渺小且伟大——“原生态”雕塑的自然之美
“在自然的微小细节里，我们往往会发现稍纵即逝却又恒久存在的美。就像人与人的交往关系中，那种既脆弱又坚定不移的情感。”
—— 奥古斯特·罗丹
1自然无往而不美
自然，无疑是美的。仰看那枝头金黄色的秋叶在光晕中随风颤动，或只是在池边俯看蓝天白云在水波涟漪中荡漾，所产生的难以言表的愉悦。
最平凡的日常风景往往蕴藏着令人屏息的自然之美。每天走在上班途中轻轻踩过的落叶，每片叶片都有属于自己的脉络，那是大自然赋予它们的独有印记。
艺术家往往具有将非常普通的材料转化为非凡的能力。艺术家Susanna Bauer 认为，大自然的脆弱和人类对它的生存态度密不可分。她的艺术创作专注研究废弃的自然物体，把捡拾来的“自然碎片”与编织相结合，在“微世界”里用心地创作一件件迷你艺术品。
这些作品是艺术家和自然之间联系的有力例子。Susanna Bauer在她的作品中加入了自然元素，仿佛她是在与自然合作。其实也有许多艺术家受到自然的启发，试图模仿他们在自然世界中看到的东西。
自然万象无不在“活动”中，即无不在“精神”中、无不在“生命”中。艺术最后的目的，不外乎将这种瞬息变化、变幻无常的“自然美”，借着绘画、雕刻的技巧手法来表现自然之真，使它普遍化、永久化。
艺术家Duy Anh Nhan Duc把一朵朵白白胖胖、毛绒绒的蒲公英作为创作材料，制作了一个装置实力演绎“温室里的蒲公英”——聚集到一起的“盛大场面”让人十分想把它吹掉。“蒲公英令我找到了人生之初对植物产生的最真挚的情感和热爱。”他如是说。
从自然物性到自然心性的发现，不但是艺术家对自然原境寻觅后的反应，也是雕塑本体效能的边界与跨界的重要途径之一。
每到春夏季，艺术家Wolfgang Laib都会大量采集花粉，用于一系列花粉作品中。收集、筛选花粉、用纱网将花蕊和粉分开，这个从 1977 年开始一再重复进行的行为，被他视作一个"仪式"。
花粉本身并没有叙事性，但这种形式简单的重复，却蕴含着艺术家对信仰的思考。整个采集创作更像是一次自省的机会：他认为花粉是花的本质，是生命的开始。每年展览时，这些花粉都会以一个短暂的黄色花粉田的形式呈现。当我们驻足于美术馆中，感受时间的本身与自我，时空上的距离在此被悄然抹去，关注到文明与自然间的和谐。
MoMA美术馆为此特地制作了一部纪录片。在片子里，我们看到置身田野中的他自然惬意，一切行为都有章法。当展览结束，Laib会把花粉回收，重新装回玻璃罐中。如同僧侣，30多年来缓慢地、静默地、温柔地、一心一意地做一件事，这本身就是一件持续多年的行为艺术。
艺术家要模仿自然，并不是直接复刻自然的表面形式，而是深入去体会自然的精神，感受自然凭借物质以表现万相的过程；然后以自己的精神、理想情绪、感觉意志贯注到物质里面制作万形，赋予物质以精神。
平遥国际雕塑节参展艺术家——展望的代表作品《假山石》系列，便是以中国古代园林中的太湖石为原型。手工打造出光滑闪亮的不锈钢山石，放置在自然空间中，和环境形成一种不协调的张力。在一种微妙的冲突中，让人直面中国传统文化与现代化进程、自然与工业之间错综复杂的关系。
《假山石》系列的意趣在于——它借用了当代的语言和表达形式，进而展现一个特别具有中国哲学思想的观念。近年来的生态美学，则为雕塑和环境的关系提供了新的思路。
生态美学强调以自然为本体，雕塑作品应该作为周围环境的一个有机的组成部分参与进来，强调作品、人与环境之间的共生关系，为雕塑的空间观念提供了新的可能性。
艺术家Giles Miller的作品由数百个不锈钢硬币形状的零件，穿插在胡桃木框架内组成。光线通过装置反射形成巨大的发光体，引发了混乱的数字化效果。然而恰恰相反，该装置的内部构件仅仅在有限的范围内进行反射，既与周围的环境相对，又与它们密切相关。
