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神奇的印度音乐、印度音乐家及其乐器简介

自然减压冥想 2018-12-01 09:44:59

欧洲音乐仿佛同物质生活纠缠在一起，因此它曲调的歌本和生活一样，是多种多样的。我们的歌曲超越过日常生活的栅栏，只有这样，才能深深地把我们带入“慈悲”，高高地举上“超然”，它们的作用是显露出我们身心内神秘莫测、不能言说的最深处的图画，在那里，崇拜者发现他的茅舍已经修好，甚至于享乐主义者也找到了他的凉亭，但是那里没有给世上的忙人准备下地方。 ——泰戈尔

桑图尔Santoor大师Bhajan Sopori和儿子一起为霎哈嘉瑜伽士演奏 Rag Nirmal

任何一种传统音乐都与他民族信仰（这里并非仅指宗教化的信仰）和文化有着不可分割的联系，印度传统音乐就更是如此。因为印度记录历史的方式是非常“与众不同”的，所以追寻印度传统音乐的历史，就要去追寻印度古老的传说，在这些传说中有一个传说是这样的：在很久很久以前，人类处在两个时代的“过渡时期”，那时候人们被欲望和贪婪统治着，人们彼此之间充满了愤怒和嫉妒，而魔鬼、邪灵、夜叉等各路妖魔鬼怪也挤满了地球。Indra(印度教主神)于是恳求God Brahma（印度教梵天之神）赐予人类一样无形的玩具（Kridaniyaka）给人们解闷。而这种“解闷的方式”意在使人放弃那些糟糕的“解闷方式”。神虽然决定了赐给人类这个上天的艺术“Sangeet”(音乐)，但人们必须选出有能力的代表去接受这个礼物。“Sangeet”的境界是一种gandharva(半神半人)的领域。他须具有超人类的精神领悟力去接受这个上天的礼物，并向人类传达。伟大圣人Rishi Narada是第一个具有这种能力并接受了这个礼物的凡人，通过圣人Rishi Narada，我们才有幸得以欣赏印度传统音乐。传统古典音乐是音乐艺术的精华。尤其是印度古典音乐源于大自然，被视为唤醒人体潜能的工具。印度古典音乐对人体精微能量系统具有独特的治疗和平衡作用。冥想是我们向内探索的旅程。透过瑜伽冥想，我们能够启发自己的创造力，从而更深地体味艺术之真义。音乐具有强烈的生命能量和独特的音乐治疗作用，能让我们能够享受生命的宁静。透过瑜伽冥想可以唤醒我们沉睡的灵量，启发我们的中枢神经系统，拓展我们的知觉意识，可以让我们真正体验到音乐和艺术精微的生命能量。在1968年，美国科罗拉多州天普布鲁尔学院(Temple Buell College)做了音乐如何影响植物的实验，发现重金属摇滚乐使植物向音源反方向倾斜或死亡；古典音乐却吸引植物靠近扩音器；若让植物听印度拜赞音乐，其茎杆弯曲会超过60度，像鞠躬一样。音乐力量的例证：印度有一名叫辛夫的植物学家, 让一名艺术家用七弦琴对他花园里的凤仙花演奏一“拉佳”的音乐。艺术家每天对凤仙花弹２５分钟的琴，连续十五周从未间断过。结果奇迹出现了，听了音乐的凤仙花比邻近的同类花生长迅速。这些花的叶子平均比一般的花多长72%，而平均高度也增长了２０％。辛夫还对不同的花和蔬菜做了相同的试验，结果表明，声波能促进这些植物的开花、结果，增加产量。

意大利佛罗伦萨大学研究人员对48名45~70岁需通过药物控制轻微高血压的人进行了研究，节奏均匀的古典音乐或印度音乐同时缓慢调整呼吸，结果显示其收缩压（高压）大幅下降，可见，听古典音乐或印度音乐是不花钱的降压药，能帮助病人控制紧张情绪。另据《印度时报》报道，《美国科学院院刊》刊登的英国牛津大学研究员、心脏病学专家彼得·斯莱特教授在对不同节奏的多种音乐在对血压的影响进行了长达20多年的研究结果中发现，音乐节奏类型不同，对脉搏和血压的影响也大不一样，经常听古典音乐可显著降低血压并保持心脏健康。

《英国医学杂志》曾报道，研究表明，经常听印度传统音乐拉格（Raga），可以放松紧张心情，给心脏做“运动”。拉格原意为色彩或热情，是特定音符组合的旋律，能调动听者的情绪。在印度的电影音乐和流行歌曲中经常会有拉格的旋律。这项研究由英国牛津大学的研究人员进行。研究小组根据英国心脏病协会的报道，对照了多种音乐对心跳、呼吸和血压的影响。其中，包括略显嘈杂的电子音乐、传统的华尔兹音乐、摇滚音乐以及印度传统音乐拉格。结果发现，节奏快的音乐会使人呼吸急促，心跳加速，血压也会跟着升高。但当音乐戛然而止时，呼吸、心跳和血压会立即趋缓，心率有时甚至会比听音乐前更慢。研究同时发现，假如音乐旋律起伏过大，会让人感到焦虑。牛津大学医学院心血管病学教授斯雷特在报告中表示，拉格音乐的旋律回环往复，起伏不大却精致典雅，能舒缓压力。“听着拉格，心会随着音乐节奏跳动，就像在给心脏做运动。” Tuning to Raga Maybe Beneficial for the Heart

