑家克莱辛格的作品。克莱辛格赶到肖邦去世的房间为他制作了一个石膏的面模，这个原件就在肖邦博物馆里，从1849年到现在，已经泛黄了。我在那个面模前呆了半个多小时，非常感动，我能体会到肖邦生命最后的那种痛苦。
《离别》这如歌的旋律，很多人弹得浪漫而伤感。我们方才听到的却是萧煞而肃穆，这是“狮王”巴克豪斯的演奏。德奥的另一位巨匠施纳贝尔，他曾说肖邦是一个“只有右手的作曲家”，这真是一个天大的误会！所以我常说:“小人物犯小错误，大人物犯大错误。有些错误是不可原谅的。”我曾经跟傅聪先生交流肖邦的作品，把左手任何一段拿出来演奏，都是一个非常了不起，非常感人的旋律与和声，所以施纳贝尔有巨大的偏见。巴克豪斯的演奏透出一种悲壮的情怀，我每一次听都会想起白居易的《琵琶行》“醉不成欢惨将别，别时茫茫江浸月”，甚至你会觉着有那么一种“风萧萧兮易水寒，壮士一去兮不复返”的悲壮豪情！这个版本特别耐听，没有一丝伤感情调，只有肖邦的筋骨!
威廉.巴克豪斯 （素描） 野公作
曲目三：《雨滴》
演奏：阿尔弗雷德·科尔托
Alfred Denis Cortot
窗前夜雨残灯在
我们接下来听肖邦的前奏曲第十五首《雨滴》。前奏曲肖邦写了二十四首，后来又作两首，一共二十六首。其中最著名的就是第十五首《雨滴前奏曲》。这套前奏曲是肖邦最深刻的作品之一。
大家注意听，这首《雨滴》从头到尾有一个贯穿始终的声音，像淅淅沥沥的雨声。肖邦跟他的情人乔治.桑到马略卡岛去度假的时候正好碰上梅雨季节，日夜不停地下雨，肖邦的肺病在此期间发作，非常严重。今晚的《雨滴》是1942年的录音，它那神奇的效果，有一种被雨雾笼罩的感觉。我有一支朱泥美壶，底刻“窗前夜雨残灯在”，就是这个意境。
阿尔弗雷特·科尔托的肖邦是20世纪所有钢琴家中傅聪先生最欣赏的一位。这位20世纪法国钢琴学派的最重要的人物在教学上也是无与伦比。刚才演奏《夜曲》的弗朗索瓦就是科尔托的学生，我最爱的一位钢琴家，克拉拉.哈斯姬尔也是科尔托的学生，还有一位英年早逝的天才叫迪努.李帕蒂，只活了30多岁，也是他的学生……当然科尔托本人最欣赏的是弗朗索瓦。刚才我让大家注意科尔托的弹性速度，这是他一个很了不起的成就。肖邦当时在巴黎的时候，很多音乐家对他无比崇拜，包括李斯特，李斯特被称为“钢琴之王”，万能的李斯特在弹性速度上也做不到肖邦独步天下的绝世歌唱!
曾经有评论说20世纪有两位演奏肖邦的巨匠影响巨大，其中一位是科尔托，还有一位是波兰的钢琴家阿图尔·鲁宾斯坦。所以在肖邦的领域里，波兰和法国的演奏家是最重要的。他们两人风格各异，鲁宾斯坦是刚中带柔，而科尔托是柔中带刚。我曾经多次问我的学生这两个的区别是什么？—— 刚中带柔，它的本质是刚；柔中带刚，它的本质是柔。实际上，肖邦是比较阴性的，所以他的音乐有一种私密感，仿佛他是写给自己的，尤其是一些比如像《玛祖卡》这样的作品，如此内在，私密，但是又充满了幻想性。肖邦的音乐有个特点，用英文表达”Overthere”，即“在那里”。科尔托曾多次录制“前奏曲”，经过多年的比较，我最后选择1942年版本的这个录音，能让你感受肖邦“诗之精魂”的神秘与幻想！
曲目四：《玛祖卡》
演奏：阿尔图罗·贝内代托·米凯兰杰利
Arturo·Benedetti·Michelangeli
半人半琴的精灵
对于肖邦本人来讲，他最重要的作品是《玛祖卡》，因为《玛祖卡》是肖邦的心灵日记，生前已发表的有四十一首，在他去世以后，又整理出了十首遗作，所以加起来是五十一首《玛祖卡》。《玛祖卡》的创作几乎贯穿了肖邦的一生。肖邦在他去世以前一个星期还在写《玛祖卡》。我们听这最后的《玛祖卡》能感受到什么呢？就像“卖火柴的小女孩”，一会儿清醒，一会儿又在幻觉之中，现世是多么的孤独和痛苦，彼岸是多么的宁静而温暖。在这最后的《玛祖卡》中，他已脚踏阴阳两世界了……
