略谈维也纳爱乐广州演出的第一场：维也纳爱乐，终归还是有维也纳爱乐的技巧

文：张可驹

有幸得到丹拿音响的邀请，本人前往广州，欣赏了维也纳爱乐乐团这轮巡演广州站的第一场，2024.11.4，地点：星海音乐厅。

星海的音响是出了名的好，在这个环境里听维也纳爱乐，不啻是理想组合。本次又有人旧话重提，之前维也纳爱乐来国内的几次巡演中，曲目气魄最大的两场，莫斯特指挥的布鲁克纳《第五交响曲》和蒂勒曼指挥的布鲁克纳《第八交响曲》都是在星海演出的。希望以后，上海可以补回这个遗憾呃……

这次尼尔森斯（Andris Nelsons）指挥维也纳爱乐，上半场演肖斯塔科维奇《第九交响曲》，下半场演德沃夏克《第七交响曲》。我坐的位置坐距离乐队比较近，原本是不太有利于捕捉乐队的层次与平衡的，没想到听起来层次还是不错，尤其是木管乐器没有被淹没掉。一方面星海的音效真的好，而另一方面，维也纳爱乐的控制力还是很强的。

单纯通过唱片或音频、视频了解这支乐团，有时会感到维也纳爱乐在纯技巧的控制上，在超一线的层面，已不是其最突出的长项，而是以其难以替代的风格取胜。可在现场听过以后，会发现维也纳爱乐的很多技巧真的还是强。而且就和它的风格完全结合在一起，是深入骨髓的东西。虽然有一些局部改变了，可很多本质的东西确实没变。

原以为，老肖的演出可能体现出指挥和乐队的微妙角力，德沃夏克或许更加得其所哉。听后，却发现正好相反。

“肖九”这部作品，实在是集合了老肖最复杂的心路历程。对于胜利，损失惨重的胜利，以何种角度来审视？又以何种姿态来表现？那个意味深长的“快乐的”开篇之后，我们从面对凄然的牧歌风格，直到与作曲家共同经历对于之前的《第八交响曲》伤心惨目之意境的回望。

维也纳爱乐的演奏，体现出他们的乐队音响与整体表情风格的非凡的可塑性。这支乐队固守其传统美学，是最最有名的。然而，倘若完全拘泥于传统，将作品硬拉到自己的风格当中来 ，那其实无论怎样的“美”，终究也称不上是多么高的境界。

维也纳爱乐的了不起之处，就是一方面，他们有时真的会把自己的美学强行“入侵”到老肖的作品里面。哪怕面对像索尔蒂这样的强势人物，他们演绎“肖五”的录音也体现出这一点；但另一方面，维也纳爱乐的成员都是负责且有品味的音乐家，知道该怎么用自己的传统美学？

在“肖九”的第一乐章，如果他们运用自己传统中的rubato功底去增添一些花哨的处理，其实是很容易的。不仅不需要指挥家做特别的带动，甚至可以轻易地反噬指挥。但是，4日晚乐队表现“肖九”的开篇，是采用一种非常强有力的节奏进行支撑整个乐章。

节奏如同心跳、呼吸，而有些直来直去的线条成为了骨架。在这有些无情的节奏推进中，乐队的传统又体现为木管乐器如歌的演奏——既能让这种独特的美感游弋于紧凑的框架之内，又能让音乐表现紧扣作品韵味的多层次，继而也时刻令听者感到这就是维也纳爱乐的风韵啊！

第二乐章中，刻画音乐外在如同牧歌般的优美，内在又是深深的哀伤的情绪，维也纳爱乐的木管组展现出了他们真正精深的传统功力。而这样的传统，恰恰就是不浮在表面去追求一种人们印象中的“丝滑”。

演奏家们郑重地对待老肖此时复杂的心境，首先将这种哀情的深度抓住了，而后，再去表现这个乐章独特的优美性。维也纳爱乐的木管组塑造线条的功力，那种独特的韵味是分分钟都在的，魅力很鲜明。但首先，是体现出音乐本身的情境，然后才让你看到属于乐队的东西。

当然，更体现切肤之痛的演奏，可能还是来自于和老肖同一片土壤的音乐家们。可是伟大之作之所以能够突破地域的限制，恰恰在于作者书写的是人所共通的情感。维也纳爱乐就是抓住了这些东西，并且运用自己的长处来表现。