Tune in to the raga. In a world filled with stress, listening to this form of music could actually cause a decline in the heart rate. "Slower music (is found by researchers to have) caused declines in heart rate, with raga music influencing the largest decline," said the popular cyber-based Ask Yahoo! service in a just-released answer. Ragas or ragam (in Carnatic music) are melodic modes used in Indian classical music. Although classical music is always set in raga, non-classical music too, like popular Indian film songs, sometimes utilise ragas in their compositions. Ask Yahoo! was responding to a query from Apple Valley, California, whether music affects the heart rate. Ask Yahoo! is the question-and-answer column of Yahoo! Inc, the Sunnyvale California-headquartered Internet services company that operates a portal and provides a full range of products and services, including its search engine, directory and free email service. It pointed to recent research put out by the British Medical Journal (BMJ) Publishing Group Ltd and the British Cardiovascular Society that suggests "slow music influences a person's relaxation and that musical pauses modulate heart rhythms (in a good way)". The study was published in BMJ journal Heart. For the study, a variety of musical genres were used, from techno to raga to classical. Researchers found that music with faster tempos resulted in increased ventilation, heart rate and blood pressure. When the music was paused, ventilation, heart rate, and blood pressure decreased, sometimes below the beginning rate. Overall, researchers agreed the style of music was not as important as its pace. Yahoo! Answers also noted that music has also been shown to reduce stress, benefit athletic performance, and enhance motor function in people with neurological impairments. Researchers Luciano Bernardi1, C. Porta1 (of Pavia, Italy) and P. Sleight (of John Radcliffe Hospital, Oxford) said in their study: "These effects appeared to depend on the speed of the music rather than on the style. For example, classical and techno styles induced similar results when similarly fast; raga, classical, and dodecaphonic music, all similarly slow, reduced cardio-respiratory responses." Interestingly, the ancient music form of the raga has been getting a new set of wider interests coming in via cyberspace, with the Wikipedia page devoted to it getting translated into German, French, Cutch, Japanese, Norwegian, Polish, Portuguese and Swedish, apart from Tamil. There are also online sites like Musical Nirvana (introductory material, raga descriptions), ITC Sangeet Research Academy (a scholarly organisation), Sound of India (raga references with audio and online lessons), Indian Ragas (a guide to all ragas), Swarams, Katapayadhi Sutra and Melakarta. Source-IANS

部分印度音乐家简介

自觉的灵Allauddin Khan(1862-1972，另一说1881-1972)，是20世纪印度斯坦器乐流派最伟大的奠基人。他的弟子包括Ravi Shankar、Ali Akbar Khan(儿子)、Annapurna Devi(女儿)、Pannalal Ghosh、Baran Bhattacharya、V.G.Jog、以及Nikhil Banerjee等这些1950年代以来北印度最富盛名的古典音乐家。以他的资历，足可以被尊为北印度音乐的"帝王"。然而他却一生朴素、清贫，淡泊名利，无愧于先贤美名。Allauddin Khan生于孟加拉地区，10岁开始随剧团演出。后来他来到科尔卡塔(即现在的加尔格答)，跟随不同的老师学习古典音乐。Allauddin Khan早年的经历使他对印度的民间音乐了如指掌，而他一生的乐器sarod则是师从于ahmed ali khan，不过Allauddin khan最重要的Guru(导师)是Wazir KhanSahib(16世纪最伟大的音乐家Tansen的后代)，通过他，Allauddin Khan达到了全新的境界。1918年，他来到中央邦的Maihar成为当地Maharaja(印度的蕃王)的宫廷乐师。在这里，他开创了Senia Maihar Gharana，并一直居住于此直到去世。 Allauddin Khan所擅长的乐器，据说超过30种，是真正意义上的北印度器乐宗师。他将dhrupad的要素引入了各种器乐的演奏，从而使20世纪的北印度音乐的面貌焕然一新。他的传人中，最有名的无疑是Ravi Shankar和Ali Akbar Khan，在他们的努力下，Senia Maihar Gharana走向了世界，成为20世纪印度古典音乐中最具代表性的器乐流派。没人能象Allauddin Khansahib一样培养出如Ali Akbar Khansahib, Ravi Shankar, Annapurna-devi, Pannalal Ghosh, Timir Baran这样伟大的音乐家，他们每个人都是各自领域里的顶级大师。他就是这样一个伟大的人。他特别伟大，真的特别伟大，他是个严格遵守纪律和信条的人。在今日，这样的人几乎不可想象！在练习期间，你别想去看电影，读书或者别的，你没有任何精力再做这些！练习从早上四点开始，晚上11点结束。中间是短暂的用餐时间和洗漱时间。要从早上四点练习到晚上11点，累得筋疲力尽。他是一个要求严格的人，有着这样一条严格的信条：“你活着一天，就得练习一天。” 这很单纯，这是非常单纯的一件事；没时间说话，没时间睡觉，没时间吃饭－如果你一天24小时都在练习，他会很高兴的！实际上，他是这种人，一个只知道音乐的人！他认为：“你已经来到这个世间，除了勤于练习别无他法！别浪费任何时间来闲谈！”他真的是个极端严格的人！ Allauddin Khansahib，一个非常谨慎的人，常说：“应该从世界每个地方的所有音乐中搜集美好的东西。”Allauddin Khansahib是传统和严格的典型，但我能清楚地记得，每天夜里9点到11点，全印度电台会广播西方古典音乐。每天晚上他都几乎要听，并且非常喜欢西方古典音乐，他说：“听这曲子，音符运用得多么完美！每个音都那么恰当精确，整个旋律是如此美妙和谐！”就这一点，他经常告诫到，世界上任何地方任何人身上都有可汲取可吸收的东西。自然地，我常常听各种音乐，但是两位音乐家对我一生影响最大：一位自然是Allauddin Khansahib，我想他确实无与伦比。他身上体现出的是一种海纳百川的深度，作为一个人，一个音乐家，他热心善良地对待每个人、每个动物，凡事都考虑得细致周到，每次都让我感动不已。他在各个方面都非常了不起！