这位《玛祖卡》的演奏者，可以说是二战以后对声音最执着的钢琴家——阿尔图罗·贝内代托·米凯兰杰利。我们知道德奥的一个重要钢琴家阿劳，虽然他是智利人，但属于20世纪德奥学派的一个重要的大师。阿劳为了追求琴声的极致，放弃了音乐的流动性，他的演奏从60岁以后越来越慢，他去世之前最后录了五张唱片，是用整个生命去探索他心中的声音。这最后的琴声，我献给它一个称呼——“声音的舍利子”。
跟阿劳相比，米凯兰杰利对声音的执着有过之而无不及，他有一个雅号叫“拉丁隐士”，他是莫瑞季欧·波里尼和马尔塔.阿格里奇的老师，这两位都是肖邦大赛的冠军。波里尼是1960年肖邦比赛的冠军，五年以后马尔塔.阿格里奇夺冠。1975年肖邦大赛的第一名波兰的钢琴家克里斯蒂安·齐默尔曼（也是对音乐，对声音探索非常深入的一个人）。有人问他“你心中最伟大的钢琴家”，他说“我的上帝是米凯兰杰利。”其实米凯兰杰利的演奏我个人不是特别的欣赏，过于执着，音乐不是那么的自然。肖邦音乐非常重要的一点，就是自然。肖邦在给学生上课的时候无数次强调“要自然”，我们讲的“道法自然”，肖邦也是这样的追求，一切要在自然之中要没有痕迹，一切技巧最终服务于音乐本身。所以每当我看到那种像马戏团的跳梁小丑式的表演，真的感觉很恶心，如此丑陋的演奏，是对音乐的玷污。
这首《马祖卡》作品33-4，其中有一个音出现了很多次，每一次都不一样，这就是王羲之《兰亭序》里面那个“之”，每一个都不一样。这张唱片最能充分体现米凯兰杰利对声音的探索。他曾经讲过“钢琴应该发出各种声音，唯独不要发出它本来的声音。”他还说：“最理想的琴声是小提琴加上管风琴的声音。”这位神秘的独行侠，从不考虑观众，所有的演奏都是弹给他自己听，他常常随意地取消音乐会，所以他的粉丝们往往如履薄冰……
多年以来有很多学者从各个层面研究肖邦,一些人在这个领域也有重要的贡献，但有一点，这是我个人的感悟，给大家讲一下。李斯特有一个非常欣赏的学生欧根.达尔伯特，达尔伯特人琴合一到什么样的一个境界呢？20世纪伟大的指挥家布鲁诺·瓦尔特曾经讲过一句话:“达尔伯特是一个半人半琴的怪物。”这是我所见到的形容一个钢琴家最极致的一个表达。“半人半琴的怪物”！但是我听了达尔伯特晚年的录音，并没这种感觉。我认为古往今来肖邦才是一个真正意义上的“半人半琴的精灵”。肖邦只写钢琴音乐，他对钢琴这个乐器的感悟可以说是空前绝后，他已经把钢琴拟人化了，他把钢琴看作一个生命，看作一个“人”，而且这个“人”仿佛跟他已经合体。我觉得肖邦对钢琴有这样的一种认识，所以才会写出这样的作品还有一点我要告诉大家，这个说出来很美妙，我们来看我们的手，大家觉得我们的手哪个手指是最美的？——对，无名指，我们的手最美的是无名指！肖邦充分意识到这一点。我有一次跟我曾艾说“肖邦一定会极度爱他的无名指”，结果过了一段时间，她惊喜地跟我说“是的是的”，为什么呢？因为他的某些作品的指法有意要多用无名指，有时候这个指法实际上不那么方便，一般来讲作曲家一定要用最方便的指法，而肖邦却有心多用无名指，这充分说明肖邦对无名指的偏爱。还有一点需要讲一下，肖邦对手的感悟……这个生命真是一个奇异的精魄，他曾经说过“我们的手是神的杰作，每一个手指都是独立的生命。”他的音乐是完全根据人手自然的力度来发挥它们的作用，而其中他最爱无名指，因为它最美，因为它最孤独，仿佛肖邦本人的生命一样。
汇集最动听的音乐册
曲目一：《夜曲No.1 Op.9-1》
演奏：桑松·帕斯卡尔·弗朗索瓦
Samson Pascal Francois
珍珠般的声音
我们先来听一首肖邦的《夜曲》，肖邦一共创作21首《夜曲》。“夜曲” (Norturne)的语源是拉丁语NOX所演变，有“夜神”的含义。《夜曲》这种体裁是爱尔兰的钢琴家和作曲家约翰.菲尔德创立的，菲尔德也写过21首夜曲，所以肖邦创作21首夜曲也是向这位前辈致敬。
