古典音乐笔记之二
文艺复兴与巴洛克时期的音乐
文艺复兴时期一般是指从1350年至1600年这两百多年的时间里以意大利为发源地的人文主义复兴运动。这段时期在人文艺术领域发生了极具革命性的变化。最重要的变革就是把人从宗教和落后的思想禁锢中解放出来。人性中的自由被释放，人的创造力也就随之奔涌而出。这段时期也是整个人类文明发展的一个里程碑，怎么形容其伟大都不为过。不过，音乐方面确实是个例外，音乐本身并没有发生重要的改变。我觉得文艺复兴时期人文主义思想以及整体艺术氛围的不断发展积累，为后续几百年古典音乐的发展辉煌奠定了基础，这才是其最重要的影响。文艺复兴时期的音乐大致是从1450年至1600年这段时间。这期间，音乐风格还是以人声对应的各个声部创作的经文歌曲及弥撒曲为主，器乐很少伴奏，通过模仿、对位而达到各个声部的和谐统一，这段时期的复调音乐也被称为是无伴奏音乐的黄金时期。
如果用早中晚三个阶段来划分文艺复兴音乐时期的话，我想以下三位作曲家应该具有一定的代表性：杜费、若内坎、帕莱斯特里纳。
文艺复兴早期的音乐主要是经文歌，因为弥撒的内容相对单一，而经文歌的内容更加的丰富生动。很多作曲家开始在经文歌中运用音乐本身的旋律去强化所表达的经文内容。若内坎（1455-1521）是当时公认的作曲天才，他是法国人，但多数时间在意大利呆着，因为那里是文艺复兴的大本营，而且王宫贵族教皇们都在意大利，也好混饭吃。若斯坎同时服务于几个公爵，并在罗马为教皇工作。他的代表作也是文艺复兴时期非常有名的作品是《圣母颂》，这个曲子估计当时绝大部分的曲匠们都写过，不过若斯坎当时使用了标准四声部，女高，女中，男高，男低，这些声部依次按照一个旋律逐渐进入，或是一个声部在模仿另一个声部后随后进入，有时也彼此模仿。这种四个声部均等表现主题的方法在文艺复兴时期占据了音乐的主导地位。我们如果在站的更高一些的话，就会发现这个时期很多艺术的特点也表现得如同音乐一般的均衡、对称、协调，所以有些时候艺术真是相通的，把握了一个时期或一种风格的艺术本质，那么剩余的就是认识并分清不同类型的表现形式罢了。
到了文艺复兴中期，教会的腐败问题越演越烈。绝对的权力导致绝对的腐败，这话不假。那时没人敢管教会，所以酒色财气一股脑涌进广大灵魂工作者们的日常生活。很多人看不下去了，一个叫马丁路德的人提出了宗教改革，当时应和改革的人统称为路德教派，这种改革也无法避免的波及到了音乐。
当时宗教音乐最大的问题是大量复调音乐的运用使得原本清晰、简洁的宗教歌词被多声部的声音所湮没，几个声部同时在唱“主啊”“万民啊”“荣耀啊”什么的，比较乱，大家伙听不清到底哥几个在唱些什么。另外大量世俗音乐元素被运用到宗教音乐中，那些唱“哥哥妹妹荡悠悠”一类的调调也用到宗教音乐中，简直是岂有此理，让领导们大为火光，教皇还亲自发过飙，这到底在搞什么嘛。所以领导头头们一致决定把复调音乐剔除出宗教音乐。在这关键时刻，文艺复兴后期音乐界的大佬帕莱斯特里纳同志（1525年至1594年）。挺身而出，写了几曲弥撒曲，特别是《马尔塞鲁斯教皇弥撒》曲虽然运用复调手法来创作，但曲风庄重、清晰、高贵，听来赏心悦目，具有典型宗教音乐的宁静清澈之感，深的领导干部们认可。这其中最重要的是老帕根据人的自然呼吸的节律把歌词与节拍合理的进行了分配，各声部的进入更加合理。于是教会头头们最终还是决定保留复调音乐。只说了一些原则性的要求，比如要让人听清楚和正确理解歌词的含义，不能只注重旋律和音乐性，要让听者在身心愉悦的情况下向往天堂。所以，我能理解为什么现在罗马依然把老帕称为音乐之子。
帕莱斯特里纳一直服务于教会一直到生命的尽头，创作的音乐依然以经文歌、弥撒曲等宗教圣乐为主，特别是弥撒曲。圣乐所具有的神秘高贵典雅的气质在他是作品中被诠释的近乎完美。很多评论家认为巴洛克以前时期的宗教音乐在老帕这里达到了顶峰，我虽不能百分百的同意，但让我找出比他作品更好的曲目或作曲家，暂时还找不到。他也是第一个能够真正拥有自己风格的作曲家。名气大了自然脾气也大，出场费也高。老帕作曲收费不菲，因为给钱的都是教皇贵族什么的，也出的起。随着老帕的离世及文艺复兴历史任务的完成，一个新的历史大幕即将在欧洲大陆开启。真正的古典音乐风暴开始了。
个人认为，真正的古典音乐起始是从巴洛克时期拉开大幕的，许多熟悉的音乐类型在巴洛克时期开始产生并风靡流行。在巴洛克早期多种音乐类型被作曲家们不断拓展，到巴洛克晚期已经逐步被进一步凝练升华，特别是晚期出现的几位音乐史上的大佬们对于巴洛克后期以致整个音乐史产生了极为重要的影响。