萨罗德琴(sarod)大师阿马贾德阿里汉(Amjad Ali Khan) 世界著名音乐家、当今最负盛名的印度萨罗德琴(sarod)演奏大师阿马贾德阿里汉(Amjad Ali Khan)出生于音乐世家，他继承了古典音乐传统，12岁时就举行过sarod独奏音乐会；曾被授予许多荣誉和奖项，包括联合国教科文颁发的国际音乐论坛奖，其足迹遍及世界许多地方，有在中、日、英、美、俄和德国演出过。胡斯塔吉曾被授予许多荣誉和奖项：1975年的Padmashree奖，1989年的学院奖和檀增奖，1991年的帕德玛•布山奖（Padma Bhushan）和1970年联合国教科文组织颁发的国际音乐论坛奖（International Music Forum Award）。他有两位出色的儿子：Amaan Ali Bangash和Ayaan Ali Bangash。

世界级著名音乐家Bhajan Sopori 　　　世界级著名音乐家Bhajan Sopori，被称作桑图尔圣人和弦乐之王。他不仅是一位演奏大师，还是作曲家、音乐理论家、教师、作家、诗人。他具有印度古典音乐双硕士学位，专攻Sitar西塔琴和桑图尔Santoor，还具有英语文学硕士学位，也在美国华盛顿大学研究西方古典音乐，曾有在意大利、美洲国家演出。关于他的背景的中文资料在网上很少，英文资料则相对丰富。

世界著名的古典小提琴演奏家Pandit Prabhakar Dhakde（Guruji） Prabhakar Dhakde没有把他的失明作为障碍, 反而把它当做生命中的挑战，已经在印度和海外建立了作为小提琴演奏家的声望. 孟买Sur Singar Samsad(印度古典音乐家联盟)授予了他享有声望的"Surmani"头衔. Prabhakar Dhakdezai曾代表印度在日本的国际性节庆包括亚州残疾人协会和FESPIC(远南运动会)演出. 他也从1988年开始由Shri Mataji Nirmala Devi赞助，每年都遍及欧洲和澳洲巡回演出, 他现在在全印广播电台(All India Radio)的Nagpur任'A'级艺术家职员. Prabhakar Dhakde作为稳健自信的作曲家、编曲家和音乐指挥家一直在录音棚忙碌。他遍及整个印度旅行，在音乐节和会议给予听众美妙的古典小提琴专场演奏。在他小时候，他的父亲作为著名的音乐家，照顾他的音乐教育, 随后Nagpur盲人学校的校长Shri K.B. Thombre推荐他开始学习小提琴. 在被授予古典声乐、小提琴、塔布拉鼓(tabla) Visharad(印度古典音乐大师)荣膺后， Prabhakar Dhakde成为了国际著名的歌唱家Pt. Jagdish Prasad的弟子。

国际著名音乐家莫罕（Vishwa Mohan Bhatt）

维沙瓦·莫罕·布哈特（也译为毗湿瓦·莫汉·巴特，Pandit Vishwa Mohan Bhatt）是杰出的印度音乐家，西塔琴演奏家拉威·香卡最成功的弟子。1952年7月他出生于印度拉贾斯坦邦的斋浦尔（印度西北部城市，位于德里西南以南），Vishwa Mohan Bhatt 的音乐教育主要来自他的家庭。他从小就浸淫在父亲 Manmohan Bhatt 曼莫罕·布哈特的歌唱、作曲和拉格中。Vishwa Mohan Bhatt 一开始并无意于成为职业音乐人，大约在1967年的时候，他在父亲的音乐学校找到一把德国学生遗留下来的西班牙吉他并收为己有并且开始改造它。对乐器结构反复实验并掌握了左右手的弹拨技巧后，他增加了一些部件以制造滑音。他对这把吉他进行改造，增加了一些低音弦和8根共鸣弦，于是这把吉他能弹出类似于夏威夷吉他一样悠长的滑音，这种滑音效果在印度古典音乐的声乐风格中是极为常见的。于是以他的名字命名的“莫罕维纳琴”就诞生了。Vina或者Veena在梵语泛指一类弦乐器。这种乐器（莫罕维纳琴）看起来是西班牙吉他和西塔琴的综合体，莫罕维纳琴的音色接近西方的滑音吉他，弹奏时使用西塔琴拨片和拇指拨片以及弹拨滑音的金属杆。其旋律、低音、共鸣弦还有 Vishwa Mohan Bhatt 的微分音组合而成的音韵，无论怎样，都坚定地植根于印度本源。早在1970年 Vishwa Mohan Bhatt 就已经成为印度著名的艺术家，并跟随他的老师一起到国外巡回演出，灌制唱片（包括参与拉威·香卡1980年起的克里姆林宫演出），但是真正为他带来国际影响力的是和美国滑音吉他手 Ry Cooder 共同录制的专辑《A Meeting By The River》，该专辑获得了1994年葛莱美奖最佳世界音乐专辑奖项。滑棒吉他大师 Ry Cooder与Vishwa Mohan Bhatt在河边相遇了，他们录制了这张精彩的民间音乐专辑，两位音乐家的演奏功力深厚，两把吉他在塔不拉鼓的映衬之下淡然对话，意境超然。尽管2004年Eric Clapton 组织的 Crossroads Guitar Festival 十字路口的吉他音乐节上他的表演带来了大批的观众，但使他广为人知的还是这张专辑《A Meeting By The River》以及后来他与其他西方艺术家合作的融合音乐和泛文化合作作品，而非他自身在印度古典音乐传统中的独特素质。1998年他获得了Sangeet Natak Akademi奖，2002获得Padma Shri奖。目前 Vishwa Mohan Bhatt 与他的妻子和两个儿子居住于印度拉贾斯坦的斋浦尔。他的大儿子 Salil Bhatt 萨里尔·布哈特是颇负盛名的莫罕维纳琴演奏家（也是沙威其维纳琴演奏家，Satvik veena），小儿子 Saurabh Bhatt萨拉赫·布哈特是知名作曲家。他的侄子Krishna Bhatt克里希纳·布哈特演奏西塔琴和塔布拉鼓。