这个作品大家很熟悉，是《夜曲》系列的第一首，各位听了以后有什么感觉呢? 《夜曲》的演奏，很多人把它弹得很轻，因为弹得轻才能表达宁静与神秘，肖邦的作品有一种神秘的诗意。然而只有这样的旷世奇才——桑松·帕斯卡尔·弗朗索瓦弹出如此的对比与幅度。当代欧洲著名的女钢琴家叫皮雷斯（Maria-Joao Pires）曾说：“有两个《夜曲》是不可磨灭的——鲁宾斯坦30年代的版本与弗朗索瓦的版本。”弗朗索瓦是法国学派的典范——“非断奏，非圆滑奏，温暖清晰如珍珠般的声音”。说到这儿，我今后还有很多系列跟大家分享，比如有一个系列就是所谓的学派。我们会讲到德奥学派，俄罗斯学派，法国学派，还有以匈牙利为代表的东欧学派。讲到学派就比较专业了，是比较深刻的挖掘。探讨肖邦就必须讲到两个学派，一个就是肖邦的祖国波兰，另一个就是法国学派。因为肖邦1831年定居巴黎，当时巴黎是整个欧洲的艺术中心，欧洲著名的演奏家，画家，雕塑家，文学家，诗人大都聚集在这里，肖邦的父亲是法国人，母亲是波兰人，所以肖邦受法国艺术的影响也是必然的。那么法国学派的特点是什么呢 ——“非断奏，非圆滑奏，温暖清晰如珍珠般的声音”，这是法国学派非常准确的一个定义。
今夜皓月当空，我忽然想起列夫.托尔斯泰一句:“新月发出沉静的光芒，悬在空中普照大地。”……看到月亮，我很感动。在清辉下的何去，听肖邦的《夜曲》，真是明月千里寄相思啊！
法国的美学是很独特的，法国的绘画，文学法国的美食，美酒，法国的服装，包括法国的电影(它的色彩，它的角度)表面看很淡雅很特殊，但是有非常深的含义。法国的声音美学自成一体，几乎没有受其他流派的影响，当李斯特如日中天之时，他像一阵狂流席卷所到之处，1852年李斯特造访俄罗斯引起万人空巷的轰动，虽然俄罗斯的有一个作曲家叫米哈伊尔·伊万诺维奇·格林卡曾经写文章抨击李斯特，但是李斯特对俄罗斯的影响是不可阻挡的，他深深地影响了俄罗斯音乐家与演奏家。但是法国的美学始终以它独特的方式孕育和发展。那么这种声音美学的来源是什么呢？大家记住，是大键琴。法国有一个著名的钢琴品牌，叫“普莱耶尔(player)”，这个牌子曾经生产当时欧洲一流的大键琴，巴黎有一个音乐厅叫“普莱耶尔音乐厅”，这个代表法国美学的钢琴师法国人的骄傲。
曲目二：《离别》
演奏：威廉·巴克豪斯
醉不成欢惨将别
别时茫茫江浸月
这首作品有一个名字叫《离别》。肖邦一共写了27首练习曲，常见的有24首，作品十的这12首是献给李斯特的，其中最后一首就是著名的《革命练习曲》（“花丛中的大炮”舒曼语），大家可以去听一下，那种激情那种悲愤。《离别》是作品十的第3首。肖邦曾经说过 “我今后很难再写出这样的旋律。”肖邦在离开波兰之前，曾将一掊故乡的泥土放进瓶子里，带在身边。
2005年的时候我和曾艾去了肖邦的博物馆，看到了他的面模，这是乔治桑（肖邦情人）的女婿——雕塑家克莱辛格的作品。克莱辛格赶到肖邦去世的房间为他制作了一个石膏的面模，这个原件就在肖邦博物馆里，从1849年到现在，已经泛黄了。我在那个面模前呆了半个多小时，非常感动，我能体会到肖邦生命最后的那种痛苦。
《离别》这如歌的旋律，很多人弹得浪漫而伤感。我们方才听到的却是萧煞而肃穆，这是“狮王”巴克豪斯的演奏。德奥的另一位巨匠施纳贝尔，他曾说肖邦是一个“只有右手的作曲家”，这真是一个天大的误会！所以我常说:“小人物犯小错误，大人物犯大错误。有些错误是不可原谅的。”我曾经跟傅聪先生交流肖邦的作品，把左手任何一段拿出来演奏，都是一个非常了不起，非常感人的旋律与和声，所以施纳贝尔有巨大的偏见。巴克豪斯的演奏透出一种悲壮的情怀，我每一次听都会想起白居易的《琵琶行》“醉不成欢惨将别，别时茫茫江浸月”，甚至你会觉着有那么一种“风萧萧兮易水寒，壮士一去兮不复返”的悲壮豪情！这个版本特别耐听，没有一丝伤感情调，只有肖邦的筋骨!