同样在这个乐章中，维也纳爱乐的弦乐给我留下最深的印象，并非他们标志性的美声，而是对于层次非常精湛的控制：他们真正知道如何在保持自身分量的情况下，完全围绕、烘托处于主要位置的管乐演奏家们。

而这，也就是为何维也纳爱乐的演奏体现出他们确实依旧技巧精湛，并以此为最核心的优势之一？因为这样的层次，分量的把握，如果换成一个不那么突出传统，而单纯着重高超技巧的乐队来表现，也不是做不到，但那样的效果往往就会呈现为一种犀利的透视感。

维也纳爱乐则是又有精细的控制，又有各声部的交融，一种自然的配合。而当各个部分都分量得当，又能融合在一起的时候，整体上就呈现出一种独特的丰满度。这是单纯去搞X光透视式的层次与平衡很难达到的。

在第三乐章激烈的演奏中，维也纳爱乐的演奏家几乎更充分地体现了层次清楚，又整体凝聚的效果。的确不失为他们的真功夫。刻画第四乐章广板的开头，铜管毫不强势，却在阴郁色彩的渲染上，让我们领略到关于维也纳爱乐某些熟悉的东西。

整部作品演下来，特别引起我关注的是巴松管的独奏。老肖在此赋予这件乐器绝对吃重的份量，无疑是“肖九”的特点之一。

维也纳爱乐原本受人诟病颇多之处，就是他们确实相当晚才开始在乐队中招募女性演奏家。而这位巴松管演奏家，就是一位技艺超凡的女性（图7）。她的部分在全曲中如此之重，其表现则真正成为维也纳爱乐门面式的演奏。无论在诸多的独奏段，还是把握最后两个乐章之间的转换，都稳稳担起了这些关键段落的分量。

在曲情最为深遂的第四乐章，那动人的演奏效果倘若离开她的高光演绎，将是不可想象的。谢幕时，尼尔森斯也请她多次独自站起来接受听众的致意。

与此同时，乐队里的女性演奏家整体也在蓬勃发展。这就体现出维也纳爱乐确实分清了传统的核心，同一些应当革新的东西。

表现德沃夏克的《第七交响曲》，前两个乐章，多少有点体现出尼尔森斯的无为而治。维也纳爱乐的演绎，一定程度上淡化了作曲家笔下的阴郁氛围，转而在乐队的美声中寻求波西米亚的田园情怀。

不过，在“德七”的第三乐章，维也纳爱乐就呈现了他们比较传统的高光演绎。对于原作舞曲风格的律动，乐队血脉中rubato的神韵体现得相当精彩。演奏家们的精神明显比前两个乐章振奋许多，整体音响的凝聚感几为全场之最。

同时非常突出的一点，就是维也纳爱乐真正状态上来的时候，他们弦乐的一种传统特质也会强烈地挥发出来——乍听之下，不是绝对的整齐，稍微有一点层次的错位，但其实是形成某种他们所追求的更加“温暖”的效果。

现场聆听维也纳爱乐演出圆舞曲和波尔卡作为加演，对他们的理解自然是加深了一层。除了独特的韵味之外，维也纳爱乐演出这些作品的分量在现场领略，也是和录音中不一样的。

文章开头提到，这次是丹拿音响邀请我来听演出。维也纳爱乐的两场音乐会，正是丹拿音响独家赞助的。这些演出也标准着他们和星海音乐厅合作的开始。希望是天作之合，因为这个场地的音响这么好，丹拿音响又是高端音响品牌的代名词之一。

从说明材料上看，他们的合作包括赞助演出，这当然非常重要，因为好的乐队演出，真的是要砸大钱。而哪怕不是那么砸钱的，同样有很多杰出的音乐家需要推；也包括可能会推一些本土的演奏家，这是我特别期待的。期待是品味的展现。

总之，这次丹拿音响最核心想要做的事情，就是他们觉得原本自己对于现场演出的各种活动的不够深入，现在想把这一块补上。“回归现场”。当下，不少公司的操作思维都出现了不同以往的变化。而一个音响品牌去助推现场，至少在我看来，只能说是非常地自信。

因为真实的现场效果，是检验音响品质最核心的标准。