著名西塔琴演奏家：萨依帕维兹（Shahid Parvez）

名闻遐迩的西塔琴，是印度最迷人的传统乐器之一。清亮的音色制造出奇幻的想像空间，使人如同置身于印度的绚丽风情中。印度有名的西塔琴年轻演奏家萨依帕维兹师承著名的叶塔瓦派，八岁开始演奏，被誉为西塔琴神童，不论演奏技巧或即兴能力，都令人赞叹不已。在印度，人们说西塔琴是「献给神的音乐」，不论音乐或乐师，都具有崇高的地位。印度的西塔琴（Sitar）有两个主要的流派：阿留汀（Allauddin）及叶塔瓦（Etawa）。前者出现了拉维香卡（Ravi Shankar）、尼吉尔班尼基（Nikhil Banerjee）等大师，后者则有维拉耶甘（Vilayet Khan）、伊姆瓦特甘（Imvat Khan）等人。叶瓦塔派的历史，可以追朔到四百年前蒙古大帝时代的宫廷音乐家，可谓历史久远。西塔琴演奏家萨伊帕维兹（Shahid Parvez）便是叶门瓦派的新血。他生长於音乐世家，孩提时代便展现出音乐才华，八岁开始演奏，目前是印度最有名的西塔琴年轻演奏家之一，与一些同辈演奏者为此流派注入了新气象。

心灵歌手Sanjay Talwar 印度知名创作型男歌手，擅长即兴创作。他的音乐和歌声充满了天地的灵气，总能打动人们心底最深沉的情感，唤醒内在的真我。人们相信，他的音乐创作才能定为天赐，喷涌不息。从1986年至今，他创作了130多首歌曲，发行了22张专辑。1988年组建Nirmal Sangeet Sarita乐队，在全世界巡回演出。2004年乐队解散后，Sanjay继续全球巡演，深受各地观众喜爱。1991年在俄罗斯演出时，面对久久不愿离去的观众，Sanjay从7点唱到凌晨3点。专辑：《Roohani Roshani》、《Jai Jagdambe Maa》 …… 音乐欣赏：http://v.youku.com/v_show/id_XNDIwMjQ5ODE2.html http://v.youku.com/v_show/id_XNDIwMzQ3ODIw.html Sanjay Talwar音乐下载：http://www.banet.free-online.co.uk/108/english/index4/40d.html。

西塔琴Sitar演奏家 Avaneendra Sheolikar：1969年出生在印度古典音乐世家，家族第四代西塔琴传人。早年受教于父亲，后来拜师于赫赫有名的西塔琴大师 Pandit Bimalendu Mukherjee。他7岁开始首场演出至今。 10岁获得孟买的全印度音乐比赛一等奖。获得印度政府的杰出人才奖学金。17岁获得最负盛名的全印广播电台音乐大赛一等奖。被授予"SUR-MANI"、 "SUR-RATNA"荣誉称号。在印度和全球，参加了无数享有声望的音乐节。这里节选一些可能大家熟悉的。国家表演艺术中心，孟买灵性文化艺术节，意大利 2009—2013年国际波希米亚爵士音乐节波兰 2009 第18届欧洲纪录片电影节德国 2009 国际跨国音乐节波兰 2009 （与维纳琴大师Pt. Vishwa mohan Bhatt一起）在英国伦敦皇家阿尔伯特音乐厅演出，2010 国际爵士音乐节，西班牙，2009

著名音乐专辑《INDIA LUCIA》融合了印度音乐和西班牙音乐，获得2006年欧洲最佳专辑。这张专辑是西班牙佛朗明哥Flamingo和南北印度的融合演奏，尤其是打击乐部分，从非洲到欧美再到南北印度的主要打击乐器都用上了，非洲手鼓，木箱鼓，塔布拉，多赫拉，格塔姆，口簧，魔力坦根，坎击拉等等齐上阵。《INDIA LUCIA》：http://www.xiami.com/album/2095255014?spm=0.0.0.0.ZuHGCy。

印度著名音乐家Pandit Jasraj

　　 Pandit Jasraj出生1930 年1月28日，他从他的哥哥接受了音乐训练，在14岁，他发誓不剪他的头发，直到他学会唱歌。Pandit Jasraj以宏亮的声音、清晰和悦耳的音调、独特和新颖的构想，对印度古典音乐作出了巨大的贡献。Pandit Jasraj可谓是世界最好的男声音乐家，他的嗓音自然而本真，浅吟低唱之处挥洒自如，带领人们无限接近印度民族之魂。Pandit Jasraj有很大数量的学生，有的成为著名的歌手。Pandit Jasraj得到过許多荣誉和奖项，包括 Padma VibhushanSangeet Martand， Sangeet Kala Ratna， Sangeet Natak学院奖、馬哈拉施特拉Gaurav Puraskar和Dinanath Mangeshkar奖。其作品The Meditative Music of Pandit Jasraj 被有人称为是北印度音乐的最高境界!

艺术家 Rathore三兄弟：少年成名的Rathore三兄弟组合包括大哥Manish和Ajay、Mayank两兄弟。Manish是一位拥有完美声音的声乐家，NCZCC组织的A级表演艺术家。14岁开始表演，他的歌声充满祝福，芬芳四溢。他14岁开始在Saptarang音乐学院学习，二十岁出头的他就拿到了Khairagarh大学音乐领域的VISHARAD文凭，这是一个需要攻读6年时间的学位。在此期间Manish和他的两个兄弟Ajay和Mayank的表演也赢得了极大的赞誉。 Manish师从多位大师学习各种风格的声乐，包括Pt Shambhu Prasad Ji panwar，Dr.Roshan Bharti，在印度各地演出无数，获得广泛赞誉。他擅长于各种风格的演唱方式，如Khayal, Thumri, 拜赞Bhajan以及苏菲唱法Sufi。他的弟弟Ajay是一个优秀的塔布拉鼓手，Mayank是一名印度手风琴演奏者。