威廉.巴克豪斯 （素描） 野公作
曲目三：《雨滴》
演奏：阿尔弗雷德·科尔托
Alfred Denis Cortot
窗前夜雨残灯在
我们接下来听肖邦的前奏曲第十五首《雨滴》。前奏曲肖邦写了二十四首，后来又作两首，一共二十六首。其中最著名的就是第十五首《雨滴前奏曲》。这套前奏曲是肖邦最深刻的作品之一。
大家注意听，这首《雨滴》从头到尾有一个贯穿始终的声音，像淅淅沥沥的雨声。肖邦跟他的情人乔治.桑到马略卡岛去度假的时候正好碰上梅雨季节，日夜不停地下雨，肖邦的肺病在此期间发作，非常严重。今晚的《雨滴》是1942年的录音，它那神奇的效果，有一种被雨雾笼罩的感觉。我有一支朱泥美壶，底刻“窗前夜雨残灯在”，就是这个意境。
阿尔弗雷特·科尔托的肖邦是20世纪所有钢琴家中傅聪先生最欣赏的一位。这位20世纪法国钢琴学派的最重要的人物在教学上也是无与伦比。刚才演奏《夜曲》的弗朗索瓦就是科尔托的学生，我最爱的一位钢琴家，克拉拉.哈斯姬尔也是科尔托的学生，还有一位英年早逝的天才叫迪努.李帕蒂，只活了30多岁，也是他的学生……当然科尔托本人最欣赏的是弗朗索瓦。刚才我让大家注意科尔托的弹性速度，这是他一个很了不起的成就。肖邦当时在巴黎的时候，很多音乐家对他无比崇拜，包括李斯特，李斯特被称为“钢琴之王”，万能的李斯特在弹性速度上也做不到肖邦独步天下的绝世歌唱!
曾经有评论说20世纪有两位演奏肖邦的巨匠影响巨大，其中一位是科尔托，还有一位是波兰的钢琴家阿图尔·鲁宾斯坦。所以在肖邦的领域里，波兰和法国的演奏家是最重要的。他们两人风格各异，鲁宾斯坦是刚中带柔，而科尔托是柔中带刚。我曾经多次问我的学生这两个的区别是什么？—— 刚中带柔，它的本质是刚；柔中带刚，它的本质是柔。实际上，肖邦是比较阴性的，所以他的音乐有一种私密感，仿佛他是写给自己的，尤其是一些比如像《玛祖卡》这样的作品，如此内在，私密，但是又充满了幻想性。肖邦的音乐有个特点，用英文表达”Overthere”，即“在那里”。科尔托曾多次录制“前奏曲”，经过多年的比较，我最后选择1942年版本的这个录音，能让你感受肖邦“诗之精魂”的神秘与幻想！
曲目四：《玛祖卡》
演奏：阿尔图罗·贝内代托·米凯兰杰利
Arturo·Benedetti·Michelangeli
半人半琴的精灵
对于肖邦本人来讲，他最重要的作品是《玛祖卡》，因为《玛祖卡》是肖邦的心灵日记，生前已发表的有四十一首，在他去世以后，又整理出了十首遗作，所以加起来是五十一首《玛祖卡》。《玛祖卡》的创作几乎贯穿了肖邦的一生。肖邦在他去世以前一个星期还在写《玛祖卡》。我们听这最后的《玛祖卡》能感受到什么呢？就像“卖火柴的小女孩”，一会儿清醒，一会儿又在幻觉之中，现世是多么的孤独和痛苦，彼岸是多么的宁静而温暖。在这最后的《玛祖卡》中，他已脚踏阴阳两世界了……
这位《玛祖卡》的演奏者，可以说是二战以后对声音最执着的钢琴家——阿尔图罗·贝内代托·米凯兰杰利。我们知道德奥的一个重要钢琴家阿劳，虽然他是智利人，但属于20世纪德奥学派的一个重要的大师。阿劳为了追求琴声的极致，放弃了音乐的流动性，他的演奏从60岁以后越来越慢，他去世之前最后录了五张唱片，是用整个生命去探索他心中的声音。这最后的琴声，我献给它一个称呼——“声音的舍利子”。