与文艺复兴时期复调音乐为主、旋律比较简单的风格相比，巴洛克早期的音乐开始注重音乐的旋律性，对于合唱中女高和男低的突出表现使得巴洛克出现了一种新的歌唱形式，就是单声歌曲。通常是一个人唱，几个乐器伴奏。在使用乐器伴奏方面，一般是用类似大提琴的用来演奏低音部分，用来丰富旋律的小提琴，在加上进行即兴演奏的羽管键琴。说到这，我想起了当今风靡全球的摇滚乐，也是类似的配置，贝斯加主音吉他，还有控制节奏的鼓，有时为了丰富旋律还有键盘。如果巴洛克时期就是开始有人玩摇滚的话，那是多棒的一件事情啊！如果把流行音乐的历史拉到巴洛克早期的单声歌曲开端，我并不反对，因为看似与现在的流行音乐并没有本质上的冲突，也是歌唱爱情心里什么的，也是一个歌星后边配有伴奏。这种单声歌曲强调的是女高音的旋律性非常强的独唱，非常适合情感和主题的清晰表达，同时来自男低音和弦的和声支持并加上少量乐器的伴奏让这种题材更加饱满丰富。比如在蒙特威尔第和亨德尔的歌剧及清唱剧中，一个尾音经常被拖得很长，并以非常华丽的充满快速转化的歌唱技巧所表现出来。在旋律不断丰富变化的基础上，作曲家们显然还不满足，在巴洛克早期，意大利人已经开始在乐谱上标注演唱的力度了，通过演唱时强与弱的突然转化或是声音的渐强渐弱的对比将音乐引向了一个开创性的时代，戏剧及歌剧诞生了。而且正是随着歌剧影响的不断扩大，需要表达的内容及情感不断增多，乐器本身发挥的作用越来越大，音乐本身也和人声一样成为了作曲家关注的焦点。
西方音乐史上第一部具有重要开创意义的歌剧是蒙特威尔第在1607年创作的《奥菲欧》，歌剧内容取材自古希腊神话故事。老蒙的伟大并不是把这故事演绎的有多好，而是在这部歌剧中创造性的运用了新的音乐表现形式，受到了非常热烈的欢迎。首先是歌剧的开场，老蒙创造了一种叫托卡塔的纯器乐演奏的类似序曲一样的音乐，主要作用是招呼听众集中注意力，演出马上开始的意思。说到这，我又想起了一些大型演唱会及专场演出很多时候会有一些暖场表演，老蒙看来早就知道暖场的重要性了。上面说过，巴洛克早期时，单声歌曲被广泛运用，这里有两种类型的单声歌曲非常重要，一种是宣叙调，一种是咏叹调。宣叙调顾名思义，就是在歌剧中用非常自然的语言来表现日常生活，歌唱速度比较快，只有低音伴奏，旋律性不强，有些朗诵的意思，说直白写就是简单说事。另一种咏叹调旋律性更强，比宣叙调好听一些，一般会用整个管弦乐来进行伴奏，它重要的是表达一种情感或感受，说的直白些就是感慨。当然，这中间折中一些的表现方式就叫咏叙调了，风格介于两者之间。
在当时的意大利，除了歌剧外，另一种比较流行的音乐题材就是室内康塔塔。巴赫后来写了很多有名的康塔塔，但意大利人最早创造了这种音乐类型，所以文艺复兴真不是白给的，确实得有真活才能往脸上贴金啊！康塔塔一般在室内演出，内容在主要以爱情和神话故事为主，演出时间比较短，八分钟到十几分钟，也没什么布景道具灯光一类的东西，一个人唱，几个人伴奏，宣叙咏叹齐上阵。如果我泱泱中华当时有人把春楼小曲也能按照某一曲谱记录下来的话，就是东方版的康塔塔了。姑娘小曲，吟诗佐酒，琵琶伴奏，看来在享受这方面全人类都是一样的乐此不疲。
除了在唱方面下功夫，意大利的作曲家们在器乐方面也开始追求突破。最重要的就是让乐器不只是伴奏，而要让器乐本身也成为情感表达的主要工具。比如让大提琴表现愤怒悲哀，让双簧管表现欢快愉悦等等。正是这种突破将管弦乐与交响乐推向了历史舞台。当时的管弦乐队人数较少，以弦乐为主，提琴最多。
到了巴洛克时代的中期，协奏曲已经开始成为最受欢迎的音乐。协奏曲是一个或相似的一组乐器与整个管弦乐团相互竞争、互相配合，共同争宠的一类音乐形式，当时主要是小提琴，不过从整个西方音乐史中看，最主要的协奏曲形式也就两种，钢琴协奏曲与小提琴协奏曲。协奏曲的这种互相衬托，相互对比的音乐更容易发挥乐器的技巧和特点，在音乐内容的丰富性上、在音乐技巧的表达上、在音乐情感的抒发上较以往的历史有了革命性的突破。维瓦尔第的《四季》就是我们非常熟悉的小提琴协奏曲，而四季本身也开创了标题音乐的时代，就是音乐本身可以用来表达思想情感和具体的事物。
在巴洛克晚期，音乐史上的两个巨人同时出现了。
巴赫。
哦，这家伙得重点提一提了。我得好好琢磨琢磨怎么写这个家伙，估计要专门写一章了。