知名声乐大师宾山　乔西（Bhimsen Joshi）印度音乐大师宾山‧乔西（Bhimsen Joshi，也有人译为比姆森•乔湿），在声乐演唱方面的境界无人能及。宾山出生于印度西部一个严格的婆罗门种姓家庭中，十岁就开始学习声乐。宾山‧乔西有荣获过印度音乐最高荣誉Bharat Ratna奖。印度著名大艺术家拉威·香卡（Ravi Shankar）、比斯敏拉·汗（Bismillah Khan）均在有生之年收获过这个最高奖。在世界民族音乐中，印度音乐占有极为突出的地位。它以古老的历史文化传统为基础，内涵深厚，特色鲜明、独树一帜、保存完整；并拥有自己高度发达的音乐体系，音阶、节奏、旋律、调式、表演方式及审美观念等都有特殊的印记。在历史的长河中，印度音乐文化伴随着社会各方面的发展，传播到世界各个地方。殖民地时代的印度音乐文化不但没有被同化，反而完整地保存下来，一些欧洲乐器传人印度后也被同化和发展为印度的民族乐器，应该说这是人类文化史上的一个奇迹。卡雅(Khayal)是今日印度最重要、也是经常使用的声乐形式，具有华丽、抒情、自由的特色。它是印度中世纪民谣与波斯系统的歌谣融合后，所产生的一种新歌曲形式。目前，卡雅有两种不同的性格，一种为Bada Khayal , 另一种称为Chota Khayal，前者速度较慢且较叙情，后者则是活泼、华丽的快板歌曲。演唱卡雅时，技巧与即兴的能力是最重要的。除了音阶、音程等因素之外，印度音乐的声乐常会加上一些音高本身的装饰音，以及音到音经过的规则。这种装饰奏便成为声乐曲的独特风格之一。当声乐演唱到达后段快速的高潮部份，可以听出有时声乐家并不是在唱歌词，而是在唱音阶Sa、ri、ma，称为阶名唱法。因为唱到即兴的高潮部份时，歌词已不能适合此即兴的开展，乃用音阶名称来唱，让拉格能尽量的发展。对某个拉格演唱者来说，乐曲只是即兴演唱的一个导引或提示，他必须超越这个拉格，发展出自我艺术的极致表现。此时，演唱者与作曲者是重迭的，而这种即兴发展的动力必须靠听众当时的气氛所引导，如果听众只是规矩、专心地聆听，到整首乐曲结束才给予掌声，可能会带不起演唱者即兴刺激；假设听众的表现是很激情的，如打拍、摇头等等，便可能会强化演唱者的动力。所以演唱者表现如何，还得看听众的表现。所以印度音乐中，作曲者、演唱者、听众三者之间是有密切关系的。在印度，音乐是离开不宗教的，要学习音乐，就必须把自己奉献给神，要去追求精神性与超越性，艺术家如拉sarangi 的Sultan Khan、vocalist 如Pandit Jasraj，Bhimsen Joshi等均是如此。因此，宾山也唱了许多宗教歌曲，在卡雅的演唱上更是第一把交椅，被公认是演唱卡雅（Khayal）的第一人选。Pandit Jasraj、Pandit Bhimsen Joshi被称为是印度古典男声二圣。他也被入选为印度摄影大师洛古雷印度“音乐巨人”系列，其中还有：西塔琴（Sitar)大师拉威·香卡（Ravi Shankar)；唢呐（Shenai)大师比斯敏拉·汗(Bismillah Khan)；竹笛大师、班苏里（bansuri）演奏家查拉西亚（Chaurasia)等。作为一个印度声乐家，他和其它声乐家之间也有过一些配合过一些作品，并大受欢迎。

著名音乐家Ronu Majumdar

著名音乐家Nishat Khan

著名音乐家 Vilayat Khan

音乐家CHHAYA WANKHEDE

Jaggannath Mishra

著名音乐家Ram Narayan

Kala Ramnath，印度小提琴家

米什拉兄弟，印度古典音乐的khyal歌唱组合

印度音乐简介

印度音阶组成称为史瓦拉(Swara西方的Note)，印度音乐的七音符：sa,re,ga,ma.pa.dha,ni，基本的音符组成音程。根据印度的音乐神话,音阶中的七个基本音来自鸟兽的叫声，并能唤起人们对特殊色彩的感觉。以下音名分别是: (后面分别是与之相关的鸟兽叫声和被赋予的各种色彩)

沙音Sa为孔雀的叫声，为荷叶绿色。里音Re 为云雀的叫声，为红色。嘎音Ga ，为山羊的叫声，为桔红色。马音Ma ，为鹤的叫声，为白莲花色。巴音Pa ，为夜莺或杜鹃的叫声，为黑色。塔音Dha ，为马或蛇的叫声，为黄色。尼音Ni，为象的叫声，为所有颜色的综合。