跟阿劳相比，米凯兰杰利对声音的执着有过之而无不及，他有一个雅号叫“拉丁隐士”，他是莫瑞季欧·波里尼和马尔塔.阿格里奇的老师，这两位都是肖邦大赛的冠军。波里尼是1960年肖邦比赛的冠军，五年以后马尔塔.阿格里奇夺冠。1975年肖邦大赛的第一名波兰的钢琴家克里斯蒂安·齐默尔曼（也是对音乐，对声音探索非常深入的一个人）。有人问他“你心中最伟大的钢琴家”，他说“我的上帝是米凯兰杰利。”其实米凯兰杰利的演奏我个人不是特别的欣赏，过于执着，音乐不是那么的自然。肖邦音乐非常重要的一点，就是自然。肖邦在给学生上课的时候无数次强调“要自然”，我们讲的“道法自然”，肖邦也是这样的追求，一切要在自然之中要没有痕迹，一切技巧最终服务于音乐本身。所以每当我看到那种像马戏团的跳梁小丑式的表演，真的感觉很恶心，如此丑陋的演奏，是对音乐的玷污。
这首《马祖卡》作品33-4，其中有一个音出现了很多次，每一次都不一样，这就是王羲之《兰亭序》里面那个“之”，每一个都不一样。这张唱片最能充分体现米凯兰杰利对声音的探索。他曾经讲过“钢琴应该发出各种声音，唯独不要发出它本来的声音。”他还说：“最理想的琴声是小提琴加上管风琴的声音。”这位神秘的独行侠，从不考虑观众，所有的演奏都是弹给他自己听，他常常随意地取消音乐会，所以他的粉丝们往往如履薄冰……
多年以来有很多学者从各个层面研究肖邦,一些人在这个领域也有重要的贡献，但有一点，这是我个人的感悟，给大家讲一下。李斯特有一个非常欣赏的学生欧根.达尔伯特，达尔伯特人琴合一到什么样的一个境界呢？20世纪伟大的指挥家布鲁诺·瓦尔特曾经讲过一句话:“达尔伯特是一个半人半琴的怪物。”这是我所见到的形容一个钢琴家最极致的一个表达。“半人半琴的怪物”！但是我听了达尔伯特晚年的录音，并没这种感觉。我认为古往今来肖邦才是一个真正意义上的“半人半琴的精灵”。肖邦只写钢琴音乐，他对钢琴这个乐器的感悟可以说是空前绝后，他已经把钢琴拟人化了，他把钢琴看作一个生命，看作一个“人”，而且这个“人”仿佛跟他已经合体。我觉得肖邦对钢琴有这样的一种认识，所以才会写出这样的作品还有一点我要告诉大家，这个说出来很美妙，我们来看我们的手，大家觉得我们的手哪个手指是最美的？——对，无名指，我们的手最美的是无名指！肖邦充分意识到这一点。我有一次跟我曾艾说“肖邦一定会极度爱他的无名指”，结果过了一段时间，她惊喜地跟我说“是的是的”，为什么呢？因为他的某些作品的指法有意要多用无名指，有时候这个指法实际上不那么方便，一般来讲作曲家一定要用最方便的指法，而肖邦却有心多用无名指，这充分说明肖邦对无名指的偏爱。还有一点需要讲一下，肖邦对手的感悟……这个生命真是一个奇异的精魄，他曾经说过“我们的手是神的杰作，每一个手指都是独立的生命。”他的音乐是完全根据人手自然的力度来发挥它们的作用，而其中他最爱无名指，因为它最美，因为它最孤独，仿佛肖邦本人的生命一样。
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