如果审视周围，会发现如今的我们被超多工业产品所包围。这一独特游戏景观装置的设计初衷，便是鼓励孩子和父母“逃离工业文明”，亲赴海拔1062米的高地上共同参与户外活动，呼吸来自森林和山间的清新空气，感受树木、水和石头等元素所蕴含的自然之美。
装置的主要材料是钢材与落叶松木——材料的选择充分考虑了场地的高海拔环境以及漫长的冬季，以一种介于游戏和雕塑之间的形式与自然环境和谐相融。
2雕塑、空间与呼吸共生
雕塑与自然发生关系的第一个层面就是对雕塑材质的自然属性的发掘和利用。除了对材料自然属性的审美之外，自然材料本身的环保和循环再生、物质形态的改变和转化等也成为了雕塑创作关注的重点，从而从另一个维度上丰富了材料与雕塑的内涵。
艺术家Rowan Mersh的一系列自由悬挂装置作品名为《Asabikeshiinh l 》，是对印第安人捕梦者的一种反思：用各种神圣的自然材料为人们编织神奇的网就会过滤掉所有的噩梦。
使用贝类来模仿自然几何图案。这些圆锥形贝壳首先被切割，研磨，形状和抛光，显露其花边般的中心洞，然后与氟碳化合物结合在一起。每一个贝壳都能透露下一个贝壳的形状、大小和位置，制作出了织物的天然褶皱感，把坚硬和柔软完美的融合在了一起。
海洋也正如陆地一样，是很多生命赖以生存的家园。在全球变暖的大环境下，对珊瑚礁的保护也成为全球共识。艺术家Courtney Mattison希望借助《Confluence (Our Changing Seas V)》这件作品来致敬印度尼西亚的珊瑚礁以及它们为印尼乃至世界做出的贡献，同时也提醒着人们意识到气候变化和珊瑚礁白化等问题的严峻性。
这件精致而复杂的雕塑激发了观者对于珊瑚礁的联想，选择陶瓷作为材料，是因为黏土和釉料的基本成分“碳酸钙”同时也是构成珊瑚礁骨骼的基本元素。Mattison解释道：“在这些螺旋状的生物群聚的边缘和尾部，珊瑚已经出现患病和白化，这是气候变迁可能导致的灾难。”作品不但使人们切实地感受到自身与珊瑚礁之间的联系，也促使社会各界以实际行动来保护生态环境。
雕塑与自然发生关系的第二个层面在于对自然形式的借鉴和模仿。雕塑自然趣味的传递常常来自对材料自然属性的审美和利用，以及对自然形态进行模仿、抽象、创意，两者相辅相成一起构成了作品的形式语言和艺术形象。
如巴塞罗那的设计师Victor Castanera，首先将水倒向海滩的沙地，水的冲刷力和重力把沙地冲出一个坑；接着将这个坑里的杂质去掉；用生态的丙烯树脂薄薄地浇在坑上，一旦树脂与水催化，便会按随机的形状开始硬化；最后轻轻挖掘、分离沙子，创造有机的、即兴的艺术品。
自然事物有可能转化为家居用品？
YES！ “我希望它们可以被当做家具来使用，但同时又不拘泥于家具的形式。地质学和侵蚀现象是我灵感的主要来源。”瑞典设计师Kajsa Melchior如此解释：“该系列的作品都是由沙子制成的，它们通过不同的外力作用呈现出不同的样貌，例如风和水，这些自然界的力量，亦或是由我的身体带来的压力。”
每件家具先由沙子进行塑形，呈现出独一无二的造型和肌理，然后再用雪花石膏将其制成成品，最终形成一种罕有的类似于石头的质感。这一关于“偶然性”与“可控性”的主题在雕塑中以一种暧昧的方式被表达出来，这是艺术家对奇妙且持续变化的自然不断探索的成果。
艺术作品靠什么来震撼人心？作品中令人感动的应该是蕴含在构图、结构、体块、色彩、材料、肌理等诸多关系中的情感力量……这很抽象也很难理解，在通过全球越来越多的艺术家对自然题材的灵感创作，我们也会不断解读着对自然的好奇与可能性。 [*本文系原创，如需转载，请注明出处。]