印度音乐中主要的架构是旋律体系称为拉格(Raga) ，及极为复杂的节拍体系称之为塔拉(Tala). “拉格”（Raga,梵语的"raga"，意热情。）被称为印度古典音乐的灵魂，也是印度古典音乐的基本调(Tune)，也可说是旋律的种子。它是一种旋律的框架。它有很多种，每种拉格都有自己特有的音阶，音程以及旋律片断，并表达某种特定的味（Rasa），但拉格本身只是一种框架，它要靠音乐家的即兴表演加以丰富、完善。拉格原意为色彩(Color)或热情(Passion)因此拉格企图藉特定音符组合的旋律，来引领聆听者的情绪和感情，由五个到七个的音符所组成的基本旋律，做自由的变化。这种先人所制定的旋律型(Raga) 北印度有3百种，但很多也失传了，有谱可循的拉格有80余种，如今常用的约60余种。在传统习惯上，不论是演唱或演奏，要点选的拉格是完全依据时间、季节、情绪来决定的，早晨、中午、晚上或春夏秋冬，悲伤、喜悦或敬神等拉格是不容混淆的。拉格不只是固定的旋律型，由于加上时间、加上更细致等抽象的情境情绪的诉求和即兴的技巧、演奏长短、速度的掌控，因此表演者也是创作者，具有作曲家的能力，才算得上是胜任称职的印度的音乐家。塔拉(Tala)源自梵语，塔(Ta)是坦安达瓦(Taandava)湿婆(Siva)的宇宙之舞、象征宇宙生生不息的节奏。拉(La)是指湿婆神妃帕巴底(Parbadi)的分身的舞蹈拉西亚(Lashia)，合称塔拉(Tala)，塔拉近似西方的节拍，塔拉在印度是在节拍周期中固定的拍子(Rhythmic Cycle Containing a Fixed number of beats) 印度的搭拉(节拍)非常复杂，不是按照每个小节中有几个单位拍来计算的，首先要分清楚每一句中有几个单位拍，从6拍(3+3) 、7拍(3+4) 、8拍(4+4)或10拍(2+3+2+3) 、12拍(6+6) 和最常见的16拍(4+4+4+4) ，可组合成百上千种变化。印度搭拉可以是等值区分，也可以是不等值区分。搭拉提供了精准拉格旋律的架构的基础；因此搭拉(Tala)和拉格(Raga)是印度音乐中不可缺的两大支柱。

印度音乐学者从传统的72种拉格，重新整理出这十种不同的搭尔特(Thaat)，这十种塔尔通常和其他的拉格放在一起演出。这十种的塔尔的名称如下：　　1) 毕拉瓦(Bilawal)朝/喜悦　　2)马瓦(Marwa)午后/爱和热情　　3) 白拉卫衣(Bhairavi ) 朝/悲伤　　4) 白拉威(Bhairav)晨曦/虔敬　　5)陶笛(Todi)朝/崇敬　　6)阿沙瓦力(Asawari )黄昏/温柔　　7)亚曼(Yaman)/(Kalyan)黄昏/阳气和热闹　　8) 卡哈马吉(Khamaj)永恒之爱　　9)卡飞(Kafi)朝/热情　　10)普尔卫(Poorvi)黄昏/神秘

