钟旭东：忘记大画幅摄影
1827年在法国勃艮第Les Chavannes约瑟夫.尼埃普斯（Joseph NicephoreNiepce）通过他家的窗口用了8个小时的曝光拍下了人类第一张的照片。两年后1829年8月19日，达盖尔公布了这项专利。并随之宣告人类摄影术的诞生。
回溯当年，无论是拍摄耗材以及技法与今天的摄影形式大不相同。唯一保存下来的，也就是当时使用相机的那种操作方式，在今天我们称之为大画幅摄影（Large Format Photography）。
我自中学时代迷恋上摄影。工作后开始买了一套135画幅单反相机，然后就是120中画幅，直到90年代中有一天看到一个比中画幅120还大的画幅，心里头觉得很好奇，而且这种相机有很多莫名好玩的功能。刚开始用大画幅主要的原因还是看重它有很多中小画幅相机没有的操作性能。比如说我们经常在拍摄大画幅里用到的沙姆定律，这些功能可以控制拍摄景物清晰范围，还有可以控制景物的变形程度。这对于一个理工男来讲，是非常有吸引力的。它使我发现除了拍照之外，还可以参与并控制这个过程。
我最早拍摄大画幅的时候是拍彩色的负片的。因为喜欢彩色负片的颜色的还原和制作方式。最主要是家庭环境局限，当年没有办法拍摄黑白底片。因为我知道黑白是需要后期的制作配合才能完完整整的按照自己的意愿还原出来。直到一九九九年有了自己的暗房后，才开始慢慢专注到拍摄黑白的这个领域当中。
在拍摄黑白后我就更加专注的去了解摄影其本身对技法的操控的结果。摄影不是多年前知道的那样咔嚓按快门一下之后就完成了。拍摄大画幅实际上是对拍摄者本身的一种训练，一种对摄影技法与想法的思考训练。
因为大画幅本身的操作方式，所以操作上会比以前中小画幅在拍摄的时候需要耗费更长的时间，但是这种模式实际上又带给了拍摄的人更多的思考空间，也就是说你在拍摄前后要更加注重你拍摄画面的这些细节与内容。用了大画幅相机拍摄之后，因为其繁琐的操作反而给了我更多思考的时间。这几年我出去用大画幅拍摄，所携带的叶片我故意都带的很少，数量基本上就是几张。这样可以迫使自己在按下快门前思考周全。
我在开始拍摄大画幅的时候非常关心操控技术。比如说那只镜头要比其它的镜头更好，那个镜头的解像力更高，那一支镜头暗部的描绘能力更细腻。甚至到那种相纸能体现出更好的影调。每次从暗房里出来晾干底片后。首先就是把底片放到灯箱桌上拿高倍放大镜先看焦点的清晰度，然后把放大镜放到边角上，看四个角的清晰度。这是长期以来，我对影像质量的要求的一种习惯。这种习惯，局限了我很多年。尤其是在技术上，局限了我自己对于拍摄思考的方向。一开始我认为摄影拍摄要有自己系列性。因此我就专注的拍摄某一个系列。我第一个系列叫“岸”。河岸的岸，我把水与陆地交界的地方都录入到我这个系列。我拍了大概17年。断断续续的都在拍，只要看到有机会，水与陆交界的地方我都去把它拍摄下来作为我这个系列其中的一张。到今天为止这个系列已经拍摄了21张但还在继续。
除了这种有系列的拍摄之外，我还拍摄很多大画幅相机特有功能的照片。什么意思呢？就是说，只有用大画幅才能拍到这种照片的东西。因为我认为我们每天都出去拍摄，扛着硕大的相机，繁重的器材。如果我们拍摄的照片给人家看，人家认为你中画幅拍的， 135画幅拍的，乃至于手机拍的，那我用大画幅岂不是失去了意义？因此，我就刻意的去拍摄一些，能够在照片上显现出跟中小画幅不一样的画质的内容和题材的照片。
这些年我与大画幅摄影圈有着千丝万缕的关系。从早年间自己经营大画幅的设备，到十年前慢慢淡出这个这个行业。现如今专注照片制作与装裱。到近几年开始收藏作品。这些年我认识了很多的朋友，认识了很多与我当年开始拍摄大画幅一样的人。其中很多人都跟我当时是一样的，就是很容易走入这种所谓的拍摄大画幅的一个误区，我们把摄影的本意本末倒置的放在技术的层面上，而忽略了我们拍摄照片其本身的意义与价值。这个也是现在国内大画幅圈子里面的一种常态。大多数的人都在追求哪种相机好，哪种脚架的更稳固，哪种工艺更加的完美。很多人花费大量的时间金钱去购买昂贵的设备，去学习多种的后期工艺与手法。但是，除此之外，他们从来不去想象他们拿起手中的大画幅，最终所拍摄的照片的目的是什么，他们要表达什么？他们要阐述什么？他们要想诉说什么？
我算是在大画幅入门比较早的老人吧。直到今天都经常收到一些朋友的关于技术上的咨询，说这支镜头是不是特别的好，这种相纸是不是影调更丰富，含银量更多。这个相机是不是功能更多，真的是不脱轨？如此种种。我经常跟他们说，你们现在手里面的相机镜头要比你们所知道的如亚当斯，威斯顿他们当年所用的相机好的太多了，但是。我们更应该思考的是自己的照片有没有达到当年他们拍摄的水平
钟旭东（无忌：绿影室）老师文章