印度乐器简介

印度手风琴( Harmonium)由19世纪改良自欧洲传来的风琴，并不是印度本土乐器，它是上世纪从欧洲传入的，是一种手拉风箱的簧片管风琴。虽然它是新传入的乐器，但已经迅速传遍了整个印度次大陆。今日，它已经出现在几乎所有印度音乐流派中。尽管Harmonium 琴是欧洲人创造的，但它已经发展为一件名副其实的二元文化乐器。欧洲的手风琴必需要脚来踏风，体积壮硕，进口成本高，搬动不易，另则印度乐器，通常是席地而坐的表演，很不塔调；聪明的印度人，于是发明了这箱形手提式的风琴。键盘是欧洲的，但簧片的配置是印度特色的。欧洲模式有双手风箱式和脚踏风箱式，脚踏式很多年前就在印度消失了。尽管手提式风琴需要一只手拉风箱，但当席地而坐演奏时它较轻便和、舒适。原西方以脚采踏板，好处是双手可弹琴，但印度音乐并不需要西方的和弦(chords) 因此，西方风琴，很快的被印度箱型手风琴，被改成箱形的手摇取代，因此印度手风琴在印度、巴基斯坦、阿富汗广受欢迎，流行整个印度次大陆。在印度不分南北，曾到处能听到印度手风琴的乐声；现今多流行在北印度地区的宗教吟唱、轻古典、电影音乐等等，但印度、巴基斯坦卡瓦里(Qawwali)苏非吟唱，则是必备的乐器。　　印度手风琴上的琴键看起来和欧洲的风琴没有什么不同，但印度手风琴有几个键是有印度特色的持续低音键。印度手风琴是一个精致木作箱形乐器，里面包括正前方的琴键、正前方的名种控制按纽；在正后方，有四方形的活动夹板---即为风琴手摇送风器，箱壳外的手提把等结构。手风琴的琴键有黑白键，键的款式是西方古典琴键，至于西方标准的如A=440的Key在印度手风琴是不需要的。通常手风琴乐师，在箱子上面加保覆罩，一则是保护乐器被碰撞，二则可以在超高频或低频的吸音，也可做消音等用徒。手风琴前排的控制阀门(主要是控制风琴的风向，配合所要的表演功能。除了持续低音控制纽，每一个簧室配有一个控制纽，以防送来的风任意的扩散，还有另外加上颤音装置的控制纽，一般的乐师，仍习惯在奏乐时，打开所有的按纽，专心演奏。手风琴中的持续低音控制纽和其他的控制纽，是完全区格的，以防止漏风干扰。印度手风琴一般有二种演奏姿势，最普遍的是将手风琴放在前面右手弹琴、左手送风。至于卡瓦力则将手风琴的一半斜放在膝上，一样是左送风，右弹琴。塔布拉鼓（Tabla ）：印度塔布拉鼓被认为是世界上最复杂的鼓。塔布拉为两只一对鼓的统称，在北印度音乐和舞蹈中作为伴奏乐器。塔布拉由2个用手指和手掌演奏的竖式鼓组成，每个鼓都放置在带铃的衬底上，鼓的每一头都包含三种不同的鼓皮。演奏者用手掌和手指制造出丰富多变的声音。右手鼓被定调为主音的属音或者下属音，而左手鼓则作为基础。塔布拉鼓可能是最多才多艺的打击乐器了。塔布拉鼓是一种两件套的打击乐器，是大多数北印度古典音乐（也就是卡亚，khyal）和轻音乐的主要节奏伴奏乐器。据说它是源自一种叫魔力单根（在南印度音乐中广泛使用）的双面鼓以及另一种名为帕卡瓦甲（在北印度音乐鲁帕德和达玛中伴奏）的鼓。　　细长的圆锥形的小鼓叫做塔布拉或者达延（dayan，意思是右边）通常于右手侧演奏。它的鼓身通常由蔷薇木或者橡木挖空制成，顶端蒙有延展开的分层皮膜，皮膜由皮带固定。皮带和鼓身之间放置有木钉或木栓，用它们可以调节皮带松紧，改变鼓面张力来调音。鼓面中心黑色的断片和鼓皮非常脆弱，绝不能用鼓槌击打－－这是手鼓。达延是用小金属锤子轻轻击打顶端皮膜的外围或者是皮带间的小木块来调音的。它通常调至表演时的主音。大一点的圆形鼓叫做达吉（duggi）或者巴延（bayan，意思是左边，因为它通常在左手侧演奏），它的鼓身通常由陶制，现代的则多用金属制成。顶端蒙皮膜，皮膜四周用皮带系着，和达延一样，皮膜上也有黑色的圆片。巴亚比达亚的直径大，负责低音部。演奏者依次用食指、中指、无名指和掌心及掌根部击打鼓面制造出高音和低音，组成了塔布拉的“波尔”（bols，打击乐器的音符）。有经验的演奏者组合巴延和达延能演奏出超过20种的声音排列和节奏。 Dholak多赫拉鼓（印度斯坦打击乐器）：这是主要用于在祈祷仪式和电影音乐里伴奏的打击乐器。鼓身为木制，两段蒙皮。多赫拉鼓的定调是通过套筒螺母系统或者是鼓身周围的细绳调节的。多赫拉鼓右侧的鼓膜较简单，左侧鼓膜内侧有用沥青或是沥青、黏土、沙子的混合物所做的涂料层。多赫拉鼓是也是卡瓦力的主要伴奏乐器。 Kartal木制双响板，有五个孔的响板，五个孔都嵌上铜铃响片，使用在北印度巴哈真(Bhajans)及吉尔坦(Kirtan)的民间音乐、舞蹈中。在马尼普(Manipur)则用更大尺寸的卡托儿(Kartal)木制响板。满吉拉（manjira）：满吉拉( Manji)是小钹，黄铜制，在印度有不同的名字如贾汗尼(Jhani)或塔拉(Tala)。这种小钹是无所不在，通常用在舞蹈、戏剧及宗教仪式中，是不可缺的乐器。满吉拉小钹是印度古老的宗教乐器，从古老的庙宇中，各种刻画中出现的小钹，即是证明。坎击拉（Kanjira）是一种小型手鼓。印度手鼓，是印度的古老乐器，在几千年的印度古图文中，常出现这种手鼓，在南印度是仅次于魔力单根(Mridengam)常见的鼓乐器。坎击拉在印度古典音乐演奏中非常流行。但是因为它很难长时间进行连续演奏，所以不作为主要乐器。坎击拉印度手鼓鼓皮只有单面，鼓皮是蜥蜴皮或蛇皮做的，因此有人称印度蛇鼓。坎击拉由富弹性的蜥蜴皮覆盖在木制框架上制成，框架直径大约7英寸（17.78厘米），嵌有圆形金属响片。印度坎击拉手鼓比中东和西方的手鼓略小，宽约8到9吋，深约3到4吋，在圆型的木匡环另附有2/3片的圆金属响铃片，在击鼓或摇鼓发声金属响音。坎击拉印度手鼓，左手持鼓右手以手掌或手指击鼓(反手亦然) 。坎击拉印度手鼓体积小但能量颇大，如没有看到表演者，听到宏量的声响是不成比率的。由于坎击拉印度手鼓无法调音，如果鼓皮紧绷也可以在鼓皮洒一些水，可以改善，如潮湿鼓皮松弛时，可以晒太阳，灯或吹风机，但要小心可能伤及鼓皮。坎击拉印度手鼓也有不附金属响铃片的。清普搭（Chimpta）。清普搭事实上是家用的夹火钳，在火钳上每边固定5个响铃，清普搭是用在潘贾比(Panjabi)的民间歌谣上使用。清普搭也是锡克教的宗教短歌常使用的乐器。萨罗德琴（sarod ）是印度音乐中流行的弦乐器，作为北印度常见的器乐，经常和塔不拉鼓一起演出。琴身是由一块久置的柚木（注：柚木属油性，久置不易变形）雕刻而成，琴腹覆有山羊皮。有4根主弦，6根低音节奏弦和15根共鸣弦，均为金属弦。弹奏时用椰壳制成的拨子弹拨。萨罗德琴共鸣箱比较小，是以义甲来弹奏，共鸣箱上是用羊皮覆盖，在拨弦版是呈三角型，拨弦版表面是银色金属拨弦板，拨弦板上没有琴格，琴杆上头有的附有共鸣球和不附共鸣球两款，琴面表皮下是抽木材质的琴身；萨罗德共上层有8金属弦(也有6条)，其中4条是主弦，其他2条是持续音、2条奇可力(Chikari，可产生节奏拍子) ，下层有11到15条的共呜弦，调弦音为(SA SA SA PA SA MA(C1C! CG C1 F !) 音域大约三个八度音。这些共呜琴也是逐次配合不同拉格(Raga)的主弦的调音而调音，才能弹出好听的萨罗德琴。萨罗德琴长从110公分到114公分。桑图尔（santoor）。在演奏印度古典音乐时，桑图尔用两根弯曲的胡桃木棒槌敲击演奏，制造出类似钢琴、竖琴或大键琴的声音效果。很长时间里，桑图尔仅用在克什米尔地区的民间音乐里。直到多才多艺的大师湿婆库马?6?1沙玛（Pandit Shivkumar Sharma）对它的结构做了革新使之具有更宽广丰富的表现力，桑图尔才成为一件目前公认的经典乐器。班苏里（Bansuri），“bansuri”（ban【bamboo】竹子＋swar【musical note】音符）是一种中音横笛。班苏里是克里希那神选定的乐器，和牧歌与田园相联系，它是印度最古老的乐器之一；它在吠陀经上被提及，并在2000多年前的佛教艺术中有所描绘。尽管班苏里是印度最古老的乐器之一，但它占据北印度音乐会乐器的地位是近些年才有的现象。它有单根竹子制成，开有6到7个音孔。班苏里没有按键来发出高调音和降半音，所以所有的变化音和微音程，乃至印度古典音乐里至关重要的如降滑音和其他修饰音，都需要通过独特的指法技巧来完成。　　笛子或者维努（Venu）是准古典音乐中特有的伴奏乐器和卡纳提克音乐中流行的独奏乐器。神话中克里希那的迷人笛声不知俘获了多少人的心，因此笛子也被尊为神圣的乐器。它在吠陀时期即开始被使用。竹制，乐器调子的调节靠改变乐器的尺寸完成。西方的笛子提供多样的音调，而印度笛子则是单一的。唢呐（Shehnai ）是北印度双簧管。唢呐的声音被认为是吉祥的。它是寺庙和北印度婚礼上不可缺少之物。直到最近它还只用在寺庙和婚礼中。把它带进古典音乐应该归功于胡斯塔德比斯米拉汗（Ustad Bismillah Khan）。尽管它被称为双簧管乐器，但其实它有四个簧管，两个是高音簧，两个低音簧。这乐器吹管是木制的，喇叭是铜制的。簧片则在绳索捆绑的铜管中。唢呐有8个指孔，但通常你会发现它们中的部分或全部是用蜡封着的。西塔琴（sitar ）是最流行的印度弦乐器，它使用已有700多年的历史了。西塔琴的传统沿革漫长而复杂；可以追溯到古代的维纳琴。它由一个大葫芦和柚木做成，有20个金属琴品，6到7根主弦，下方还有19根共鸣弦。它由指端的拨子弹奏。　　维纳琴（Veena ）。印度至少有几百多种乐器，它们有其各自的名称、形态、历史和发展，弦乐器的类别最多，其中维纳(Vina或Veena)是印度最具代表性的弦乐器之一,也是最为重要的乐器，许多其他的弦乐器无论在形制上或是演奏技法上大多都引申自维纳这件乐器，也叫做萨拉斯瓦蒂维纳。萨拉斯瓦蒂维纳是和知识与艺术女神联系在一起的乐器。维纳琴是印度最古老的弦乐器。在印度神话中，维纳琴被认为是一种神圣的乐器，经常可以看到对男女众神弹奏维纳享受它美妙旋律的描写。印度伟大的史诗《罗摩衍那》和《摩诃婆罗多》也提到维纳琴。诗人蚁垤(Valmiki)在编写完《罗摩衍那》后宣称：“这是历史性的诗歌作品，它可以用三种拍子欢乐地歌唱，它包含七个音符，它可以用维纳琴来歌唱。”实际上，拉瓦（Lava）和库萨（Kusa）就用依卡坦力维纳（Ekatantri veena）在罗摩衍那加纳的罗摩宫廷里演奏。印度大音乐家纳茹阿达（Narada）在《乐论（Sangita Makaranda）》中提到了很多种维纳琴。维纳琴制造了印度音乐中所有的装饰性颤音（gamakas）和优雅。此外，琴品的存在使音乐高度纯洁，甚至在演奏高速的布里加斯（brigas）时，也要靠虔诚和专注的练习来实现。数个世纪过去了，维纳琴被认为是神圣的乐器，演奏维纳被认为是一种瑜珈修行。拯救和释放能通过演奏维纳琴达到。因为吠陀上描述的通常的瑜珈都需要身体和心灵上的努力才能达到释放。看到和触摸维纳琴能获得信仰和解放。它能净化罪人，哪怕他犯的是罪行。木头或竹子做的琴身（danda）是湿婆，弦是乌玛（Uma，即湿婆的妻子帕拉瓦蒂），双翼是毗湿奴，琴桥是吉祥天（Lakshmi），葫芦是梵天，琴脐是萨拉斯瓦蒂，连接线是和须吉（vasuki，龙王婆苏吉），吉瓦（jiva）是月亮，琴轸是太阳。维纳琴象征了几乎所有的主神和他们的妻子，所以有能力送出所有神的祝福和吉兆。有人断定除了瑜珈修行者，无人能懂得维纳的荣耀。总之，维纳琴的演奏自身就是一种瑜珈，它能给予世俗之人和绝尘脱俗之人以欢乐。往昔的诗人和音乐家全神贯注于维纳琴神圣的音乐中，他们把练习看作最终的目标。维纳琴是一种由三个独特的部分组成的弦乐器。一个用整块杰克木雕刻而成的碗状琴身，长长的琴颈向下弯曲，尾部装有一个葫芦做共鸣器；琴品是由黄铜制成，插在蜡上固定。共有7根弦，其中4根是主弦，其他三根是节奏和低音弦。用金属片制成的琴拨弹奏。海神响螺（Shankh）。海神响螺是贝壳天然乐器，在全世界很多民族都有这种类型的乐器。在印度文化的认知，吹海神响螺会带来好运，也是战士凯旋胜利归来的欢迎乐器。海神响螺在迎神庆典中也常出現。由于从来沒有吹海神响螺的教学，因此吹的好的人已不多见了。印度小提琴在结构和外观上和它的西方亲戚没什么不同，但演奏技巧是完全不同的。印度音乐里你会发现大量独特和精妙的技巧。值得一提的是，和西方音乐家把小提琴放在下巴下不同，印度音乐家把小提琴固定在肩膀或者足上。这提供了西方音乐家和北印度音乐家所不能比拟的稳定性。北印度的技巧尽管没那么精致，但仍然让人印象深刻。